Elektronisk kunst, holografi og videokunst

Foundation: The Art and Making of Seasons 1 & 2 is the lavish coffee table book thatfans of the show have been waiting for. This hardback, illustrated tome delves intothe incredible behind-the-scenes work that went into realising this galaxy-spanningepic. Concept art, never-before-seen set photos, VFX models, and exclusive interviewswith the producers, directors, cast, and crew make this the ultimate guide toFoundation.

Digitale Kunst seit 1859? Was hat digitale Kunst mit dem noch ganz analogen 19. Jahrhundert zu tun? Und wie beeinflusst die Digitalisierung heute Künstlerinnen und Künstler?Längst hat die Digitalisierung auch die Kunst erreicht - weltweit erfinden Künstler* innen neue digitale Räume und Erzählungen. DIMENSIONS zeigt, dass es sich hierbei weniger um einen neuen Trend, sondern vielmehr um eine Konstanteder Kunstgeschichte handelt, die immer schon vom Dialog neuer Technologien und künstlerischer Ausdrucksweisen geprägt wurde.

The book describes what NFTs are, how they are created, how they're marketed, and how to buy, collect, and sell them.

This book familiarizes users with techniques needed to complete an video project with Avid Media Composer Artist.. Each Lesson and exercise will focus on a phase of the editing process, starting with organizing media, assembling a sequence, refining a sequence, creating tit...

Este libro representa una propuesta de revisión de la literatura española del Siglo de Oro en sus traslaciones al cine y la televisión, con especial atención a los novedosos focos interpretativos que se activan con el acceso a materiales audiovisuales en la era digital. El autor no solo recorre algunos hitos de este diálogo entre los textos literarios y los fílmicos, como las variadas recreaciones del Quijote o del teatro del siglo XVII, sino que reivindica el estudio, a la luz de nuevas perspectivas metodológicas, de películas como El Buscón (1979) o series como El jardín de Venus (1983). Su análisis se centra en el modo en que se ha construido culturalmente la relación entre la literatura y el cine, atendiendo no a la exigencia de «adecuación» a unas egregias fuentes, sino al contexto de producción en que se han gestado las adaptaciones. El lector podrá encontrar, además, un retrato generacional del nuevo alumnado que estudia la cultura del Siglo de Oro en estos tiempos líquidos y de la prisa y la inmediatez, y conocer algunas fórmulas y recursos para impulsar la lectura y el aprecio de las obras áureas y sus reescrituras en el cine y la ficción televisiva.

A head-to-toe exploration of Chinese dress through sumptuous, detailed photography of some of the most fascinating historic and contemporary pieces in the V&A's outstanding collection.

Making a film or commercial takes a lot of people, equipment, time, and...These 1970 and 1980 photos were scanned in 2014 from 35mm film negatives, slides, and 3x5 prints. They were taken in the 80's and 90's to document some of the movies and television commericals shot in and around San Antonio,Texas. The same film crew hired over and over became family and enjoyed working together. Here are photos of a few of them.And now "Hair In The Gate Kirk" wants to show you some of the still photos he took while playing an Assistant Cameraman in the film business.Some film terminology is included to add some interest to the process of filmmaking in the 1980's before the days of digital cameras.

In an age of fast-changing technologies, offering numerous ways of generating images, Elias Wessel challenges the conventional definition of a painting: he creates his "paintings" without resorting to traditional painting techniques and eschews classical genres. The artist's abstract paintings - which in many ways show connections to painterly practices - are in fact made up of photographs and digital material.Wessel, for example, takes photos of smartphone displays to produce monumental abstract compositions from the fingerprints left behind on them. He also documents his scrolling behavior on social media platforms by using long-time exposure to superimpose accessed profiles and their contents: the result are visual and decontextualized structures. His other works present painterly-looking details of damaged displays: where else in the digital world can we experience such a close relationship with the canvas?Above all, the quality of Elias Wessel's working method lies in the way he links the fundamental discourses in the history of photography with the latest technology and current social debates. In so doing, he skillfully observes and questions the social consequences and instruments of digitalization.

