Kunstnere, kunstmonografier

For the first time in recent history, a publication on Alberto Giacometti and his work is being released in Denmark. The book is published in connection with the exhibition "Alberto Giacometti – What Meets the Eye" and has been created through an exclusive collaboration between the Fondation Giacometti in Paris and SMK in Copenhagen.In the catalog, readers get up close to Giacometti's works and the research concept behind the exhibition. The catalog includes key, newly translated original texts by philosopher Jean-Paul Sartre and Giacometti himself, along with four current articles by Danish and French researchers. Notably, it also features illustrations of the exhibition's works in a new, improved quality, presented in a way that supports the research points and the exhibition's concept.The focal point is Giacometti's break with the surrealist environment, of which he was a part until 1934-35, and the affinity seen between his late work and post-war phenomenologically inspired thinkers such as Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, and Maurice Merleau-Ponty. In addition to presenting the thinking and experiences that underlie Giacometti's artistic method, the book also provides insight into post-war Paris, the places, and personalities that Giacometti surrounded himself with.

Eine olfaktorische Reise durch Korea  Der südkoreanische Pavillon auf der 60. Biennale von Venedig   KOO JEONG A (geb. 1967 in Seoul, Südkorea) arbeitet seit den 1990er-Jahren an der Neuerfindung von Räumen durch ortsspezifische und partizipative Installationen. KOO ist international bekannt für poetische Eingriffe in Umgebungen, um die "Seele" dieser Orte sichtbar zu machen. Texte, Zeichnungen, Skulpturen und Installationen werden mit Klang, Geruch und Elementen wie Wind, Wärme und Licht kombiniert. Dabei erzeugt KOO nicht nur eindrucksvolle Erlebniswelten, sondern vor allem nachhallende sensorisch-transformative Begegnungen mit und zwischen den Besucher*innen.   Für die 60. Biennale von Venedig transformiert KOO das zylindrische Stahlgebäude des koreanischen Pavillons in ODORAMA CITIES: eine immersive Duftreise durch verschiedene ländliche Gebiete, Städte und Gemeinden in Süd- und Nordkorea und letztlich ein nationales Porträt der koreanischen Halbinsel.   Die Publikation zur Ausstellung enthält Texte von Frank Boehm, Sooyon Lee, Lee Young June, Jessica Morgan, Luca Turin, Kyung Jin Zoh, Gedichte von Kim Hyesoon, Kim Namjo, Eva Tind, ein Interview von Grégory Couderc (mit Jean-Claude Ellena), ein Interview von Hans Ulrich Obrist (mit KOO JEONG A) und eine Einführung der künstlerischen Leitung Seolhui Lee und Jacob Fabricius. Eine Vorzugsausgabe mit Duftproben aus dem Werk in einer Schmuckkassette mit Buch erscheint ebenfalls im Sommer 2024.  A Korean Scent Journey The South Korean Pavilion at the 60th Venice Biennale  KOO JEONG A (b. Seoul, South Korea, 1967; lives and works everywhere) worked on reinventing spaces through participatory site-specific installations since the 1990s. KOO is internationally acclaimed for their poetic interventions into pre-existing environments with the aim to make their "souls" visible. By combining texts, drawings, sculptures, and installations with sounds, scents as well as elements such as wind, warmth, and light, KOO's installations and spatial interventions create formidable immersive experiences and, more importantly, transformative sensual encounters with and between the visitors.  For the 60th Venice Biennale the artist will transform the cylindrical steel building of the Korean Pavilion into ODORAMA CITIES, an immersive scent journey that represents different rural areas, towns, and cities in South and North Korea. The contribution will create a captivating environment of intimacy and national portrait of the Korean peninsula.   The publication accompanying the exhibition includes texts by Frank Boehm, Sooyon Lee, Lee Young June, Jessica Morgan, Luca Turin, Kyung Jin Zoh, poems by Kim Hyesoon, Kim Namjo, Eva Tind, an interview by Grégory Couderc (with Jean-Claude Ellena), an interview by Hans Ulrich Obrist (with KOO JEONG A), and an introduction by the Artistic Directors Seolhui Lee and Jacob Fabricius. A special edition box set combining the book and scent samples from the work will be released in 2024.

