Installationskunst

Den danske billedkunstner John Kørner (f. 1967) forener det klassiske landskabsmaleri med motiver fra en til tider brutal virkelighed i sin billedverden, hvor sociale og politiske emner materialiseres som problemer af både lokal og global karakter. I monografien fremhæves Kørner som multikunstner, der dog har fastholdt maleriet som den billedform, han viser en uforbeholden tillid til. Kørners farverige malerier, skulpturer, grafik og installationer bringer læseren helt ind i kunstnerens mangeårige oevre. I samtale med Marie Nipper, der kuraterede Kørners store retrospektive udstilling Altid mange problemer på Kunsthal Charlottenborg i 2017, fortæller Kørner om sin lyst til at formulere sig i rumlige installationer, der rækker ud over lærredets traditionelle grænser, og om de dramatiske højdepunkter og begivenheder, der til stadighed påvirker ham. Kurator Max Andrews (frieze) og kunstkritiker Oliver Basciano (ArtReview) reflekterer i de to essays “Kørner-problemet” og “Det gode med det onde” over Kørners mangeårige arbejde med `problemet´ som gennemgående figur. På både godt og ondt hører problemer med til det at være i verden. Problemer er vigtige, for både mennesket og kunsten.Monografien JOHN KØRNER er den mest omfattende udgivelse om kunstneren til dato.JOHN KØRNERHardcover280 siderGennemillustreretTekst parallelt på dansk og engelskUdgivet på Roulette Russe

I den gennemillustrerede Surrealisternes liv, med portrætter af kunstnerne og deres kendte kunstværker, giver Desmond Morris et personligt, rørende, humoristisk og først og fremmest vidende portræt af de 32 mest fremtrædende kunstnere i den surrealistiske kreds omkring André Breton i 20’erne, 30’erneog 40’erne. Wilhelm Freddie, Dalí, Man Ray, Max Ernst, Marcel Duchamp og Magritte er bare nogen af de kunstnere, som bliver portrætteret i bogen – en helt forrygende samling kunstnere, som var forenet om det samme projekt … at gøre hverdagen og kunsten lidt mere surrealistisk.Surrealismens kunst bliver mere og mere populær i disse år, og tusindvis af museumsgæster flokkes til udstillinger om Dalí, Magritte, Francis Bacon og Picasso. De syrede og smukke værker, som ofte har drømmeagtige landskaber, mærkelige væsener og bizarre sammensætninger, sælges for rekordbeløb verden over, og surrealismen indeholder formodentligt den mest intense samling kunstnere nogensinde i én isme.Kunstnere, der laver så syret kunst, har ofte en syret personlighed, og en stor del af bogen beskriver også surrealisternes outrerede seksuelle tilbøjeligheder, mærkelige happenings og generelt pudsige indfald. Surrealisternes liv – en meget, meget underholdende bog.

AKA HØEGH har sit helt særegne udtryk inden for grønlandsk og nordisk kunst – dybt forankret i Grønlands vældige natur og dramatiske sagnverden. Hun fastholder sit fokus på almenmenneskelige følelser og naturens ukrænkelighed i en tid med store samfundsmæssige omvæltninger. Hun skildrer mytiske landskaber, drømme og fremtidsvisioner i lyset af global opvarmning. Hun arbejder med vidt forskellige udtryk og materialer – fra pensel og akvarelblok til skulpturer i granit, fra stålnålens rids i zinken til malerier og store udsmykningsarbejder. Hun har udsmykket Folketingets Grønlandsværelse, udhugget en skulpturgruppe ved Rigshospitalet og illustreret Prins Henriks digtsamling Blå mærker i sjælen … blandt meget andet. AKA HØEGH indfanger Grønlands sjæl og deler den gavmildt med beskueren. Bogen om AKA HØEGH er gennemillustreret med et bredt udvalg af kunstnerens værker. Med sit store format, smukke og luftige grafiske design, lækre papir og høje kvalitet i tryk og bogbind er det en unik gavebog for alle, der interesserer sig for kunst og Grønland! Mai Misfeldt, cand.mag. i litteratur og kunsthistorie, er forfatter og billedredaktør.