One of the great experimental composers of our time, Phill Niblock has during his sixty-year career produced minimalist music, structural cinema, dance performance, improvised theater, systematic art, and ethnographic photography. Since 1985, Niblock has served as director of Experimental Intermedia, a foundation for avant-garde music based in New York, and curator of the foundation's record label XI.This catalogue is devoted to Niblock's wide intermedia art, including his masterpieces the Six Films (1966-69), the Environments (1968-72) and The Movement of People Working (1973-91). A thorough publication that includes Charles Mingus, Billy Strayhorn and Duke Ellington, Elaine Summers, Yoko Ono, Sun Ra, The Open Theatre, Muna Tseng and Arthur Russell.

Die in New York lebende Künstlerin Jordan Strafer arbeitet vorwiegend mit Video. Ihr teils autobiografisches, teils fiktionales Werk spiegelt die komplexe Natur von ethnischer Identität, Geschlecht, Sexualität, Klasse und ,Amerikanismus' wider. Ein zentraler Aspekt ihres künstlerischen Schaffens ergibt sich aus der sorgfältigen, dennoch spielerischen Choreografie von eigentlich konträren Emotionen. Die Strafers Ausstellung LOOPHOLE in der Secession begleitende Publikation bietet einen Einblick in ihren gleichnamigen neuen Film und dessen Entwicklung. Sie enthält Texte von Constance Debré und Kerstin Stakemeier und ein Interview von Aram Moshayedi mit Strafer selbst. Als künstlerische Intervention für das Buch hat Strafer ein Filmplakat auf Grundlage der gezeigten Arbeiten entwickelt. Das Ergebnis ist ein speziell angefertigter Schutzumschlag für dieses Buch und eine limitierte Auflage von 500 Postern.Aram Moshayedi im Gespräch mit / in conversation with Jordan Strafer.

Drawing a Blank ist die erste Monographie von Christine Sun Kim, die anlässlich ihrer Ausstellung Cues on Point in der Secession erscheint. Für das Buch entstand eine künstlerische Intervention, die auf Kims eigenen Zeichnungen von Notenlinien basiert, die in ihren Infografiken häufig vorkommen. In den hier bewusst leer gelassenen Linien sieht die Künstlerin eine Hommage an Gebärdendolmetscher*innen, mit denen sie zusammenarbeitet, und Menschen, die in ihrem Namen gesprochen haben. "Diese Linien stellen die Parameter ihrer Stimmen dar und wie sie im Gegenzug meine Stimme und meine Arbeit beeinflussen." Wie zur Verstärkung dieser Stimmenüberlagerungen lud Kim Kolleg*innen aus bildender Kunst, Tanz, Musik, Literatur und Aktivismus ein, auf ihre Notationslinien zu reagieren und eigene zu entwerfen. Die 55 im Buch versammelten Beiträge zeigen die unglaubliche Diversität künstlerischer Vorstellungen - und Dank der Perforation können sie auch verwendet werden.Interview with Christine Sun Kim: Matthew Hyland.

Latin American female writers and artists use their work to voice dissent against social issues including neo-liberal consumerism, environmental degradation, mass migration and gender violence.

Un storyboard: una instalación escénica. Un hombre sabe pero no puede parar. (libro de artista con imágenes generadas con inteligencia artificial) openai.com osvaldo cibils × DALL·E Human & AI Editar la descripción detallada. A storyboard: a scenic installation. A man knows but can't stop. Generar. osvaldo cibils 1961 uruguay artista en el arte de los contornos en el arte de las perillas y en el arte de los clicks

Tuymans' Ziel war es, während der globalen pandemischen Krise aussagekräftige Bilder zu schaffen. Luc Tuymans erforscht Themen wie Geschichte und Erinnerung sowie die Beziehung zwischen Fotografie und Malerei, wobei er eine gedämpfte Farbpalette verwendet, um Leinwände zu schaffen, die gleichzeitig zurückhaltend und aber auch entwaffnend präsent sind. Im Mittelpunkt dieses Katalogs stehen vier monumentale Leinwände, auf denen Zahlen aufgebracht wurden, sowie drei weitere Gemälde und ein Animationsfilm. Seine Kompositionen sind unverwechselbar und stützen sich auf Bilder aus Fotografie, Fernsehen und Film.