Willkommen auf der dunklen SeiteDie Gemälde von Karolina Jab¿o¿ska (geb. 1991 in Niedomice, Polen, lebt und arbeitet in Krakau, Polen) stellen Situationen dar, die die Unbeholfenheit bestimmter alltäglicher Aktivitäten einfangen. Wie die Künstlerin es ausdrückt, "entstehen die Bilder aus kleinen sensorischen und emotionalen Eindrücken". Doch das Persönliche ist bei Jab¿o¿ska auch immer politisch: Als Metaphern für Gemütszustände verweisen ihre Werke auf die Rolle der Frau, die existenzielle Bedrohung ihres Körpers und die Einschränkungen durch politische Realitäten. Monumentale Porträts mit markanten Darstellungen erschrockener Gesichtszüge, die als Stellvertreterinnen der Künstlerin, aber auch eines verallgemeinerten Alter Ego fungieren, rufen unweigerlich starke Reaktionen bei den Betrachter*innen hervor.Die Monografie Some of the Names Have Been Changed dokumentiert Jab¿o¿skas Entwicklung der letzten Jahre und ihre einzigartige Reaktion auf die sozialen, politischen und ästhetischen Veränderungen in Polen - ein Land, dessen politische Kräfte in den vergangenen Jahren für ihre antifeministische Agenda und verschiedene Formen der Ausgrenzung auffiel. Das Buch umfasst Essays von Robert Kusek, Monika ¿wierkosz und Wojciech Szymäski, die Jab¿o¿skas Werk insbesondere im Kontext ihrer autofiktionalen Auseinandersetzung einordnen.Ausstellungenwho's afraid of cartoony figuration?, Dallas Contemporary Art Museum, USA, 3. April bis 22. September 2024Preserves. Works from the years 2023-24,State Art Gallery in Sopot,30.Mai bis 28. Juli 2024 Welcome to the Dark SideThe paintings of Karolina Jab¿o¿ska (b. 1991, Niedomice, Poland; lives and works in Kraków, Poland) often depict everyday situations that capture the awkwardness of certain common activities. As the artist has put it, "the paintings come from small sensory and emotional impressions." Yet, the personal is also political: metaphors for emotional states, inherent in these paintings are references to the role of women, the existential threat to their bodies and restrictions imposed by political realities. Monumental depictions of faces-a striking portrayal of her own features that has come to function as a stand-in for the artist but also for a more generalized alter ego-suggest strong emotions but also evoke a visceral response in the viewer.The monograph Some of the Names Have Been Changed documents Jab¿o¿ska's development over the last several years and her unique response to social, political, and aesthetic changes that occurred in Poland-a country whose former political power became notorious for its anti-feminist agenda and various forms of exclusion. The book will comprise three experimental essays by Robert Kusek, Monika ¿wierkosz, and Wojciech Szymäski to theorize Jab¿o¿ska's work, especially in the context of her autofictional examination of the embodied self.Exhibitionswho's afraid of cartoony figuration?, Dallas Contemporary Art Museum, US, April 3- September 22, 2024Preserves. Works from the years 2023-24,State Art Gallery in Sopot,May 30 until July 28, 2024

Anfang der 1960er-Jahre formulierte Franz Erhard Walther (geb. 1939 in Fulda, lebt und arbeitet ebenda) im Umfeld des Minimalismus einen offenen Werkbegriff, der die Betrachter*in als Akteur*in miteinbezieht. Walther erhob die Handlung zum Werk und beeinflusste damit ganze Generationen von Künstler*innen. Aufgrund seiner andauernden Aktualität und Relevanz für die gegenwärtige Kunst sowie zu Ehren seines 85. Geburtstages plant die Bundeskunsthalle für das Jahr 2024 eine große Übersichtsausstellung zu seinem Werk.   Die Ausstellung in Kooperation mit der Franz Erhard Walther Foundation zeigt eine konzentrierte, repräsentative Auswahl von handlungsbasierten Werken und Zeichnungen "als Innenblick" aus verschiedenen Perioden sowie filmische Dokumentationen. Eigens angefertigte Exhibition Copies können von den Besucher*innen aktiviert werden. Durch die Interaktion zwischen Körper und Objekt wird jede*r selbst zum Teil des Kunstwerks. Der Katalog enthält einen umfangreichen Bildteil und einen ausführlichen Textteil mit Essays von u. a. Selen Ansen, Luisa Fink, Gregor Quack, Erik Verhagen und Peter Weibel.  "Bilder im Kopf, Körper im Raum"- Franz Erhard Walther     Action As Sculpture  In the early 1960s, Franz Erhard Walther (b. Fulda, 1939; lives and works in Fulda), moving in the orbit of the Minimal Art movement, devised an open conception of art that involves the beholders as active participants. His understanding of their actions as the actual work would inspire entire generations of artists. In recognition of his abiding influence and relevance to contemporary art and in celebration of his eighty-fifth birthday, the Bundeskunsthalle is planning a grand exhibition surveying his oeuvre to be held in 2024.  Produced in cooperation with the Franz Erhard Walther Foundation, the exhibition presents a focused and representative selection of action-based works as well as drawings from different periods that provide "inside views" and documentary footage. Visitors will be encouraged to activate the exhibition copies produced especially for the occasion. In the interaction between body and object, everyone becomes part of the work of art. The catalogue features an extensive image section and a text part with wide-ranging and in-depth essays by Selen Ansen, Luisa Fink, Gregor Quack, Erik Verhagen, Peter Weibel, and others.

