Filmselskaber, TV & radioselskaber

I anledning af sit 50 års jubilæum i medierne; udsender Jørgen de Mylius sine erindringer. Jørgen de Mylius blev født den 5. marts 1946. Allerede som 17-årig; da han gik i 2. g på Østre Borgerdyd i 1963 blev han tilknyttet P3's nye musikradio for at lave musikprogrammer for de unge; og lige siden har han formidlet pop; rock og beat til skiftende generationer af danskere. I 1968 uddannede han sig til journalist.Jørgen de Mylius fortæller om sin lange og utrolige karriere inden for musikken; om alle programmerne i radioen; som begyndte med Top Tyve og Efter skoletid - til Eldoradio i 2012. På tv vil mange huske ham fra en lang række portrætudsendelser af kendte musikere og også her mange programmer Superchancen; Stardust; Eldorado mv.Hos meningsdannere i pressen og i radio-regi har han i perioder været inde i varmen og i perioder ude i kulden; men hans store engagement; hans trofaste publikum og hans enorme viden om musik har båret ham igennem. I dag vil der næppe kunne findes en voksen dansker; som ikke har lyttet til eller set hans programmer.I erindringerne kommer vi bag om personen Jørgen de Mylius fra hans barndom i 50'erne i København; hvor hans musikinteresse startede ved at lytte til Radio Mercur og Radio Luxembourg til hans mange møder med kendte musikere som bl.andre The Beatles; Rolling Stones; Cliff Richard; Abba samt mange kunstnere.På privatfronten har der i næsten hele perioden været børn i hans liv. Jørgen de Mylius fik sit første barn som ganske ung med sin første kone Jytte og blev far for sidste gang i en alder af 59 i sit nuværende ægteskab med Inger.Jørgen de Mylius' liv byder på en fantastisk kavalkade af musik og oplevelser; som han nu vil dele med os. nbsp;

Dette er 2. del af historien om Saga Studio. Det legendariske filmselskab, der stod bag en lang række af de nu klassiske film fra den folkelige, danske films guldalder. Selskabet var blevet drevet som et enkeltmandsfirma af grundlæggeren John Olsen frem til hans død i 1959. Hans sidste film blev en opsummering af hele hans produktion og et højdepunkt i den danske folkekomedietradition: Baronessen fra benzintanken. Efter John Olsens død blev filmselskabet omdannet til et aktieselskab, Saga Film A/S, som drev filmstudiet og den store Saga Biograf i København. Selskabet var ejet af John Olsens enke, Inger John Olsen, men sønnen Flemming John Olsen stod for den daglige drift sammen med nøglemedarbejdere fra farens tid. Ikke mindst direktøren Poul Bang og instruktøren Annelise Reenberg. Der blev blandt andet produceret populære film som Peters Baby, Frk. Nitouche, Støv-filmene og Min søsters børn-serien - men også en Bodil-belønnet filmatisering af Knud Sønderbys Midt i en Jazztid. I midten af 1960’erne flyttede Saga Film A/S sammen med Palladium i Hellerup, som de delte studier med frem til 1970. I 1970 måtte selskabet efter store tab reorganiseres og Sven Borre og Dirch Passer blev medejere af Saga Film A/S, som på den måde kunne fortsætte filmproduktionen. Det kom til at foregå på Risby-studierne, som Saga Film A/S blev medejere af. Denne bog er et kig ind bag kameraet, hvor vi følger filmselskabets videre historie, dets kamp for at overleve i en krisetid for den folkelige, danske film samt optagelserne af de enkelte film. Via interviews og udtalelser, givet gennem tiderne, er det et stykke hen ad vejen de implicerede Saga-folk og deres efterkommere, der selv fortæller historien. Uddrag af bogen Pludselig stod hele denne filmforretning uden sit naturlige overhoved og kreative drivkraft. Det stod dog klart, at ”Saga-familien” ville forsøge at køre foretagendet videre. Både hans familie i form af enken Inger John Olsen og børnene Jonna, Flemming og ”Bebs”, og de mange trofaste medarbejdere på Saga Studio i Charlottenlund, i udlejningen på Frederiksberg Allé og i biografen på Vesterbrogade. Få dage før John Olsens død havde man drøftet selskabets fremtid, når John Olsen engang ikke var der mere. Men man var ikke blevet færdig, og hans underskrift manglede på et afgørende dokument. John Olsen brød sig ikke om at tale om eller tænke på døden, og havde fået udskudt de endelige beslutninger så længe, at det endte med at blive for sent. Om forfatteren Paw Kåre Pedersen (f. 1972) har tidligere skrevet bøgerne om Lau Lauritzen og ASA Film (2010 - 2012) samt linernotes til diverse cd-udgivelser. Senest også en LP: John Mogensen: Så Længe Jeg Lever – John’s Allerstørste Hits (Universal 2018). Uddannet inden for forsikring og har arbejdet på kontor i den branche i over 20 år. Niels Jørgen Clement (f. 1945) er uddannet civiløkonom (HD/Organisation) og selvstændig virksomhedskonsulent og underviser på videregående erhvervsuddannelser i ledelsesfag. Har i en lang årrække lavet research på de gamle danske filmselskabers organisation, ledelsesforhold og nøglepersoner. Desuden har han skrevet artikler til Det Danske Filminstituts Filmdatabase (2007) og til Filmleksikon (Gyldendal 2010).