This poetry book is a study of Love through the lens of AI. Each of these poems has been co-written by a pair of text generating AI programs, and each of the images showcased within this book are also AI generated.Made with LyricStudio by WaveAI.

"Unsere Filme sind weder fiktional noch dokumentarisch. Sie kommen aus dem Land unserer Vorfahren und kehren in es zuru¿ck. Sie gehen aus dem Leben, das wir mit unseren durlg (Träumen) wirklich leben, hervor und versinken wieder in ihm." - Karrabing Film Collective Das Karrabing Film Collective ist eine basisorientierte indigene Film- und Kunstgruppe, die 2007 gegru¿ndet wurde und gegenwärtig im Top End des Northern Territory in Australien sesshaft ist. Die Filme des Kollektivs wurden u. a. auf der Countour Biennale 8 (2017), den 67. Internationalen Filmfestspielen Berlin - Berlinale (2017), der documenta 14 (2017), und der Sydney Biennale (2016) präsentiert. Die Gruppe besteht aus rund 50 Mitgliedern. Das Kollektiv versteht seine ku¿nstlerische Praxis als Mo¿glichkeit der Selbstorganisation und der sozialen Analyse. Auf lokaler Ebene werden ku¿nstlerische Sprachen entwickelt, die Einblicke in neue Formen der kollektiven indigenen Handlungsfähigkeit gewähren. Die Filme ko¿nnen stilistisch als "improvisierter Realismus" beschrieben werden und versuchen, einen Raum jenseits der Binaritäten von Fiktion und Dokumentation oder Vergangenheit und Gegenwart zu ero¿nen. Der Ausgangspunkt der Ausstellung im Haus der Kunst ist die Frage, was uns die von Karrabing entwickelte einzigartige filmische und methodische Sprache u¿ber die heutige Gesellschaft lehren kann.Der umfangreiche begleitende Reader Wonderland gibt durch Essays, Interviews, freiere Textformen und Polemiken erstmalig einen Einblick in das soziale, kulturelle und historische Umfeld und Schaen des Kollektivs. Mit einem Vorwort von Andrea Lissoni, einem kuratorischen Essay von Damian Lentini sowie gesammelten Beiträgen von Richard Bell, Kirsty Howey, May Adadol Ingawanij, Tess Lea, Elizabeth A. Povinelli, Matariki Williams und Vivian Ziherl "Our films are neither fiction nor nonfiction. They come from and return to our ancestral lands. They emerge from and sink back into the lives we are actually living with our durlg (dreamings)."-Karrabing Film Collective Karrabing Film Collective is a grassroots Indigenous film and arts group founded in 2007 and currently based in the Top End of Australia's Northern Territory. The Collective's films have been presented in exhibitions and at festivals including the 8th Contour Biennale (2017), the 67th International Film Festival Berlin-Berlinale (2017), documenta 14 (2017), and the Sydney Biennial (2016). The group currently numbers around fifty members, who see their collective creative practice as a form of self-organization and social analysis. Artistic languages are developed on the local level, which in turn let the audience understand new forms of collective indigenous agency. The films, whose style is labeled as "improvisational realism," seek to open a space beyond the binaries of fiction and documentary or past and present. The exhibition at the Haus der Kunst is guided by the question of what the unique filmic and methodical language developed by Karrabing can teach us about today's society.

"I have come to know my life as fiction." So begins the author's searingly personal account of transforming his real life losses and traumas through poetry, cinema, ritual theatre, and in his relationships. Topics include The Clouds of Unknowing; Vertical Integrity; Amor Fati; Cinema of the Future; Anima Attacks!; Reinventing the Romantic; Fine-Tuning Your B.S. Detector; The Self-improvement Scam; The Alchemy of Obsession; Courting the Muses; Frontier Scouts of the Gene Pool; The End of the World as I Want It; and much more. Featuring the photographic art of Sylvi Alli, his artistic collaborator and partner over three decades, along with her Afterword on their extraordinary journey together.

