Bøger om Abstrakt kunst

"Ankh Bhar Aasman" by Yawar Maajed: A soul-stirring collection of Urdu Ghazals and Nazms, enriched with evocative watercolor artwork. A perfect blend of poetic depth and visual beauty.

Katharina Grosse bemalt den Raum direkt, indem sie Farben auf Wände, Böden, ganze Häuser und die Materialarrangements aufträgt, die sie in Ausstellungen integriert. In einer Serie von 15 großformatigen Atelierbildern aus den Jahren 2022/2023, in der Galerie Max Hetzler in Berlin gezeigt und in diesem Buch vorgestellt, sind ihre chromatischen Schleifen und Bündel von wirbelnden Farblinien Ausschnitte aus einer größeren Bewegung, die dank der zum Malen verwendeten Sprühpistole über die körperliche Reichweite der Künstlerin hinausreicht. "Meine Arbeit hat viel mit der Entstehung einer physischen Wirkung zu tun", sagt Grosse. "Die volle Wirkung entsteht aus der Körpermitte heraus und endet beinah in einem Angriff , den ich dann in ein farbenfrohes Ereignis verwandle." Die Formen wiederholen sich und variieren und werden manchmal durch Schatten von Ästen unterbrochen - im ästhetischen Angriff der Bilder fi nden sich viele Feinheiten. Die großformatigen Werkabbildungen im Buch wechseln sich mit Detail- und Installationsaufnahmen, in welchen sich die unmittelbare Erfahrung sowie die konzeptionelle Neukonfi guration der malerischen Geste in Grosses Werk mitteilen.In Zusammenarbeit mit Galerie Max Hetzler Berlin | Paris | London

Lyset bringer optimisme i hverdagen med sin oplivende tilgang til livetog giver inspiration til malerkunst.

Die Monografie begleitet die Personale, die vom 10. Oktober 2023 bis 14. Jänner 2024 im Museum Moderner Kunst Kärnten (MMKK) neue Arbeiten von Eric Kressnig zeigt."Vielfältige Reflexionsmaschinen" nennt Kressnig seine Werke - geometrisch abstrakte Malerei, Grafik, Fotografie, erweitert zu Objekten und Installationen, die komplexen konzeptuellen und konstruktiven Methoden folgen, von höchster handwerklicher Präzision sind und mit minimalen Abweichungen, Verschiebungen oder Auslassung dazu einladen, den ihnen eingeschriebenen künstlerischen Prozess mit all seinen Facetten zu erkunden.Texte von Andreas Spiegl und Christine Wetzlinger-Grundnig eröffnen Zugänge zum Werk des vielfach ausgezeichneten Künstlers, in einem Interview mit Andreas KriStof kommt er auch selbst zu Wort. Eine ausführliche Biografie dokumentiert Eric Kressnigs beachtliche Präsenz in Ausstellungen, Publikationen sowie Sammlungen.»Es geht nicht um große Würfe, sondern interessant sind die kleinen Schritte, die Feinheiten und ihre Effekte auf Werk und Wahrnehmung. Es geht um Stufen, die gesetzt und Schwellen, die unter- oder überschritten werden (müssen), um einen Grenzgang entlang der Linie zwischen den Polen von Sichtbarem und Unsichtbarem, Realität und Illusion, Statik und Dynamik, Zwei- und Dreidimensionalität und um die Räume dazwischen - die Zonen der Übergänge - die das eigentliche Feld sind, auf dem sich die Arbeit von Eric Kressnig aufspannt.« Christine Wetzlinger-Grundnig»Eine Kunst als Uhrwerk, in dem das Zeitliche und Farbige, das Chronische und Chromatische den Takt angeben und einen anderen Begriff von Zeit einläuten, eine Gegenwart und Gegenwärtigkeit, in der die Gegensätze und Widersprüche nicht ausgelöscht oder ausgeblendet, aber in Balance und Schwebe gehalten werden.« Andreas Spiegl