Hvad er satire for en form for humor, og er det underholdning? Hvordan har satiren udviklet sig i dansk tv og hvorfor? Hvorfor gør tv-satiren grin med almindelige mennesker, og hvad blev der egentlig af den politiske satire i dansk tv? Hvorfor bliver tv-satiren næsten altid sendt på DR2? Det er nogle af de spørgsmål, som Dansk tv-satire. Underholdning med kant besvarer. Den belyser og diskuterer tv-satirens programudvikling siden 1968, og den fremhæver den danske tv-satires særlige karakteristika. Den ser på, hvordan tv-satiren er blevet produceret, og den beskriver og modstiller to produktionskulturer, der har præget dansk tv-satire og dermed de programmer, seerne er blevet tilbudt. Bogen er det første, større samlede bidrag om en dansk tv-satire. Den bygger på en omfattende genreanalyse af den danske satiretradition i spændingsfeltet mellem tradition og fornyelse. Den bygger desuden på interviews med producenterne af tv-satiren, fra tekstforfattere og komikere til redaktører og kanalchefer. På den baggrund diskuteres konsekvenserne af udviklingen for dansk public service-tv’s underholdningsprofil og de udfordringer, programtraditionen står overfor i et konkurrenceudsat mediemiljø.

The long-awaited first work of non-fiction from the author of the #1 New York Times bestselling Once Upon a Time in Hollywood: a deliriously entertaining, wickedly intelligent cinema book as unique and creative as anything by Quentin Tarantino.

"Jeg kan ikke genkende min gamle arbejdsplads gennem 22 år, når jeg i dag ser TV-Avis eller hører Radioavis."Sådan begynder Mikael Bramsen sine erindringer. En varm, morsom og selvironisk skildring af forfatterens 22 år på Danmarks Radio som journalist og korrespondent. Bogen er en selvbiografi, men den egentlige hovedperson er Danmarks Radio. Her er skildringer af politikere, mediefolk, teknikere. Af deres gøren og laden. Af drukkenskab. Af kreativitet og ramsaltet humor. Af møder med Per Stig Møller, Uffe Ellemann-Jensen, Margaret Thatcher, Jens Otto Krag, Jørgen Schleimann og mange flere.Vi får fortalt, hvordan tv- og radioarbejdet foregik i 60'erne frem til 80'erne. Både den tekniske opfindsomhed og den særlige saglige etos, der prægede redaktionerne. Heller ikke beskyldningerne om de røde lejesvende hos DR er forbigået. Det er lige så meget DR's historie som Bramsens egen. Mikael Bramsen udfylder et tomrum om DR med sin veloplagte og underholdende krønike om sin tid på det hæderkronede mediemonopol.