»In seiner Anmerkung zu der in England 1994 als Landscape as Inspiration erschienenen Ausgabe meines Buches Neue Landschaftsarchitektur / New Landscape Architecture vergleicht Geoffrey Jellicoe meine Zeichnungsüberlegungen mit den Arbeiten Paul Klees. Was zunächst etwas hochgegriffen klingt, ist insofern richtig, als ich mich in allem, was ich zeichne, entwerfe und realisiere, nicht ausschließlich im banalen Alltags- und Funktionsraum bewege, sondern immer zweite und dritte Surrealitäten mit reflektiere. »Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern macht sichtbar«, so formulierte Paul Klee den Vorgang. Zu Recht könnte jeder Betrachter und Leser die Frage dagegenstellen: Was haben derartige Kunst-äußerungen mit der Alltagsarchitektur zu tun? Ich denke: sehr viel, und zwar deswegen, weil alle Architekturprobleme und deren Lösungen mehrschichtig sind, genauso wie reine Kunstwerke. Jeder Bau faßt seine architektonische, städtische, dörfliche und landschaftliche Umgebung zusammen und definiert sie neu. Gewollt oder ungewollt, übertrieben oder zurückhaltend, jeder Bau kann wirken wie ein Meteor- oder Bombeneinschlag, eine unauffällige Anmerkung oder ein Verschönerungsattentat. Mich interessieren an einem städtischen oder landschaftlichen Ort die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft. Mein Blick will archäologische Arbeitsweisen genauso integrieren wie Funktionserfüllungen und phantasievoll-surreale, manchmal auch utopische Ausblühungen. Ich würde niemals so weit gehen zu behaupten: Architektur ist das Notwendige, und Kunst ist das Unnötige. Natürlich wird jeder Künstler-Architekt, der sich auf diesen kompliziert-komplexen Weg begibt, Schwierigkeiten mit der banalen, scheinbar oberflächlichen Alltagsrealität in der Natur, der Landschaft und der Stadt bekommen. Deswegen ist es nicht verwunderlich, daß ich nur wenige Architekturen und Bildinszenierungen verwirklichen konnte und daß ich im Laufe der letzten Jahrzehnte zunehmend in die Bühnenbild- und Gestaltungsbereiche abgedrängt wurde. Im Augenblick interessiert sich, dank der ökologischen Bewegung, kaum noch jemand für die Verbindung von Kunst und Architektur. Wichtiger sind Nachhaltigkeits- und Nullenergiehäuser, bei denen sich kaum noch die Fenster öffnen lassen. Könnte es sein, daß Baukultur, ja die gesamte Kultur, bald in grünen Urwäldern und riesigen Feuchtbiotopen versinkt? Oder werden vorher fremde, kriegerische Völker unsere Städte und Landschaften zerstören oder besetzen und neu kultivieren?«

In Sanctuary, a new age of terror is unleashed…Blizzard Entertainment’s Diablo® franchise was growing with a monstrous new slate: Diablo II: Resurrected, Diablo: Immortal, as well as the blood-chilling Diablo IV. With the success of the first three acclaimed Diablo dungeon-crawlers under their belt, artists had to innovate horror in unexpected ways for these next installments, from twisted monster ecologies to stomach-churning special effects, environments that looked real, yet hummed with ancient evil. Join the artists from each Diablo® title in conversation as they discuss the crafting of the games’ stunning key art, uncanny creatures, and masterfully executed effects and environments that give the universe its iconic aesthetic. With over 500 pieces of concept artfrom Diablo Immortal,Diablo II: Resurrected and Diablo IV, this incomparable volume showcases the next collection of choice artwork developed to frighten and delight horror fans everywhere.