Bezeichnend für die Malerei von Melike Kara (geb. 1985 in Bensberg, lebt und arbeitet in Köln) ist der experimentierfreudige Umgang mit Oberflächen. Spannungsvoll bemalt die Künstlerin diese mit dicken Ölpastellen und erzeugt neue Ebenen durch die Verwendung von der Malerei fremden Materialien. Sie schichtet und abstrahiert Tapisserie-Motive und greift dabei die Webtechniken und Bräuche auf, die sich die verschiedenen kurdischen Stämme aus den Ländern ihrer erzwungenen Migration aneigneten. Auch Skulpturen, Videos, Gedichte und weitere Medien gehören zu Karas künstlerischem Vokabular, immer auf der Suche nach einer Vielschichtigkeit auf formaler sowie inhaltlicher Ebene. Ihre Arbeiten erkunden die Kombination kurdischer Traditionen, Erzählungen, Schicksale und Rituale.   shallow lakes zeigt Karas eigens für die Schirn Kunsthalle Frankfurt entwickelte, raumgreifende Installation. Der Katalog zur Einzelausstellung enthält eine ausführliche Projekteinführung von Sebastian Baden und gibt einen umfassenden Einblick in die kulturwissenschaftlich beeinflusste Arbeitsweise der aufstrebenden jungen Künstlerin.    Identity, Migration, and Visibility Melike Kara's paintings (b. Bensberg, 1985; lives and works in Cologne) are characterized by her experimental treatment of surfaces. The artist creates dynamic compositions in thick oil pastels, adding depth of meaning by integrating materials that are alien to painting. She layers and abstracts tapestry motifs, incorporating weaving techniques and customs that the different Kurdish tribes picked up in the countries to which their involuntary migrations took them. Employing a creative vocabulary that also encompasses sculpture, video, poetry, and other media, Kara's art aims for formal as well as thematic complexity, exploring combinations of Kurdish traditions, narratives, lived experiences, and rituals.   shallow lakes documents Kara's site-specific presentation for the Schirn Kunsthalle Frankfurt. The catalogue accompanying her solo exhibition includes a detailed introduction by Sebastian Baden and provides extensive scholarly insight into the cultural traditions that inform the rising young artist's practice.

Klang der Abstraktion  Internationale Sichtbarkeit erlangte Chris Succo (geb. 1979 in Düsseldorf, lebt und arbeitet ebenda) durch den Erfolg seiner Serie White Paintings , die erstmals 2013 in Genf gezeigt wurde. Er ist vor allem für seine abstrakten Gemälde bekannt, arbeitet aber auch mit einer breiten Palette an Medien, darunter Skulptur und Fotografie. Seine Werke entspringen oft aus Zeichnungen, Schrift oder Kalligrafie, was die bedeutenden Einflüsse von Poesie und Musik in seinem OEuvre verdeutlicht. So erforscht er die Potenziale der abstrakten Malerei. Das Künstlerbuch schließt an die bereits erschiene Publikation Blood and Chrome (DISTANZ 2017) mit neuen Arbeiten der letzten Jahre an. Mit Texten von Seda Pesen, Marlene A. Schenk und Mounira Zennia.   The Sound of Abstraction  Chris Succo (b. Düsseldorf, 1979; lives and works in ibid.) rose to international acclaim with the success of his series White Paintings , which made its public debut in Geneva in 2013. Best known for his abstract paintings, he also works in a wide range of other media, including sculpture and photography. Many of his works originate in drawings, writing, or calligraphy, suggesting the major influence in his oeuvre of poetry and music, which inspire his sustained exploration of the potentials of abstract painting. A sequel to the earlier publication Blood and Chrome (DISTANZ, 2017), the artist's book features works from the past several years. With essays by Seda Pesen, Marlene A. Schenk, and Mounira Zennia.

Özlem Altin (geb. 1977 in Goch, lebt und arbeitet in Berlin) untersucht das Beziehungsgefüge von Fotografie, Archiv und Körper. Für ihre Arbeiten bezieht sich Altin auf eine fotografische Bildersammlung, die sie über viele Jahre hinweg zusammengetragen hat. Sie kombiniert gefundene mit eigenen Fotografien und Malereien zu dichten Kompositionen.  Einige Motive, die emotionalen Widerhall finden - die Maske, die Meerjungfrau, der Reiher -, sind wiederkehrende Symbole und verkörpern einen Zustand des Dazwischenseins. Altin lädt die Betrachter*innen ein, in raumgreifenden Installationen Prozessen der Veränderung und des Werdens beizuwohnen.  Altin ist Preisträgerin des Hannah-Höch-Förderpreises 2024. Die Ausstellung in der Berlinischen Galerie ist im Sinne einer "spekulativen Kartografie" lesbar. Die begleitende Publikation vereint zwei Bände und ist eine experimentelle Weiterführung der Ausstellung. Enthalten sind Essays von Maren Lübbke-Tidow und Federica Bueti, sowie Vorworte von Katia Reich und Thomas Köhler.  Between the Images  Özlem Altin (b. Goch, 1977; lives and works in Berlin) examines the relationship between photography, the archive, and the body. For her work, Altin refers to a collection of photographic images that she has assembled over the past years and combines found imagery with her own photos and paintings into dense compositions. Some motifs that resonate emotionally-the mask, the mermaid, the heron-are recurring symbols, which embody a state of in-betweenness. Altin invites viewers into immersive installations to witness processes of change and becoming.  Altin is awarded the 2024 Hannah-Höch-Förderpreis. Her exhibition at the Berlinische Galerie can be read as a "speculative cartography." The accompanying catalogue unites two volumes and is an experimental continuation of the exhibition. It contains essays by Maren Lübbke-Tidow and Federica Bueti, as well as forewords by Thomas Köhler, and Katia Reich.