Den danske kunstner Kurt Trampedach (1943-2013) skildrede i 60’erne og 70’erne livet og den moderne tilværelse i et mørkt univers. Resultatet er mørke malerier og livagtige menneskefigurer, som lukker os ind i en verden med rodløse og ensomme figurer. Værkerne spejler hverdagens stille øjeblikke og daglige rutiner, der ifølge Trampedach repræsenterer det at være menneske på både godt og ondt. Bogen ”Kurt Trampedach – Møder i mørket” kaster et nyt blik på Kurt Trampedachs kunstneriske storhedstid i 60'erne og 70'erne med bidrag af b.la. Birgitte Anderberg fra SMK og kunsthistorikeren Mikael Wivel, der undersøger og udfolder den betydning, Trampedach havde som kunstner i tiden. Bogen er rigt illustreret med et bredt udvalg af Trampedachs vigtigste værker fra perioden, ligesom den præsenterer sjældent sete arkivfotos, der giver et unikt indblik i kunstnerens tidligere udstillinger og specielle installationer fra 70'erne.

Den danske billedkunstner John Kørner (f. 1967) forener det klassiske landskabsmaleri med motiver fra en til tider brutal virkelighed i sin billedverden, hvor sociale og politiske emner materialiseres som problemer af både lokal og global karakter. I monografien fremhæves Kørner som multikunstner, der dog har fastholdt maleriet som den billedform, han viser en uforbeholden tillid til. Kørners farverige malerier, skulpturer, grafik og installationer bringer læseren helt ind i kunstnerens mangeårige oevre. I samtale med Marie Nipper, der kuraterede Kørners store retrospektive udstilling Altid mange problemer på Kunsthal Charlottenborg i 2017, fortæller Kørner om sin lyst til at formulere sig i rumlige installationer, der rækker ud over lærredets traditionelle grænser, og om de dramatiske højdepunkter og begivenheder, der til stadighed påvirker ham. Kurator Max Andrews (frieze) og kunstkritiker Oliver Basciano (ArtReview) reflekterer i de to essays “Kørner-problemet” og “Det gode med det onde” over Kørners mangeårige arbejde med `problemet´ som gennemgående figur. På både godt og ondt hører problemer med til det at være i verden. Problemer er vigtige, for både mennesket og kunsten.Monografien JOHN KØRNER er den mest omfattende udgivelse om kunstneren til dato.JOHN KØRNERHardcover256 siderGennemillustreretTekst på engelskUdgivet på Roulette Russe

Despite its large and growing popularity — to say nothing of its near-ubiquity in the world’s art scenes and international exhibitions of contemporary art — installation art remains a form whose artistic vocabulary and conceptual basis have rarely been subjected to thorough critical examination.In Installation Art: Between Image and Stage, Anne Ring Petersen aims to change that. She begins by exploring how installation art developed into an interdisciplinary genre in the 1960s, and how its intertwining of the visual and the performative has acted as a catalyst for the generation of new artistic phenomena. She investigates how it became one of today's most widely used art forms, increasingly expanding into consumer, popular and urban cultures, where installation's often spectacular appearance ensures that it meets contemporary demands for sense-provoking and immersive cultural experiences.The main trajectory of the book is directed by a movement aimed at addressing a series of basic questions that get at the heart of what installation art is and how it is defined: How does installation structure time, space and representation? How does it address and engage its viewers? And how does it draw in the surrounding world to become part of the work? Featuring the work of such well-known artists as Bruce Nauman, Pipilotti Rist, Ilya Kabakov and many others, this book breaks crucial new ground in understanding the conceptual underpinnings of this multifacious art form.Anne Ring Petersen is associate professor in the Department of Arts and Cultural Studies at the University of Copenhagen and the editor of Contemporary Painting in Context.

Dette er 13. udgave af kunstårbogen – 101 kunstnere – der præsenterer værker af danske kunstnere på et højt kvalitetsniveau og dermed illustrerer, hvor udbredt billedkunsten er i dagens Danmark.Bogens vigtigste formål er at vise den mangfoldighed, der eksisterer i dansk kunst. Man kan finde god kunst overalt, bogstaveligt talt fra Gedser til Skagen og i alle mulige afskygninger. God kunst skabt af mennesker, der brænder for sagen, og som konstantarbejder målrettet på at blive bedre. Det er disse kunstnere, denne bog gerne vil hylde.Bogen er til alle – galleriejeren, bestyrelsesmedlemmet i en kunstforening og den almindelig kunstinteresserede borger – der vil lære kunsttalenter i alle aldre og fra alle dele af landet at kende og for at se, om der er noget, der fanger.Bogens redaktør, Tom Jørgensen, er kunsthistoriker og anmelder ved Kunstavisen og Jyllands-Posten samt kunstformidler, forfatter og foredragsholder.