Klare Linien, geometrische Formen und kontrastreiche Farben - wie kaum ein anderer Künstler seiner Zeit entwickelte Günter Fruhtrunk (1923-1982) mit großer Präzision und faszinierender Beharrlichkeit eine höchst eigenständige abstrakte Bildsprache, die er über die Jahre in vielfältigen Variationen perfektionierte. Durch den Einsatz mathematischer Methoden wie geometrischer Berechnungen und Verhältnisgleichungen erzeugte er optische Täuschungen und ein Gefühl von Bewegung, Vibration und Flimmern in seinen Werken. Es entstanden enorm verdichtete, leuchtende Bilder, die sich der passiven Betrachtung entziehen und den Sehvorgang permanent herausfordern. Nicht zuletzt diese Bildsprache macht das Werk hochaktuell und den Katalog zur Retrospektive äußerst sehenswert.

Unter Verweisen auf Soziologie und Science-Fiction brachte Peter Halley in den 1980er-Jahren frischen Wind in die Malerei. Mit Neonfarben und Roll-A-Tex-Sandtextur dekonstruierte er transzendente geometrische Abstraktionen von Beginn und Mitte des 20. Jahrhunderts zu abstrakten Zellen und Gefängnissen und verband sie augenzwinkernd durch Kanäle mit der Außenwelt.Durch die Verortung seiner Malerei in der Schnittmenge zwischen analoger und digitaler Welt greift Peter Halley viele Herausforderungen des Informationszeitalters und des französischen Poststrukturalismus auf. Hobbs' Monografie analysiert Halleys fast hermetisch verschlüsselte geometrische Kunst mit Blick auf die Möglichkeiten des Internets, die ästhetischen Optionen von Photoshop, die Aktualität der soziologischen Theorien von Michel Foucault und Jean Baudrillard sowie die ungelösten Rätsel gleichermaßen von Science Fiction und Physik.

Pasiones y desventuras: Aciertos y desaciertos en el amor. Horizonte al que dirige sus pasos este poemario. En las exigencias de las rimas que conforman la décima, el soneto y otras composiciones poéticas el autor encuentra espacio para recrear controversias amorosas. En sus cálidas poesías, el lector se auto descubre, a solas con su alma. Toma partido, a favor o en contra, teniendo como juez la historia de sus propias pasiones y desventuras.

From today's perspective, Leon Polk Smith's dynamic, geometric abstractions can be understood as a missing link in art history. His work connects the European avant-garde with the American Abstract Expressionism of the 1940s and 1950s via references to the work of Piet Mondrian. Smith's pioneering role in the hard-edge style with its neat monochromatic fields of color as well as his shaped canvases are in turn developments that transpired from America to Europe. Departing from the rectangular canvas allowed Smith to conceive new interrelations between his sophisticated two-color compositions and the spatial context. Most notably, his unique Constellations series, created between 1967 and 1975, marks the high point of his career, and won him artistic acclaim beyond America's borders. Alongside the early compositions from the 1940s and the multi-part shaped canvases, this book features collages, reliefs and painted objects and proposes a new reception of Smith's decades-spanning oeuvre.LEON POLK SMITH (1906 - 1996) is one of the most important representatives of geometric abstraction. Born in Chickasha in the then called Indian Territory, later to become Oklahoma, his first paintings, created in the 1930s, are rooted in the indigenous culture that surrounded him. Smith moved to New York in 1944, where he came into contact with the works of Mondrian and De Stijl.

Die großformatigen farbintensiven Malereien von Stephanie Pech (*1968) faszinieren durch die visuelle Prägnanz der hyperrealistisch herausgearbeiteten Motive und ihre leuchtenden, meist monochromen Bildgründe. Sie betreibt eine Malerei im Modus einer heiß-kalten Bildmagie, welche die enigmatische Eigenwirklichkeit des Bildes und seine Sehnsucht danach, etwas von der Welt zu erzählen, in einer fragilen Balance hält.Aus dem Prinzip der Collage entwickelt Stephanie Pech eine Kombinatorik, bei der Ebenen des Künstlichen und des Natürlichen aufeinanderprallen. Ihre Malerei verweist auf das Auflösen der festen Grenzen zwischen unterschiedlichen Identitäten, Körpern und Realitäten.