Inmitten der bis heute wegweisenden Konzeptkunst der 1970er-Jahre und im Umfeld der feministischen Avantgarde entwickelte Rose English (geb. 1950 Hereford, GB) ihre einzigartige Arbeitsweise. Heute zählt sie zu den einflussreichsten Performance-Künstler*innen mit einem außergewöhnlich vielschichtigen OEuvre. In ihrem Werk verbindet sie Elemente von Theater, Zirkus, Oper, Comedy und Poesie, um die Themen der Geschlechterpolitik, der Identität von Performer*innen und der Metaphysik der Präsenz - die eigentliche Natur von Performance - interdisziplinär zu erforschen. Sie kollaboriert in ihrer künstlerischen Praxis immer wieder mit einer Vielzahl an Mitwirkenden, darunter Musiker*innen, Sänger*innen, Tänzer*innen, Filmemacher*innen, Zirkusartist*innen, Zauber*innen und auch Dressurpferden.  Die Publikation Memory Theatre erscheint im Rahmen von Englishs Einzelausstellung im Museum der Moderne Salzburg. Das Buch gibt einen explorativen Überblick in  das 50 Jahre umspannende Werk der Künstlerin. Neben zahlreichen Abbildungen und Dokumentationen der Performances enthält der Katalog Essays von Connie Butler,  Paul Clinton, Nicole Haitzinger, Lisa Moravec, Marijana Schneider und Amy Tobin.    Ballet, Dressage, Baroque in Service to Feminism  Rose English (b. Hereford, UK, 1950) developed her singular practice surrounded by the conceptual art of the 1970s, which remains seminal today, and in the orbit of the feminist avant-garde. Boasting an extraordinarily diverse oeuvre, she ranks among the most influential performance artists of our time. Her art combines elements of theater, circus, opera, comedy, and poetry for an interdisciplinary investigation of themes including the politics of gender, the identities of performers, and the metaphysics of presence-the true nature of performance. Many of her works have been collaborative productions involving a large cast of participants such as musicians, singers, dancers, filmmakers, circus artists, magicians, and even dressage horses.  The publication Memory Theatre is released on occasion of English's solo exhibition at the Museum der Moderne Salzburg. Presenting an exploratory survey of the artist's oeuvre, which now spans five decades, the richly illustrated catalogue contains extensive documentation as well as essays by Connie Butler, Paul Clinton, Nicole Haitzinger, Lisa Moravec, Marijana Schneider, and Amy Tobin.

Im Laufe ihrer fast 30-jährigen künstlerischen Tätigkeit hat Chitra Ganesh (geb. 1975 in Brooklyn, N.Y., USA, lebt und arbeitet ebenda) ein umfangreiches OEuvre entwickelt, das sich aus Zeichnung und Malerei heraus in abwechslungsreiche mediale Richtungen entfaltet, von Animationen, Wandzeichnungen, Collagen und Skulpturen bis hin zu computergenerierten Bildern und Videos. Mit großer Leidenschaft für das Detail kombiniert Ganesh eine vielschichtige Palette kultureller Einflüsse mit der Bildsprache von alten Comics, Bollywood-Plakaten und Videospielen. Mit diesem Ansatz untersucht sie Erzählungen und Bilder, die der Kulturgeschichte Südasiens entspringen, ohne jedoch in Nostalgie verhaftet zu sein. Vielmehr fordern ihre Arbeiten die Konventionen von Geschlecht, Sexualität und Macht heraus, indem sie komplexe mythologische Erzählungen um ikonische weibliche Protagonist*innen ins Zentrum rücken.  Die Monografie widmet sich in erster Linie Ganeshs OEuvre aus den Jahren 2013-2023, enthält aber auch Bilder und Hintergrundinformationen von 1996 bis heute. Mit Texten von Natasha Bissonauth, Gayatri Gopinath, Saisha Grayson, Tausif Noor, Svati Shah und Ksenia Soboleva.    Between South Asian Iconography, Science Fiction, and Queer Theory  In a creative career that now spans almost three decades, Chitra Ganesh (b. Brooklyn, New York, US, 1975; lives and works in Brooklyn, New York, US) has built an extensive oeuvre that, anchored in drawing and painting, branches out in manifold ways into media ranging from animation, mural, collage, and sculpture to computer-generated imagery and video. With enormous passion for detail, Ganesh combines a multifaceted palette of cultural influences with the visual idiom of vintage comics, Bollywood posters, and videogames. Her practice lets her delve into narratives and images drawn from the cultural history of South Asia without veering into nostalgia. Her works instead challenge conventions of gender, sexuality, and power by putting complex mythological narratives around iconic female protagonists front and center.  The monograph is primarily dedicated to Ganesh's work 2013-2023, while including images and context from 1996 to the present. With essays by Natasha Bissonauth, Gayatri Gopinath, Saisha Grayson, Tausif Noor, Svati Shah, and Ksenia Soboleva.