I essaysamlingen Hvor kunst hører til besøger den amerikanske forfatter og filminstruktør Chris Kraus en række udstillinger, kunstnere, værker, fester, kyster og byer i en afsøgning af, hvad og hvor kunst kan være. Hvor kunst hører til er en invitation til snakke med hinanden om kunsten, tænke over den og spørge til den. Det er en bog, der betragter kunstverdenen som den pengemaskine, den (også) er, uden at afskrive den og som samtidig insisterer på håbet om, at kunsten stadigvæk spiller en rolle for vores fællesskaber. Ikke for de få, men for os alle sammen.Bogen er oversat af Nanna Friis og Emma Holten.”Det er muligt at være vildt intelligent og samtidig ikke have nogen viden. Denne tilstand – der som regel hænger sammen med ungdom eller forlænget pubertet – resulterer tit i kedsomhed, den eksistensielle stamfader til stort set alle væsentlige kunst- og kulturbevægelser.”

Til oktober 2019 bliver femte bog i serien 'Brask Studio Visits' udgivet. Bøgerne dokumenterer Jens-Peter Brasks besøg i adskillige og forskellige kunstners studier og værksteder i Danmark og verden over. Brask Studio Visits V er stærkere og giver læseren et unikt indblik bag nutidens kunstscenes lukkede døre.Bevæbnet med sit Leica kamera begiver Jens-Peter Brask sig ud i skjulte bydele i bl.a. København, Amsterdam, New York samt Berlin og fotografere kunstnerne i deres kreative proces. Nogle af studierne er små, fyldte op med lærreder, der skaber en labyrint som kun kunsteren selv kender vejen igennem. Andre værksteder er store med assistenter, yderst velorganiseret og har endda udsigt til vandet.Tanken bag 'Brask Studio Visits V' er at åbne kunstverdenen op og gøre den mere tilgængelig for både den gængse som den garvet kunstelsker. I bogen indgår der 37 kunstner af høj kvalitet, hvor der er en blanding på tværs af geografi, køn, medie og kunstnerisk udtryk. På den måde giver bogen én et bredt kendskab til mange forskellige kunstner og kunstarter samt muligheden for at finde sin egen personlige favorit.Kunstnerne i bogen er blandt nogle: Anselm Reyle, Vincent Dermody, Randi & Katrine, Jane Corrigan, Coline Marotta, Dabs Myla, Becky Kolsrud, Andi Fischer, Ethan Cook og Shirin Neshat.

BOGEN om kunstneren Anne-Birthe Hove (1951-2012). Hun var en af Grønlands mest originale og anerkendte billedkunstnere i både ind- og udland. Anne-Birthe Hove arbejdede med mange medier og materialer – men først og sidst står hun tilbage som grafiker. Hun var en kunstner, der hele tiden udfordrede sig selv. Og dermed sit publikum. Denne bog er et tilbageblik på et kunstnerliv og en stor kunstnerisk produktivitet. Med bidrag fra mennesker, der stod Anne-Birthe Hove nær, professionelt og personligt – og ikke mindst gengivelser af en lang række af hendes værker. Tekst på dansk og grønlandsk. En smuk og gedigen bog med foliepræg på forside og ryg og ilagt kassette.

Ca. 400 siders illustreret gennemgang af den kunstpolitiske og kunstnerpolitiske faglige forenings historie, der viser, at Kvindelige Kunstneres Samfund (KKS) i næsten 100 år har kæmpet for at kunstnere bliver vurderet og anerkendt for deres kunnen, ikke deres køn. Inddelt i 20 artikler af varierende længde og forskellige temaer. Mange af artiklerne tager udgangspunkt i tiden før og omkring dannelsen af KKS. Temaer er fx fokus på kunstkritikkens modtagelse af KKS' udstillinger, ligestillingen i dag og museernes indkøb af mandlig/kvindelig kunst (fra Lektørudtalelsen).