Die umfangreiche Monografie zeigt die ganze Bandbreite des Werks von Giulia Andreani von 2011 bis heute in mehr als 150 Gemälden, Aquarellen und Skulpturen. Für die Malerin ist die künstlerische Recherche zu Darstellungen von Frau, Macht und Gesellschaft wesentlich. So beginnt ihre Praxis im Archiv oder im Internet auf der Suche nach geschichtlichen Abbildern von Frauen und Männern, die durch ihre Rolle oder ihr Handeln soziale Aspekte verkörpern: Widerstandskämpferinnen, Wissenschaftlerinnen, Diktatoren und ihre Ehefrauen, patriarchale Künstler, spielende Kinder werden aus den Quellen entweder malerisch in Porträts übersetzt, oder zu komplex collagierten Szenarien in imaginären Historiengemälden ausgearbeitet. Alle Bilder sind in unterschiedlichen Nuancen von Paynes Grau gehalten, so dass die Figuren in einem Dialog über die Jahrhunderte auf derselben Bühne stehen. Gefundene Fotografien, digitale Bearbeitung und malerische Erfindung sind gleichberechtigte Mittel, um zu einem Bild des weiblichen Blicks zu gelangen, das gleichzeitig immer auch hinterfragt wird. "Andreanis Auffassung von Kunstgeschichte ist durchlässig und alles andere als rein", schreibt Flavia Frigeri in ihrem Essay, "aber sie bewirkt, dass die Frau im wahrsten Sinne des Wortes in den Mittelpunkt des Bildes gerückt wird."In Zusammenarbeit mit Galerie Max Hetzler Berlin | Paris | London

Georg Baselitz enters a dialogue with the Old Masters - invited by Kunsthistorisches Museum Vienna, the acclaimed German painter and sculptor engages in a visual conversation. Baselitz himself curated this selection of works, focusing exclusively on nude painting. Both the exhibition and the catalogue revolve around this elemental human state, and its fundamental role in European art.From the beginning of his career, Baselitz's work has been informed by a pronounced awareness of art history, above all he was inspired by Mannerism's break with classical rules. Insights into the history of nude painting, as well into the topicality of painting itself, emerge from this encounter of Baselitz's works with historical paintings of an idealized beauty from Kunsthistorisches Museum. The carefully chosen juxtapositions open up a space in which one can reflect and experience the essence of painting anew.GEORG BASELITZ (*1938, Deutschbaselitz) is without a doubt one of the most influential painters and sculptors of our time. His work eludes easy categorization, but has continuously returned to his search for a new approach to updating classic figurative painting. In a celebrated turning point in 1969, he literally turned his paintings upside down and thereby managed to change the public's viewing habits, and to sharpen their perceptions.

Josef Albers's groundbreaking series Homage to the Square comprises roughly two thousand oil paintings. His continuous reflections and refinements for more than 25 years inspired numerous young minimal and conceptual artists in their search for a reduced formal language. This outstanding catalogue explores the secret of Albers's subtle aesthetic and unearths its preconditions: What is the significance of the square? How does his impression of color and its use as a material change during this period? Featuring studies on paper, archival materials, as well as essays by internationally-leading Albers experts such as Jeannette Redensek and Heinz Liesbrock, this richly illustrated publication sheds light on the various inspirations that influenced Albers early on in Europe and later in America, and illustrates the lasting impact of his art and thinking.As an influential teacher, writer, painter, and color theorist JOSEF ALBERS (1888, Bottrop-1976, New Haven, CT) is one of the leading pioneers of twentieth-century modernism. From 1923 onwards he taught at the Bauhaus, and continued to do so after his emigration to the USA in 1933 at Black Mountain College in North Carolina, and at Yale University, where he worked on his Homage to the Square from 1950 until his death. HEINZ LIESBROCK (*1953) was the long-standing director of the Josef Albers Museum Quadrat in Bottrop. He has written extensively on Albers and his influence on art history.