Der weibliche Körper und seine Autonomie Die Arbeiten der slowakischen Künstlerin Jana Zelibská (geb. 1941 in Olomouc, damalige Tschechoslowakei; lebt und arbeitet in Bratislava, Slowakei) reichen von Druckgrafik, Zeichnung, Malerei, Objekten und Videos bis hin zu Environments, Konzeptkunst, Installationen und intermedialer Kunst. Seit den 1960er-Jahren ist sie eine wichtige Stimme der konzeptuell und performativ orientierten unabhängigen Kunstszene in der Slowakei. In ihren frühen Installationen thematisiert sie selbstbewusst und emanzipiert erotisches Begehren und fegt patriarchalische Strukturen beiseite. Im Zentrum von Zelibskás immersiven Rauminstallationen und Gemälde steht der weibliche Körper. Dabei spielt sie mit der voyeuristischen Begierde des Publikums und so werden Spiegel anstelle der weiblichen Geschlechtsteile gesetzt und Vorhänge verhüllen Teile des Körpers. Jana Zelibská - Discovery of Possibility ist die erste Einzelausstellung der Künstlerin außerhalb der Slowakei neben ihrem Länderbeitrag im gemeinsamen Pavillon der Tschechischen Republik und der Slowakischen Republik auf der 57. Biennale von Venedig im Jahr 2017. Der begleitende Katalog ist die erste Veröffentlichung im deutschsprachigen Raum zu ihrem Werk und enthält Beiträge von Nathalie Hoyos, Lucia Gregorová Stach, Rainald Schuhmacher und Alfred Weidinger. The Female Body and Its Autonomy The Slovak artist Jana Zelibská's (b. Olomouc, former Czechoslovakia, 1941; lives and works in Bratislava, Slovakia) output ranges from fine art prints, drawings, paintings, objects, and videos to environments, conceptual art, installations, and intermedia art. She first emerged as a major figure on Slovakia's independent art scene, which embraced conceptual and performative approaches, in the 1960s. Her confidence and progressive convictions speak from her early installations, which candidly address erotic desire and shatter patriarchal structures. The female body stands at the center of Zelibská's immersive environments and paintings. She likes to toy with the audience's voyeuristic desire, integrating mirrors where one would expect to see female genitalia and veiling parts of the body with curtains. Jana Zelibská-Discovery of Possibility is the artist's first solo exhibition outside Slovakia after she made her international debut in the shared pavilion of the Czech Republic and the Slovak Republic at the 57th Venice Biennale in 2017. The accompanying catalogue is the first publication on her oeuvre in the German-speaking countries and includes contributions by Nathalie Hoyos, Lucia Gregorová Stach, Rainald Schuhmacher, and Alfred Weidinger.

Die Auseinandersetzung mit progressiven Schwarzen intellektuellen Strömungen zeichnet die fotografische Praxis von Eric Asamoah (geb. 1999 in Linz, Österreich) aus. Er navigiert durch die Komplexität dessen, was es bedeutet, jung, Schwarz und in einer diasporischen visuellen Kultur verankert zu sein. Bevor er seine Ideen in Kompositionen übersetzt, hält Asamoah seine Gedanken in Tagebucheinträgen und Notizen fest. Diese Texte dienen keineswegs nur als vorbereitende Skizzen, sondern stellen die emotionale Grundlage dar, die seine fotografischen Projekte eindrucksvoll von anderen jungen Zeitgenoss*innen abgrenzt.  Die Publikation thematisiert zwei analog fotografierte zentrale Werkserien: Forever Lasts Until It Ends (2022) und The Day After Tomorrow (2021). Für beide Projekte reiste Asamoah in das Herkunftsland seiner Eltern, Ghana. Die in der westafrikanischen Republik entstandenen Bilder erzählen von der sensiblen Phase des Erwachsenwerdens, von Übergängen, Emotionen, Träumen und von Gemeinschaft als einem kollektiven Gefühl der Unabhängigkeit. Mit einem Essay von Brooklyn J. Pakathi und einem Gespräch zwischen Gabriel Proedl und dem Künstler.  Eric Asamoah's (b. Linz, Austria, 1999) photographic practice is informed by his engagement with tendencies in progressive Black thought. He navigates the complexity of what it means to be young, Black, and anchored in a diasporic visual culture. Before translating his ideas into compositions, Asamoah records his thoughts in diary entries and notes. Far from being mere preparatory sketches, these texts constitute the emotional basis that sets his formidable photographic projects apart from the works of other young contemporaries.  The publication shines a spotlight on two central series of analog photographs: Forever Lasts Until It Ends (2022) and The Day After Tomorrow (2021). For both projects, Asamoah traveled to his parents' native Ghana. The pictures he took in the West African republic tell stories of the sensitive phase of coming of age, of passages, emotions, dreams, and community as a collective sense of the transition to adulthood and independence. With an essay by Brooklyn J. Pakathi and a conversation between Gabriel Proedl and the artist.