I slutningen af det 20. århundrede troede de fleste, at radioen ville blive fortidens medium i kraft af web-mediets sejrsgang. Men i dag lever radioen i bedste velgående på nye præmisser, og den er med stor succes blevet integreret i det 21. århundredes digitale medieplatforme.Radioverdener. Auditiv kultur, historie og arkiver består af en række nedslag i radioens sammensatte historie, som den har udfoldet sig i Danmark siden begyndelsen af det 20. århundrede. Tilsammen danner bidragene en anderledes kulturhistorie, der afdækker lydens og lytningens rolle i det moderne Danmark lige fra, hvordan radioen skabte nye musikalske og journalistiske genrer til, hvordan Danmarks Radio kom til at indtage en nøglerolle i et demokratisk samfund under store forandringer. Og - måske vigtigst af alt - afslører bogen, hvem der kan tage æren af at være den første dj, der præsenterede danskerne for The Beatles.I denne indføring i Danmarks radiohistorie anlægger bogens forskere ikke kun et tilbageskuende blik. De udfolder også radioens rolle på det 21. århundredes digitale scene: Takket være podcasts og web-radio har vi ikke blot fået nye lyttevaner, vi har også fået adgang til mange af fortidens radioudsendelser og dermed til en helt ny og glemt del af vores kulturarv, hvis stemmer langt om længe er blevet tilgængelige. Både radioens nutid og dens fortid er forandret. Radioverdener. Auditiv kultur, historie og arkiver stiller skarpt på et medie, vi troede, vi kendte.

Virkelighedens fortællinger er den første bog om den danske tv-dokumentarismes historie. Som Ib Bondebjerg skriver i bogens indledning, handler den om "danskernes virkelighed spejlet gennem tv-dokumentarismen i den begivenhedsrige år fra fjernsynets barndom i 1950'erne til den globaliserede medievirkelighed efter årtusindskiftet". Således er bogen både tv-historie, genrehistorie og kultur- og socialhistorie. Bogen rummer en delvis ny teori om dokumentarismens hovedgenrer og æstetik og deres forhold til virkeligheden og modtageren. Den danske dokumentarismes historie beskrives i tre store perioder: 1. I perioden 1951-1964 finder tv-dokumentarismen sine egne ben, men der laves allerede tidligt fremragende udsendelser. 2. Perioden 1964-1988 er DR's klassiske monopolperiode med et bredt register af dokumentariske genrer fra de kritisk undersøgende til de dramatiserede former og med B&U' s frække eksperimenter. 3. Perioden 1988-2001 er kendetegnet ved monopolbruddets og globaliseringens tidsalder. Perioden er først præget af en stærk periode og siden af en periode med krise og opbrud.

Reality-tv har fået en vigtig placering i tv's programudbud og den bredere mediekultur. Reality-tv dækker over en lang række forskelligartede programtyper, der har det tilfælles, at man følger almindelige mennesker eller celebrities i hverdagslige eller mere ekstraordinære situationer. Reality-programmer fokuserer på følelser og giver seerne en fornemmelse af at komme tæt på deltagerne, ikke mindst igennem de tværmediale tilbud om brugerinvolvering, flere af programmerne indeholder. Anne Jerslev belyser seernes interesse for og inddragelse i reality-tv og diskuterer reality-tv's sammenhæng med celebritykulturen. Desuden behandler hun reality-tv som genre, reality-tv's samspil med den mediemæssige udvikling og sætter fænomenet ind i en bredere kulturel kontekst.

Drawing on a wealth of academic research, statistics and interviews with key Australian media people including present and former Australian Broadcasting Corporation staffers, this book explores the transitions of the ABC under various types of organisational re-strategising, governance and political shifts.The book provides the reader with an authoritative narrative as to how the ABC has lost its iconic status in Australian society, and unfolds how the ABC has strayed from its respected public charter which endowed the ABC with a distinctive and important role in informing, educating and entertaining the Australian public. Successive federal government funding cuts have shrunk staffing levels and services while it has pursued a corporatist model that mimics the trappings and practices of commercial media. In that process it has become politicised and trivialised, thereby threatening its demise. The book is a unique and timely contribution at a time of dwindling interest for the funding of public assets everywhere. There is no other book in the market that addresses the decline of the organisation (the ABC) and analyses the reasons for its demise within an organisational theoretical framework. The book is written for an educated general audience, with academics and media practitioners specifically in mind, and has everyday applications for business organisations operating in the public sector by bringing together important findings of public funding, budgets, management and organisational strategies and evolution.