78 vibrant colored illustrations jump off the page, stimulating the visual senses. To conclude the book, the reader counts globes scattered on each page, a coloring activity (Hardback ONLY), and journaling which is a form of self-expression!

Seit Jahrzehnten faszinieren die Malereien von Vera Leutloff (*1962) durch ihre klare Formensprache innerhalb wohlkalkulierter Bildräume mit leuchtenden, kontrastreichen Farbverläufen. Diese entstehen, indem die Künstlerin dasFarbmaterial auf der Leinwand übereinander schichtet und dann in konzentrierten Pinselführungen in Bewegung bringt:"Die Formgebilde sind die Bühne für das, was Farbe und Bewegung machen", sagt Leutloff, die an der KunstakademieDüsseldorf Meisterschülerin von Alfonso Hüppi war. Zu Beginn ihres Werdegangs erforschte die Malerin Möglichkeiten der Darstellung von Landschaft. Während in ihren frühen Arbeiten abstrakte Formelemente in organisch wirkenden Szenerien das Artifizielle der Komposition unterstreichen, nimmt deren ornamentaler Charakter später stetig zu.

Über 90 Zeichnungen, von denen der Künstler hier eine Auswahl zusammengestellt hat, entstanden während Sakir Gokcebag s dreimonatigem Stipendienaufenthalt in Stein am Rhein. Diesen täglichen Arbeitsauftrag hatte sich der Künstler erteilt. Diese Zeichnungen sind deshalb wie ein Tagebuch lesbar: Als kryptische Notizen, Erinnerungszeichen und Bewegungsmuster zeigen sie Stationen zwischen kontrollierter Übung und spontanem Impuls.Die frei gewählte Beschränkung auf das Wesentliche, auf einfache zeichnerische Mittel - Stift und Papier - ist eine Rückkehr zu den Ursprüngen der Kunst, die auch für das künstlerische Selbstverständnis von Sakir Gokcebag fundamental ist. Dabei sind serielles und modulares Ordnungsdenken im Sinne der Minimal Art konzeptionelle Grundlagen all seiner Werke. Auf seiner Suche nach einer universellen Formensprache, ist es jeweils eine Form, die er durch verschiedene relationale Verknüpfungen und durch Reihen- und Gruppenbildungen fokussiert.In seinen Tagebuchzeichnungen umkreist der Künstler auf die gleiche Weise Tag für Tag ein anderes Formenrepertoire. Mit seinen abstrakten Arbeiten wirft der Künstler fundamentale Fragen auf, wie nach dem Verhältnis des Teils zum Ganzen, nach der Stabilität oder Fragilität von Ordnungssystemen und Regeln.Sakir Gokcebag übersetzt Alltägliches in Abstraktes und umgekehrt. Er besetzt dabei das Spannungsfeld von Fläche und Form, Linie und Körper, Stereotyp und Diversität.