Inspiriert von digitalen Technologien und Szenerien aus Computerspielen schafft die Künstlerin Mary-Audrey Ramirez (geb. 1990 in Luxemburg, Luxemburg; lebt und arbeitet in Berlin) immersive Welten, die aus ihrem eigenen inneren Kosmos stammen. Ihre Installationen erwecken beim Betrachten den Eindruck, sich inmitten von Games zu befinden. Dafür macht sie sich auch das kreative Potenzial künstlicher Intelligenz zunutze. Ramirez sieht dies als Zusammenarbeit von Mensch und Maschine, die sich gegenseitig in ihrem Schaffensprozess unterstützen. Fakten und Fiktionen miteinander zu verbinden sowie die stetige Migration des Digitalen in unsere Welt sind integrale Bestandteile ihrer Praxis. Dabei erscheinen die Arbeiten der Künstlerin wie eine Reise in ihre nächtlichen Träume. Forced Amnesia ist die zweite umfangreiche Monografie (XOXO, Winter Is Coming, DISTANZ, 2020) der Künstlerin anlässlich ihrer Ausstellungen in der Kunsthalle Gießen und dem Casino Luxembourg. Essays von Nadia Ismail, Damien Mecheri und Ji-Hun Kim untersuchen Ramirez' Praxis. Mit einem künstlerischen Textbeitrag von Julia Scher. Artistic Intelligence and Gaming Universes: Level Up! Taking inspiration from digital technologies and sceneries from computer games, the artist Mary-Audrey Ramirez (b. Luxembourg, Luxembourg, 1990; lives and works in Berlin) creates immersive worlds that spring from the cosmos of her inner mind. Her installations make the viewers feel like they have been transported to inside a game. To realize them, she also taps into the creative potential of artificial intelligence. As Ramirez sees it, such collaboration between human and machine lets both sides support each other in their creative processes. The blending of fact and fiction and the ongoing migration of the digital into our world are integral components of her practice. Reading as voyages straight into her nightly dreams, her works are suffused with a dystopian beauty, with flashes here and there of a subtle sense of humor that lighten the impact of her motifs and provide relief from the powerful sense of gloom. Forced Amnesia, the artist's second comprehensive monograph (XOXO, Winter Is Coming, DISTANZ, 2020), is released on occasion of her exhibitions at Kunsthalle Gießen and Casino Luxembourg. Essays by Nadia Ismail, Damien Mecheri, and Ji-Hun Kim analyze Ramirez's practice. With a piece of creative writing contributed by the artist Julia Scher.

Life is a journey we take alone or with others. I believe each of us has infinite possibilities to make this world a better place in many tiny ways.You can. Believe me, you can. Give a smile, a compliment, a new perspective. Find a way to be helpful, useful, and positive.My journey has taken me to over thirty countries. I have accepted friendly advice, learned to be culturally sensitive, and collected many friends. Learning chigiri-e (Japanese torn washi paper collage) in 1984 got my artistic creativity going. I use this technique and others to bring out nature's beauty. I have won a few awards, had several solo shows, been juried into over seventy exhibitions and published in a couple of magazines. Collectors in China, Taiwan, USA. Canada, Finland, England and Japan are looking forward to this book. Check out the contents. You may want to learn this technique yourself. May you live your life as fully as I do.Other books by Roxsane:Timber Talk, as heard in the forests of British ColumbiaCelebrate JapanZip, a MemoirART and SOULZipping Along, my adventures and travels.

When Janet Evans took one look at her new born son, she had no idea how short of time she had left. Little did the little boy know that a promise he would make to his mother when she sat him down one day would carry him through his life through all the pain and suffering. Read the journey of how the little boy shed his past and emerged from his shell as Foster Evans.

In der Arbeit des Künstlers Titus Schade geht es um Malerei und um ihre visuelle Räumlichkeit. In seinen an Kulissen erinnernden Umgebungen entwickelt er Orte, die mal wie ein Modell, mal wie eine Theaterbühne wirken. So erfindet Schade in seinen Bildern eine Reihe verschiedener Architekturen und Ausstattungsstücke, die den Betrachter in private Räume führen. Dabei versucht er nicht, die Wirklichkeit abzubilden. Vielmehr arbeitet er mit Ersatzelementen, die er in einer in sich geschlossenen Umgebung anordnet. Seine Formen und die meist architektonischen Raumstrukturen werden auf geradezu barocke Art beleuchtet. Klassische Landschaften begegnen geometrischen Formen, deren Zeitlosigkeit eine universelle Lesart erlaubt. TITUS SCHADE (*1984, Leipzig), einer der bedeutendsten Künstler der jungen deutschen Malerei, war Schüler der Leipziger Akademie der Bildenden Künste, unter anderem bei Neo Rauch. Er lebt und arbeitet in Leipzig. Seine Arbeit wurde in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland gezeigt. Titus Schade wird vertreten durch die Galerie EIGEN + ART, Leipzig / Berlin.