This edited collection is the first book to offer a wide-ranging examination of the interface between American independent film and a converged television landscape that consists of terrestrial broadcasters, cable networks and streaming providers, in which independent film and television intersect in complex, multifaceted and creative ways.

This book explores how audiences in contemporary Europe engage with films from other European countries. It draws on admissions data, surveys, and focus group discussions from across the continent to explain why viewers are attracted to particular European films, nationalities, and genres, including action-adventures, family films, animations, biopics, period dramas, thrillers, comedies, contemporary drama, and romance. It also examines how these films are financed, produced, and distributed, how they represent Europe and other Europeans, and how they affect audiences. Case-studies range from mainstream movies like Skyfall, Taken, Asterix & Obelix: God Save Britannia, and Sammy¿s Adventures: A Turtle¿s Tale to more middlebrow and arthouse titles, such as The Lives of Others, Volver, Coco Before Chanel, The Girl with the Dragon Tattoo, Intouchables, The Angels¿ Share, Ida, The Hunt, and Blue Is the Warmest Colour. The study shows that watching European films can sometimes improve people¿s understandings of other countries and make them feel more European. However, this is limited by the strong preference for Anglo-American action-adventures that offer few insights into the realities of European life. While some popular European arthouse films explore a wider range of nationalities, social issues, and historical events, these mainly appeal to urban-dwelling graduates. They can also sometimes accentuate tensions between Europeans instead of bringing them together. The book discusses what these findings mean for the European film industry, audiovisual policy, and scholarship on transnational and European cinema. It also considers how surveys, focus groups, databases and other methods that go beyond traditional textual analysis can offer new insights into our understanding of film.

This book is based on a mixed-method, longitudinal study of the transmission, production, and reception of Spanish- and Portuguese-language television in four global cities with expanding Latinx diasporic populations. The author tracks and analyzes the production practices of Spanish-language broadcasters, the highlights of news and cultural affairs coverage, changes in the shooting locations and sociocultural discourses of telenovelas (both imported from Latin America and domestically produced), the presence of SLTV in the national political sphere, and the modes of media access and opinions of over 400 viewers in Detroit, Los Angeles, Miami, and Madrid. The possibilities created by SLTV and PLTV for achieving a sense of enfranchisement are explored. Intended for a general, as well as academic reading audience.

This book explores the roles cultural intermediaries play in East Asian cinema. Based on extensive original research, and viewing cinema from the social science perspective which emphasizes the social processes entailed in the cultural production, circulation, and consumption of films.

This book examines the emergence of small cinemas of the Andes, covering digital peripheries in Ecuador, Bolivia, Peru and Colombia. The volume critically assesses heterogeneous audiovisual practices and subaltern agents, elucidating existing tensions, contradictions and resistances with respect to established cinematic norms. The reason these small cinematic sectors are of interest is twofold: first, the film markets of the aforementioned countries are often eclipsed by the filmmaking giants of Mexico, Brazil and Argentina; second, within the Andean countries these small cinemas are overshadowed by film board-backed cinemas whose products are largely designed for international film festivals.

This book explores 2010s Hong Kong film industry, focusing on its (presumably) independent sector. Although frequently mentioned in global film industry studies, the term ¿independent film¿ does not always carry a clear meaning. Starting with this point, this book studies closely Hong Kong¿s new indie cinema of the 2010s from political, economic, social, cultural, and film industrial perspectives, arguing that this indie cinema was vital to the long-term sustainability of the city¿s film industry.