Der Sieben Schläfer nach Sakir Gökçebag ist eine Corona-konforme Großskulptur aus der Gattung der Partizipativ-Kunst. Die Ausstellung ist horizontal ausgerichtet, raumbezogen auf das Goldbekhaus und von sieben Aufbauteams aus alltäglichen schwarzen Plastikkübeln gestaltet. Dem Minifesto des Künstlers folgend muss Kunst nicht kompliziert sein, sondern darf ihren Gehalt auch aus der Einfachheit entfalten. Im Volksglauben wird zeitgenössische Kunst entweder als intellektuell verkopft oder als spannender Impulsgeber und Sinnstifter gedeutet. Dieser Sieben Schläfer des George-Maciunas-Preisträgers war zum 100. Beuys-Geburtstag das Kunstereignis in Hamburg und mitten im Pandemie-Lockdown auch viral im Netz präsent. Die Vielfältigkeit der Möglichkeiten was eine Gegenwartskunst auslösen kann, lassen sich gut am konkreten Projekt des Sieben Schläfers erläutern. Neben dem begleitenden Filmteam und den Aufbauteams warfen Neugierige bereits während der Entstehung des Werkes einen Blick auf das sich entwickelnde Werk. Zahlreiche Besucher ließen sich von der genialen Banalität, der faszinierenden Präzision und dem ästhetischen Gesamtkonzept über die Ausstellungszeit in den frühen Mai-Tagen faszinieren. Vor allem aber folgten, herzten und teilten tausende Menschen dieses eine Woche lang jeden Tag in den sozialen Medien digital wachsende Werk. So entstand ein kollektives Erlebnis auf unterschiedlichsten Ebenen, dass noch geposted und verlinkt wird, während das physische Werk sich bereits wieder zu einem nächsten Winterschlaf in seine Kisten zurück-gezogen hat und auf einen kommenden Ausstellungseinsatz in sieben Wochen, sieben Monaten oder vielleicht auch erst in sieben Jahren wartet.

Sparsam und zurückhaltend, bis auf die Linie, setzt Serena Amrein die Ausdrucksmittel in ihrer Kunst ein. Diese Askese reicht so weit, dass nur noch Geraden übrig bleiben. Die Selbstbeschränkungen der Künstlerin sind insofern gemäßigt, als dass sie gebrochene Linien sowie - neben Weiß und Schwarz- chromatische Farben verwendet. Manchmal verlaufen die Linien auf ihren Leinwänden horizontal, parallel, in abgemessenen Abständen, die sich über die ganze Bildfläche wiederholen. Dann dominieren vertikale, fast zerfallende, nicht gänzlich definierte, unterbrochene also kürzere Linien, aber auch verdoppelte, in ungleichen Abständen zueinenader positionierte, manchmal gebogen.

Bridget Rileys Kunst speist sich aus dem Interesse der Künstlerin an Formen und Farben der Malereigeschichte, die sie von ihrer ursprünglichen Darstellungsfunktion trennt und so neue Klänge und Bedeutungen findet. Mit jeder Bildserie fügt sie ihrem Werk etwas hinzu - und in diesem Buch, bereits ihrem fünften bei Holzwarth Publications, begegnen wir den jüngsten Ergebnissen: Da sind die Intervals, bei denen sie breite horizontale Streifen in vergrauten Grün-, Violett-, Orange- und Türkistönen auf weißem Grund übereinander stellt. Die Anordnung folgt keiner mathematischen Regel: "Wenn klar geworden ist, dass es kein festes Prinzip hinter den Permutationen gibt", schreibt Éric de Chassey in seinem Essay, "können sich Geist und Auge auf die Harmonie des Gesamtbildes einlassen, die durch den Rhythmus der Veränderungen einzelner Elemente entsteht". Bilder der Serie Measure for Measure sind in ähnlichen Tönen gehalten, aber durch die Komposition in farbigen Kreisen haben sie einen luftigen, schwebenden Charakter, jede Farbe wirkt auch für sich allein. Diese neuen Arbeiten werden an allen drei Ausstellungsorten der Galerie Max Hetzler in Berlin zu früheren Leinwänden und Wandmalereien seit 1984 in Beziehung gesetzt. Hier zeigt sich, dass Rileys Werke immer eine Bilanz dessen sind, was sie bereits erreicht hat, und gleichzeitig Vorarbeiten für künftige Bilder.

Kunstneren Henrik Pryds Beck"Samling"En Analog,tekst af Jan Hartmann Mogensen

Photography whiteout a photographer. Selfgenerated by the mobilphone in a pocket. Somehow these unintended registrations of colours and lights seen by nobody has turned into images.