Take inspiration from nature and sew, create and craft all year round with best-selling author and textile artist Tilly Rose. Boost your creativity, develop mindfulness through making, and create your own unique textile treasures. Bursting from every page are ideas for unique and meaningful textile artworks, each with a story to tell. From eco-dyeing, cyanotype and weaving to collage, embroidery and slow stitching, Tilly harnesses many crafts to help her connect with Mother Earth in every season. She creates beautiful keepsakes that capture memories and encourage creativity with wild and natural materials. Discover how to: arrange nature mandalasmake your own natural paints and dyespress your own flowersenjoy slow stitchingexplore sun printingcreate botanical journalspreserve and display your work.Brimming with inspiration, this is a treasure trove of 12 simple-but-stunning seasonal projects that will draw you closer to nature and improve your well-being whatever your age or ability.Check out Tilly's Slow Stitch Café website: a friendly online community offering a tranquil space to explore slow stitching, make beautiful projects and learn valuable stitching and textile techniques. There are also video tutorials, livestreams and book reviews to help you embrace your own unique creativity. Visit: www.tillysslowstitchcafe.co.uk

I over et årti har Cisternerne modtaget stor anerkendelse i Danmark og udlandet for rækken af ambitiøse udstillinger af store internationale samtidskunstnere som Chiharu Shiota, Kimsooja, Tomás Saraceno, Superflex og Hiroshi Sambuichi. Denne bog fortæller historien om det helt unikke rum og de muligheder, det skaber for kunsten. Det tidligere vandreservoir i Søndermarken på Frederiksberg er blevet omdannet til en underjordisk kunsthal. Hvert år inviteres en kunstner til at lave et stedsspecifikt kunstprojekt med afsæt i Cisternernes underjordiske arkitektur, klima og historie, og der opstår en helt særlig altomfavnende og sanselig verden, som ikke kan opleves nogen andre steder.Bogen indeholder bidrag af Maria Gadegaard, direktør for Frederiksbergmuseerne, Astrid la Cour, tidligere direktør for Frederiksbergmuseerne og nu direktør for SMK - Statens Museum for Kunst, Carsten Thau, professor emeritus og arkitektur- og idehistoriker samt Minik Rosing, professor i geologi.

Denne bog illustrerer, hvordan kunstnere verden over på hver deres måde forsøger at bidrage til løsningen af den globale økologiske krise. Ralph Sanne (f. 1946) er cand.scient. i biologi, geografi og geologi.

A comprehensive look at the artist's work on the symbology of art in the context of Hindu- Buddhism, art history, religion, faith and philosophy, in English and Thai

♥ ♥ ♥ ♥ ♥Politiken "Ekstraordinær" Politiken "Fascinerende" Guardian Irske Sara Baume tog læserne med storm i sin umådeligt smukke debutroman vælde vokse vakle visne, og i hendes anden roman lever hun op til forventningerne, med en stadig sart og seismografisk, men denne gang også nærmest humoristisk-sarkastisk skrivestil. Linje trådt af trin er en roman om kreativitet og depression; en ganske ung kunsthistoriker opholder sig i sin afdøde mormors hus og prøver at finde ro til at finde ud af, hvad der er op og ned i tilværelsen.Hele tiden tester hun sin hukommelse ved at remse kunstværker af op, ligesom hun holder sig beskæftiget med bl.a. at fotografere døde dyr, alt imens hun undviger fra at se sig selv i spejlet, især i den mentale betydning.

En rodløs almanak er din poetiske havebog og notesbog til et haveliv i forandring, med mulighed for at grave dig helt ned i jorden og opleve alting spire dernedefra.Tekst af Merete Pryds Helle, billeder af Vibe Bredahl.

The publication IF THE SNAKE guides you through the 18 exhibiting artists and collaborative projects behind the Okayama Art Summit 2019 convened by Pierre Huyghe as artistic director. The book distinguishes itself as an artist book with concept, text, and photography by Pierre Huyghe, guiding the reader into the state of being at the exhibition in Okayama.Including works by: Tarek Atoui, Matthew Barney, Etienne Chambaud, Paul Chan, Ian Cheng, Melissa Dubbin & Aaron S. Davidson, John Gerrard, Fabien Giraud & Raphaël Siboni, Glass Bead, Elizabeth Hénaff, Eva L’Hoest, Fernando Ortega, Sean Raspet, Lili Reynaud-Dewar, Pamela Rosenkranz, Tino Sehgal, Mika Tajima

In her sculptures, installations, films, and interventions in public spaces, Croatian artist Luiza Margan explores the disparity between officially recorded history and history which is invisible. She questions the ways in which power structures and ideological systems are etched into the public sphere and interwoven into collective memory.The installation Cache, created in the course of the Artist-in-Residence-Program of the ZF Kunststiftung, examines the traces of National Socialist rule left in the city of Friedrichshafen. The title alludes to a hidden location, a concealed storehouse for information.