Documenting the extraordinary breadth of sculptural production by American artist Tony Smith (1912–1980), this comprehensive book reveals the depth and complexity of Smith’s oeuvre as well as the vast range of his intellectual pursuits.Tony Smith Catalogue Raisonné: Sculpture, with more than 500 full-color illustrations, is the first in a multi-publication project to reveal the depth and complexity of Smith’s oeuvre while positioning its transdisciplinary nature in dialogue with contemporary voices. Often made of steel and painted black, Smith’s large-scale sculptures demonstrate a committed experimentation in how geometric shapes can be modeled into holistic sculptural compositions. The ever-shifting qualities of his imposing works engage spectators in phenomenological experiences that continually change in relation to motion, position, sightline, and perspective, amid a panoply of shapes that generate and regenerate anew with each incremental shift in viewpoint.Born in South Orange, New Jersey, Tony Smith (1912–1980) occupies an important place in the history of twentieth-century art and design. His intellectual and creative pursuits, encompassing sculpture, architecture, drawing, painting, and writing, were informed by his close study of biology, mathematics, philosophy, and literature, blending the improvisational with the analytical. His artistic process was both intellectual and instinctual relying upon rational structures inherent in polygonal forms, complemented by creative intuition, to shape his visions into what may be considered irrational objects—sculptures.This volume serves as a comprehensive record of Smith’s sculpture, providing an archival foundation for future study, interpretation, and analysis. A companion book, Against Reason: Tony Smith, Sculpture, and Other Modernisms, is published alongside to explore the ongoing vitality of Tony Smith, with newly commissioned essays and artist projects by practitioners working in a range of visual arts. These books will, for the first time, capture the depth, influence, and diversity of Smith’s understudied oeuvre, establishing new ground for future interpretations and readings of his monumental work.

"As Companion books to the first ever catalogue raisonnâe on influential artist Tony Smith, the Against Reason books refresh the conventional catalogue by offering critical commentary on the artist's works while expanding canonical views on modernism"--

An illustrated anthology of texts on artist Amanda Williams, edited in collaboration with Camille Bacon.What Black Is This You Say?, by Amanda Williams, convenes a broad set of contributors to respond to her own eponymous public artwork at Storefront for Art and Architecture in New York City (2021–2023). In this collection, the 17 colors and captions that appeared on the facade of Storefront—the project began as a series of Instagram posts of different hues of black, paired with witty and incisive comments on the multiplicity of Black culture—are expounded upon in poems, essays, and prose. With this anthology, Williams deliberately departs from traditional art criticism by gathering an intimate ensemble of her peers, friends, and collaborators, including Roxane Gay, Corinne Bailey Rae, and J Wortham, to comment on her work.What Black Is This You Say? is the first title in a new series titled Groundworks, produced in conjunction with Storefront for Art and Architecture. Storefront, founded in 1982, is known for its commitment to challenging and reframing the relationship between public and private space. In 1993, the gallery commissioned a project by the artist Vito Acconci and architect Steven Holl that replaced the exterior façade with a series of 12 movable panels that open the entire length of the gallery to the street, enabling endless possibilities of entry, navigation, and absorption into the gallery space.

"An ecologically minded collection of essays in the vein of Rebecca Solnit and Susan Sontag-covering everything from the equipment of photography to the difficulties of perception itself. In an age when most of us carry a device seemingly capable of freeze-framing the world, Benjamin Swett writes with refreshing clarity on the way of the true photographer. Combines cultural criticism with personal revelation to examine how the lived experience of photography can endow the mundane with meaning while bringing attention to the beauty of both the natural world and the world we build. Having photographed trees of Manhattan, Shaker dwellings, and the landscapes of upstate New York, award-winning photographer and writer Swett brings an ecological sensitivity to these expansive and profound meditations on how to document the world around us. Accompanied by nearly three dozen black-and-white photographs and illustrations, the essays take us from Coney Island in the early 70s to Paris and Prado at the turn of the last century. By turns literary criticism, art history, and memoir, they draw from writers such as Eric Sanderson, Max Frisch, and John Berger to uncover truths about a life spent in pursuit of art. In essays such as "The Picture Not Taken," "The Beauty of the Camera," and "My Father's Green Album" Swett gives us a picture of photography over generations and how we can or should relate to the mechanical devices so often fetishized by those interested in the subject. In "What I wanted to Tell You About the Wind" we understand photography's importance in understanding our place in larger environmental and social systems; and in "VR" and "Some Observations in the Galapagos" Swett challenges us to think through problems of perception and knowing central to the experience of photography, looking to the past and into our future for answers. Poignant and deftly crafted, The Picture Not Taken brings to mind the fearless ambition of Annie Dillard and the grand scope of Rebecca Solnit's Field Guide to Getting Lost. Swett's writing will appeal to readers who have enjoyed Geoff Dyer's work, and Susan Sontag's writing on photography"--

For første gang i nyere tid udkommer en publikation på dansk om Alberto Giacometti og hans arbejde. Bogen udgives i forbindelse med udstillingen Alberto Giacometti – Hvad øjet ser og er blevet til i et eksklusivt samarbejde mellem Fondation Giacometti i Paris og SMK i København. I kataloget kommer man helt tæt på Giacomettis værker og forskningsideen bag udstillingen. Kataloget rummer centrale, nyoversatte originaltekster af filosoffen Jean-Paul Sartre og Giacometti selv, fire aktuelle artikler af danske og franske forskere og ikke mindst illustrationer af udstillingens værker i ny, forbedret kvalitet, præsenteret på en måde, der underbygger forskningspointerne og udstillingens ide. Omdrejningspunktet er Giacomettis brud med det surrealistiske miljø, som han var en del af indtil 1934-35, og det slægtskab, som man gerne ser mellem hans sene værk og efterkrigstidens fænomenologisk inspirerede tænkere som Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre og Maurice Merleau-Ponty. Ud over at præsentere den tænkning og de erfaringer, der lå bag Giacomettis kunstneriske metode, giver bogen også et indblik i efterkrigstidens Paris, de steder og personligheder Giacometti omgav sig med.