Taking a transnational approach to the study of film culture, this book draws on ethnographic fieldwork in a South Korean university film club to explore a cosmopolitan cinephile subculture that thrived in an ironic unevenness between the highly nationalistic mood of commercial film culture and the intense neoliberal milieu of the 2000s. As these time-poor students devoted themselves to the study of film that is unlikely to help them in the job market, they experienced what a student described as 'a different kind of fun', while they appreciated their voracious consumption of international art films as a very private matter at a time of unprecedented boom in the domestic film industry. This unexpectedly vibrant cosmopolitan subculture of student cinephiles in neoliberal South Korea makes the nation's film culture more complex and interesting than a simple nationalistic affair.

This book explores the challenges facing women from their mid-forties as they attempt to build/maintain careers in the screen industries. Essays are concerned with the intersection of gender and age on screen and behind the camera and how that can create a ¿double jeopardy¿.Existing research in this area has been primarily directed to onscreen representation. Female actors, with notable exceptions, struggle to get screen time and expansive roles as they age. Behind the camera, women 45+ also face challenges and roadblocks; to date, less attention has been directed to this group. The cross-cultural research in this collection offers an analysis of representation, on and off screen, touching on film, television, streaming services and film festivals. It includes an exploration of gendered ageism, age bias and stereotyping. It also highlights the achievements of mature female practitioners who, in their work and working lives, embody a resistance to restrictive cultural discourses about ageing women.

This book explores how television in the global South is ¿future-proofing¿ its continued relevance, addressing its commercial, social and political viability in a constantly changing information ecosystem. The chapter contributions in the book are drawn from countries in East, South and West Africa, the Middle East and Latin America, specially selected for their illustrative potential of the key issues addressed in the book. Scholarly attention on television in the global South has largely been limited to studying evolving television formats with broader structural issues covered almost entirely by industry reports. Major gaps remain in terms of understanding how television in the global South is changing within the context of the significant technological developments and what this means for television¿s future(s). The chapters reflect on these futures, not in the sense of predicting what these might be, but rather anticipating important areas of intellection. The contributors contend that much of the scholarship on the global South, by scholars from the South, is often stilted by a reluctance to anticipate. This failure leads to a largely reactionary scholarship, constantly oppositional, and unable to recentre conversations on the South. This volume finds intellectual incentive in this urgent need to anticipate, hence its particular focus on television futures. Taking television in the global South as an important cultural and political barometer, the book seeks to explore how television in the global South is adapting to the rampant technological changes and processes of globalisation.

This book offers interdisciplinary examination of gender representations in cinema and SVOD (Subscription Video on Demand) platforms in India. This book will identify how the so-called feminist enunciations in twenty-first century film and SVOD content in India are marked by an ambiguous entanglement of feminist and postfeminist rhetoric. Set against the backdrop of two significant contemporary phenomena, namely neoliberalism and the digital revolution, this book considers how neoliberalism, aided by technological advancement, re-configured the process of media consumption in contemporary India and how representation of gender is fraught with multiple contesting trajectories. The book looks at two types of mediäcinema and SVOD platforms, and explores the reasons for this transformation that has been emerging in India over the past two decades. Keeping in mind the complex paradoxes that such concomitant process of the contraries can invoke, the book invites myriad responsesfrom the authors who view the shifting gender representations in postmillennial Hindi cinema and SVOD platforms from their specific ideological standpoints. The book includes a wide array of genres, from commercial Hindi films to SVOD content and documentary films, and aims to record the transformation facilitated by economic as well as technological revolutions in contemporary India across various media formats.

This is the first study of the early formative years of one of Wales's most important cultural organisations - Sianel Pedwar Cymru (S4C). The volume chronicles the decisions and activities of the channel during its trial period between 1981-5. Through a detailed study of minutes, correspondence and interviews with individuals who were key to the channel's development during its early years, it chronicles the many challenges, successes and failures which faced the S4C Authority and its staff as they aimed to create a Welsh-language television service that would meet the desires and needs of the audience in Wales. S4C is no ordinary channel, and no other period in its history portrays this more effectively than the trial period given to it at the beginning of the 1980s.

This book examines the creative impact of licensing on the entertainment industry, how licensing practitioners' occupational disposition is formed, and the role licensing professionals play in managing the circulation of intellectual property.