Born in 1972 in Osaka, Japan, Chiharu Shiota has been living and working in Berlin since 1997.

The artist duo Michael Elmgreen & Ingar Dragset continues to devise new ways of presenting and perceiving art through their subversive and versatile work. The updated and expanded edition of Elmgreen & Dragset: Sculptures is the most comprehensive study to date of the duo's sculptures from the mid-1990s to the present day. Visually designed to reflect the aesthetic and concep-tual working methods developed by the artist duo over the course of their careers, the book features detailed photographic documentation as well as four seminalessays on the artist duo's oeuvre. MICHAEL ELMGREEN (*Denmark) and INGAR DRAGSET (*Norway) have been working together since 1995. Their work explores socio-cultural and political themes such as the challenges of growing up, queer issues, the construction of identity, consumer culture, and the privatization of public space. The artist duo has received numerous prizes, including the Preis der Nationalgalerie in Berlin (2002) and a Special Mention at the Venice Biennale (2009).

This publication gives a comprehensive overview of the work of Italian artist Alberto Garutti. His innovative oeuvre, consisting primarily of sculptures, installations, and works in public space, explores site-specificity along with its social realities and historical contexts. With the artistic and methodological strategies he has employed since the 1990s, he has revolutionized the vocabulary of public and site-specific art. ALBERTO GARUTTI (1948-2023) has been a key figure on the Italian and European contemporary art scene of the last forty years. Since the early 1990s, Garutti's practice has evolved into a radical manifesto for public art. His works in the urban context-commissioned by cities and institutions around the world-are meant to be open devices for reimaging. As a practitioner of public art and a teacher at the Academy of Brera in Milan and at the IUAV in Venice who has influenced many generations of Italian artists, Alberto Garutti is considered one of the most influential Italian artists of his generation.

In her works, Nina Annabelle Märkl (b. 1979) develops permeable viewing spaces that lie at the interface between drawing, object, and installation. The viewers move through landscape-like settings in modular spatial installations, entering into various dialogues with the works. In addition, through the shift in perspective, they can experience the possibility of seeing themselves in their own observations and can question the structures of their perception.The monograph Scapes unites various strands of Nina Annabelle Märkl's work in the diversity of their links and leaps between drawing and spatiality, which follow on from one another in the diversity of manifestation or interpenetrate one another in individual arrangements.

Überleben ist eine gemeinschaftliche Praxis. Wir können es nicht allein tun; wir brauchen einander. Wir brauchen Werkzeuge und Praktiken, die uns helfen, uns zu verbinden, zu verstehen, gemeinsam zu bauen, zu überleben in diesem Zeitalter der Klimakrise, des technologischen Umbruchs, des existenziellen Schmerzes. Wir brauchen Worte, Werte und Ideen, die über den menschlichen Raum hinausgehen. Wir müssen lernen; und wir müssen verlernen. Wir brauchen ein Handbuch fürs Überleben.Die Kunst in diesem Buch setzt sich mit der Natur auseinander, mit den planetarischen, transzendentalen Fragen der globalen Zusammenhänge sowie mit der Gemeinschaft, dem Sinn für das Spielerische, der Zusammengehörigkeit und den gemeinsamen Erfahrungen durch die Kultur. Ein hochwertiges und reich bebildertes Buch mit innovativen Texten, die der Idee folgen, dass wir lernen müssen, in Widersprüchen zu leben und zu denken, ohne uns selbst zu verlieren.Künstler*innen:Panteha Abareshi, Yalda Afsah, Abbas Akhavan, Assemble, Mohammed Bourouissa, Andrea Bowers, James Bridle, Sam Chermayeff, Edith Dekyndt, Simon Denny, Cao Fei, Liam Gillick, Lawrence Abu Hamdan, Lubiana Himid, Leon Kahane, Kablusiak, Paul Kolling, Carolyn Lazard, Sharon Lockhart, Taus Makhacheva, Shaun Motsi, Goshka Macuga, Jota Mombaça, New Red Order (NRO), Olaf Nicolai, Christelle Oyiri, Celine Pages & Christine Marchal, Trevor Paglen, Grayson Perry, Bruno Serralongue, Jeremy Shaw, Charles Stankievech, Ron Terada, Syrus Marcus Ware, Emmanuel Van der Auwera, u.a.