Als Pionierin von sowohl Videokunst als auch computergestütztem Videotanz erforscht die brasilianische Künstlerin, Tänzerin und Choreografin Analivia Cordeiro (*1954) seit den frühen 1970er-Jahren die Beziehungen zwischen Körper, Bewegung, visueller und audiovisueller Kunst sowie Medienkunst."Egal welches Alter, egal wie viel Tanzerfahrung, jeder kann durch Bewegung lernen." (A. Cordeiro)Analivia Cordeiro prägt seit den frühen 1970er-Jahren als eine der ersten Videokünstlerinnen die gesamte Medienkunst Südamerikas. Die Publikation präsentiert das Gesamtwerk der Künstlerin bis zur Gegenwart. Neben einem einführenden Text der Herausgeberin enthält sie ein Interview mit der Künstlerin und eine Auswahl von Texten verschiedener Autor:innen und der Künstlerin selbst. Ein umfangreicher Werkteil mit vielen Abbildungen, historischen Dokumenten und Fotografien sowie einer ausführlichen Biografie und Bibliografie vervollständigen das Buch.

Golden Hour: The Art of Raide is the debut art book from popular self-taught digital illustrator Raide. This unique book allows readers behind-the-scenes insight into the artist's creative process, including the tools and techniques she uses to create her stunning portraits and whimsical scenes.Driven by her passion for character art, Raide has collaborated with big industry names such as Clip Studio Paint, XP-Pen, Huion, and HarperCollins. Fans will also know that Raide creates popular online art courses on Domestika, and in this book, they will discover brand-new tutorials and studies that focus on some of her many artistic strengths, such as lighting and expression. Readers will also be able to follow her early creative years, from education to her first professional steps, and learn about what it takes to become a social-media success. Thanks to its high-quality finish and beautiful image-focused design, Golden Hour is a keepsake art book to treasure for many years to come.

This volume is the first in the Museum Ludwig's new series "In their own words." The series is dedicated to contemporary artists who, in addition to their visual oeuvre, have produced texts that take an independent approach to the concerns of their times and presents, above all, approaches that have proved influential and continue to inform current debates. VALIE EXPORT is regarded as one of the most important international pioneers of conceptual media art, performance, and experimental film. In the late 1960s, her often provocative installations, films, and actions caused an uproar. From the outset, VALIE EXPORT has written not only detailed concepts for her projects but also theoretical essays, poems, notes, and lectures. A large number of her published texts have been made accessible here in one book, along with a selection of printed interviews and unpublished notes and lectures created between 1967 and 2020.

When it comes to social marketing, small businesses have four options:1. Learn to do it yourself: saves tiime and money after you learn the apps and purcahse the soft/hardware2. Hire a high-dollar production company: saves time, but watch for huge expenses3. Hire a qualified contractor who uses existing content to create replicable video animation masterpieces: low cost/saves a ton of time4. Do nothing and hope for the bestThis book is a resource to help you gain valuable time by showing you how to create your own social marketing videos inexpensively and freeing up time so that you can do the things that are important to you and your business. You will learn tips and tricks, access over 40 video production resources and applications, copy creative brief and script writing templates and social media advice from the Executive Producer at Hilltop Video Services.Here you will find references to hardware: camera, lighting, microphones; software apps for content, animation templates, graphic art and photographs.YOU CAN DO THIS!Yes, you can create Hollywood style video ads, announcements, and holiday video greeting cards all using existing content, and without breaking your bank account.

Künstliche Intelligenz und ihre Verheißungen übernehmen das Regiment und erschaffen lebensähnliche Daseinsformen. Der Mensch forciert den Fortschritt - und steht dabei längst an der Schwelle zu seiner eigenen Ersetzbarkeit. Dieser Band dokumentiert die Begegnung mit Avataren, lernenden Menschmaschinen und mit einer sprechenden Maus!Die eingeladenen Künstlerinnen und Künstler, Louisa Clement, Ryan Gander, Timur Si-Qin und Jordan Wolfson, gehören alle einer Generation an, die in einer digitalen Welt aufgewachsen ist. Sie spiegeln in ihren Biografien wie in ihrem Schaffen die zunehmenden Machtsphären virtueller Möglichkeiten. Ihnen gegenübergestellt sind Pablo Picasso, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Gerhard Richter, Sigmar Polke und andere: Sie alle haben in ihrer Zeit die klassische Erwartungshaltung an ein Werk der Kunst verändert.