Celebrates the first work by Wolfson to enter an Australian collectionArtist Jordan Wolfson is emblematic of the time in which we live. As we grapple with our relationship to technology, our immersion in internet culture, and social issues of racial and gender inequality, alienation, and violence, Wolfson confronts us with their images, actions, and effects. His works act as witnesses on the world we are in right now rather than taking a moral position or articulating a particular point of view. They are therefore often uncomfortable to experience, as well as being deeply intriguing in their extraordinary visual power and technical sophistication.In this publication, the National Gallery of Australia has gathered robust ideas, facilitated discussions, and sought unique perspectives that position Wolfson's major work within diverse contexts, including art history, cybernetics, and media theory. Contributors include Mark Setrakian, Wolfson's principal collaborator; Richard Taylor of Wētā Workshop; Russell Ferguson, a curator, writer, and longtime observer of Wolfson's work; Genevieve Bell and Andrew Meares from the Australian National University School of Cybernetics; and artist Anne Imhof. The publication's creative vision has been driven by the artist and features stunning documentary photographs by David Sims and design by Joseph Logan.

Kann Kunst heilen? Die Welt zu einem besseren Ort machen? Zenita Komad möchte mit ihrer Arbeit genau das. Sie wendet sich mit außergewöhnlichen grafischen und skulpturalen Werken, Objektbildern, Installationen und Inszenierungen, mit klaren oder rätselhaften, kraftvollen, tiefgründigen, poetischen und oft auch witzigen Botschaften an die Menschen, um auf der Basis einer Verständigung zwischen unterschiedlichen Überzeugungen, Weltanschauungen und interreligiöser Spiritualität für eine gemeinsame Verantwortung für die Welt zu werben - denn alles steht mit allem in Verbindung.NIE WIEDER KRIEG! (Ausstellung im KULTUMuseum Graz, 3.2. bis 26.5. 2024) DER KRIEG IST AUS! (Ausstellung im MMKK Klagenfurt, 8.2. bis 19.5.2024)DIE WAFFEN NIEDER! (Installation, Land-Art-Projekt Die Grube/The Pit von Peter Noever, Breitenbrunn bis September 2024)So lauten drei aktuelle Groß-Projekte von Komad zum Thema Frieden und Gerechtigkeit. Sie laufen gut drei Monate lang parallel in drei Bundesländern. Open-Air-Installationen machen die titelgebenden Imperative der Zeit nach den Weltkriegen aus der Vogelperspektive lesbar und verbinden die Projekte zu einer Trilogie.Die Monografie zeigt sehr aktuelle Werke und solche aus den vergangenen Jahrzehnten, ergänzt dazu eine ausführliche Einführung von Johannes Rauchenberger, ein Gespräch der Künstlerin mit Chris­tine Wetzlinger-Grundnig, ein vollständniges Verzeichnis der gezeigten Arbeiten sowie die Vita von Zenita Komad.

«Samuel Shaw¿s engaging new book on William Rothenstein takes a figure who has frequently made a fleeting appearance in texts on twentieth-century British art and puts him centre stage. Informed by rigorous research in archives and private collections in Europe and the United States, Shaw¿s discussion of Rothenstein¿s work as an artist, campaigner, educator and organiser will be of interest to anyone seeking out more complex cultural histories of this period. Shaw¿s narrative is an impressive balance of detailed discussion about an individual¿s career and a larger argument about the tensions between the nationalism and cosmopolitanism that shaped the early twentieth-century art world.»(Sarah Victoria Turner, Director of the Paul Mellon Centre for Studies in British Art) «In this superbly well-researched book, Samuel Shaw argues convincingly that a commitment to British identity, including the experience of British Jews, is in no way at odds with a cosmopolitan openness to artistic activity across the whole of Europe, Asia and beyond. This will be the standard work on Rothenstein in his time for years to come and required reading for anyone interested in the international artworld of the period.»(Elizabeth Prettejohn, Professor of History of Art, University of York) The artist, writer and teacher William Rothenstein (1872¿1945) was a significant figure in the British art world of the late nineteenth and early twentieth centuries. He was a conspicuously cosmopolitan character: born to a German-Jewish family in the north of England, he attended art school in Paris, wrote the first English monograph on the Spanish artist Goya, and became a prominent collector and supporter of Indian art. However, Rothenstein¿s cosmopolitanism was a complex affair. His relationship with his English, European and Jewish identities was ever-changing, responding to wider shifts on the political and cultural stage. This book traces those changes through the artist¿s writings and through his art, analysing a range of paintings, drawings and prints created from the 1890s into the 1930s. This book ¿ the first in-depth study of Rothenstein¿s art ¿ draws on extensive archival material to situate his practice within broader debates regarding transnational exchange and the development of modern art in Britain.

This scarce antiquarian book is a facsimile reprint of the original. Due to its age, it may contain imperfections such as marks, notations, marginalia and flawed pages. Because we believe this work is culturally important, we have made it available as part of our commitment for protecting, preserving, and promoting the world's literature in affordable, high quality, modern editions that are true to the original work.