Conceived as an archive, the book brings together the experiences of Frequencies, a global participatory project initiated by multimedia artist Oscar Murillo in 2013. Part of the artist's multimedia practice, Frequencies addresses the notion of community through the lens of its making. For over a decade, it has involved members of Murillo's family, studio team and collaborators, visiting schools around the globe, fixing raw canvas onto classroom desks, and inviting the students to freely mark, write and draw on them for a period of approximately six months. Murillo has collected an archive of canvases, which he presented in various interactive exhibitions. OSCAR MURILLO (*1986, La Paila, Colombia) has developed a multi-faceted and ambitious practice that spans painting, collaborative projects, video, sound and installation. He received his MFA from the Royal College of Art in 2012 and was one of four artists to collectively win the prestigious Turner Prize in 2019.

This book is a comprehensive tribute to the Polish-Belgian artist Tapta (Maria Wierusz-Kowalska). Her work transcends traditional artistic boundaries, captivating audiences with her innovative exploration of fluid spaces and dynamic interactions. Her work, an important contribution to twentieth century sculpture, is essentially divided into two major sections: the textile works of the 1960s to 1980s and the subsequent neoprene works of the last years of her life. Her practice moved away from traditional weaving through experimental techniques and evolved into three-dimensional works-first made of cords, then of neoprene sheets-that interacted with the space and the viewer. TAPTA (*1926-1997) was born in Poland and came to Belgium as a political refugee with her husband, Krzysztof Wierusz-Kowalski, after taking part in the Warsaw Uprising of 1944. She studied weaving at the La Cambre National School of Visual Arts, Brussels, from where she graduated in 1949. Shortly afterwards, the couple moved to the Belgian Congo (now Democratic Republic of the Congo), where they lived from 1950 to 1960. On their return to Belgium in 1960, until her sudden death in 1997, she worked in Brussels as an artist and-from 1976 until 1990-as a professor at La Cambre.

Marco Stanke (*1987) wurde 60 Jahre nach Alf Lechner (1925-2017) geboren. Trotzdem weisen ihre künstlerischen Positionen vielschichtige Bezüge auf. In Stankes Malereien ist die Leinwand nicht bloß ein Bildträger. Seine Arbeiten sind vielmehr räumliche Gebilde aus Nessel, Keilrahmen und Farbe. Stanke faltet, schneidet, biegt, stapelt und durchbohrt die Leinwände und erprobt die körperlichen Grenzen des Bildes, das er in den Raum ausdehnt. Seine Werke sind teils Bild, teils Relief oder Skulptur, und erst im Zusammenspiel dieser unterschiedlichen "Teile", wie Stanke selbst sie nennt, ergibt sich am Ende das vollständige Bild.Hierin besteht die vordergründigste Verbindung zu Lechner, dessen Skulpturen ebenfalls als Fragmente eines kontinuierlichen Arbeitsprozesses betrachtet werden müssen. Zentral hierfür ist seine Praxis der Teilung, in deren Folge räumliche Beziehungen zwischen den Fragmenten und den Betrachter*innen erforscht und materialbezogene Herstellungsprozesse offengelegt werden können, ganz im Sinne seiner Maxime: "Durch Teilen ist es möglich, mehr über das Ganze zu erfahren."Dieser Ansatz klingt im Titel der Kataloges teil's teil's wider, der als Aufforderung zu verstehen ist, tiefer in Materien einzutauchen. Darüber hinaus suggeriert der Titel auch, dass etwas nicht klar zuordbar ist und verweist so auf die Zusammenstellung von Stankes und Lechners Arbeiten und die gemischte Natur des Ausstellungskonzepts.

Die Publikation präsentiert Skulpturen, Videos, Leinwände und Teppiche von Halil Altindere und erscheint anlässlich seiner Einzelausstellung in der Pilot Galerie in Istanbul (23.11.2023 - 20.01.2024).Halil Altindere (*1971 in Mardin/Türkei, lebt und arbeitet in Istanbul) setzt sich in seinen Arbeiten häufig mit konkreten politischen Inhalten auseinander, auch mit Bezug auf seine kurdischen Wurzeln und der Multikulturalität in der türkischen Gesellschaft. In seinen Werken beschäftigt er sich mit einer Vielzahl an Fragestellungen und beleuchtet Methoden des Widerstands gegen Macht und Unterdrückung, wobei er sich mit Themen wie Subkulturen, Geschlechterrollen, Popkultur oder der Struktur und Macht von Kunst- und Finanzsystemen beschäftigt.Die Publikation versammelt Arbeiten der letzten drei Jahre, in denen zunehmend die Grenzen zwischen Kunst und Leben Altinderes verschwimmen. Die Folgen der Pandemie, die die Welt erschütterte, finden ebenso Widerhall in seinen Werken wie die neue Vater-Rolle des Künstlers. Darüber hinaus macht Altindere zunehmend von den Möglichkeiten künstlicher Intelligenz Gebrauch und setzt KI-Technologie als eine Art persönlichen Assistenten ein, der eine aktive Rolle im Produktionsprozess seiner Werke einnimmt.

This work has been selected by scholars as being culturally important, and is part of the knowledge base of civilization as we know it. This work was reproduced from the original artifact, and remains as true to the original work as possible. Therefore, you will see the original copyright references, library stamps (as most of these works have been housed in our most important libraries around the world), and other notations in the work.This work is in the public domain in the United States of America, and possibly other nations. Within the United States, you may freely copy and distribute this work, as no entity (individual or corporate) has a copyright on the body of the work.As a reproduction of a historical artifact, this work may contain missing or blurred pages, poor pictures, errant marks, etc. Scholars believe, and we concur, that this work is important enough to be preserved, reproduced, and made generally available to the public. We appreciate your support of the preservation process, and thank you for being an important part of keeping this knowledge alive and relevant.

Documentation of McKeever's first foray into installation art, seeking to explore the relationships between his photo/painted panels and the physical spaces in which they are presented.British artist Ian McKeever has been working on the international stage for more than five decades. This, his latest publication, documents Against Architecture - an exhibition that had its first incarnation, curated by Robin Klassnik, at Matt's Gallery, London (5 February to 19 March 2017) before being reconceived and presented as Against Architecture, Remodelled at TheGallery, Arts University Bournemouth (3 November 2023 to 18 January 2024), curated by Violet M McClean as part of TheGallery's twenty-fifth anniversary celebrations. McKeever was made an AUB Honorary Fellow in 2002 and launched TheGallery's text + work program in 2004.The exhibition was McKeever's first foray into installation art, seeking to explore the relationships between his photo/painted panels and the physical spaces in which they are presented. For this, along with a team of helpers and student volunteers, he built a structure with 3 x 2-inch stud walling timbers and sheets of plasterboard comprising myriad walls, passageways, openings, ledges, and platforms, challenging the conventional white cube gallery space and bringing the viewer's body into heightened dialogue with both their surroundings and the artworks. The works, a series of the acclaimed artist's abstract paintings combined with ostensibly abstract photographs, pose formal and theoretical questions about perception, visual languages and modes of representation--ideas explored in an essay by Berlin-based English arts writer Mark Prince.The publication features numerous other text contributions: an introduction by Professor Paul Gough, Principal and Vice-Chancellor, AUB; Sue Hubbard, poet, novelist, and art critic; Violet M McClean, Curator at TheGallery, AUB; photography graduate Eliza Naden; interior architecture and design graduate Milly Louise Harvey; Associate Professor Dominic Shepherd, AUB; and Ian McKeever himself. Along with illustrations of the artist's past exhibitions and examples of his works of art, special attention is given to documentation of both iterations of the Against Architecture exhibition, including newly commissioned photographs of Against Architecture, Remodelled at TheGallery by Eliza Naden. The publication, which has been edited by Violet M McClean and Millie Lake, and designed by Warin Wareesangtip, has been produced in an edition of 1000 copies.