Menneskeskabte objekter i kunst (bylandskaber, maskiner osv.)

Ny Jord – Tidsskrift for naturkritik er et multidisciplinært tidsskrift, der orienterer sig på tværs af århundreder og landegrænser og bringer videnskab, litteratur og kunst side om side i ønsket om at bidrage til en kvalificeret samtale om naturen i en tid, hvor vores forestillinger og idéer om den ændres markant.

Ny Jord – Tidsskrift for naturkritik er et multidisciplinært tidsskrift, der orienterer sig på tværs af århundreder og landegrænser og bringer videnskab, litteratur og kunst side om side i ønsket om at bidrage til en kvalificeret samtale om naturen i en tid, hvor vores forestillinger og idéer om den ændres markant.

Ny Jord – Tidsskrift for naturkritik er et multidisciplinært tidsskrift, der orienterer sig på tværs af århundreder og landegrænser og bringer videnskab, litteratur og kunst side om side i ønsket om at bidrage til en kvalificeret samtale om naturen i en tid, hvor vores forestillinger og idéer om den ændres markant.

"Maskeansigtets hemmelighed. Tæmmede dæmoner i menneskers tjeneste. Maskeansigter, grimer og hoveder til værn, skræk og advarsel". Bogen sætter over 316 sider med 157 illustrationer fokus på brugen af billeder og skulpturer af masker, ansigter og hoveder som symboler anvendt til amuletter og styring af mennesker i de nordiske lande tilbage i tiden. Maske hedder på gammelnordisk og nutidig islandsk grima, som også betyder ansigtsbillede. Som en afledt form af ordet kaldtes Odin for Grimnir, når han færdedes maskeret for at skjule sin identitet. Maskeansigter blev typisk placeret på centrale steder, som det var af særlig betydning at værne mod overlast. Ordet grime blev anvendt om et ejermærke på et træ og Grim indgår i navne på træer, bakkedrag og vandløb, som markerer skel. Maskeansigterne kendes bedst fra runesten, som den fra Aarhus, som Moesgård Museum nu udstiller og bruger som sit logo. Men de kendes også som udsmykning – amuletter – på skibsåretolde, sværdhæfter, økseblade, stokkehåndtag og værdiskrin.Bogen henleder opmærksomheden på overleverede vidnesbyrd om åndemanere (shamaner) før kristendommens indførelse. Shamanerne fremtrådte med hjortegevir på hovedet samt tromme og trommestikker i hænderne. I Deres påkaldelse af guderne kunne indgå håndtering af slanger samt menneske- og dyreofringer.Skulpturer og billeder af hoveder af mennesker, dyr og fantasivæsener blev brugt som magt-, skræmme- og værnesymboler i lighed med maskeansigter. Krigsskibe fik f.eks. i vikingetiden under angreb påsat aftagelige dragehoveder. Sidenhen blev de udstyret med løvehoveder på kanonporte og andre strategisk velvalgte steder.For første gang gives her en samlet fremstilling af de formodede tanker bag brugen af sådanne symboler til magtdemonstration, forhånelse, værn, skræk og advarsel. Med beskrivelserne af disse forhold åbner bogen op for en verden, som der hidtil ikke har været lagt ret meget mærke til.

Sommerlandets arkitektur. Drømmen om det gode liv handler om sommerarkitekturens historie fra Frederik 2.s lille lystslot Lundehave ved Kronborg til årtusindskiftets primitive overnatningssteder i naturen. Udviklingen afspejler forskellige perioders og samfundsgruppers forestillinger om "det gode liv". Bogen undersøger deres baggrund og formidling i debatter, bøger og tidsskrifter. Den uddyber den historiske udvikling i forskellige dele af landet og dokumenterer de mange typer af bygninger og bebyggelser - fra landsteder, sommervillaer og typehuse til feriebyer, kolonihaver og campingpladser. I sommerlandet findes væsentlig kulturarv.Den øgede fritid har skabt nye bebyggelser og landskaber. Her er der historisk og nutidigt opstået anderledes livsformer med friere kropskultur i mere naturlige omgivelser. Som en form for nære utopier er der muligheder for at nærme sig det gode liv, om ikke hele livet, så dog i ”den frie tid” om sommeren. Sommerlivet kan føre til gentagelse af hverdagen, men det kan også opleves som frirum for sociale, arkitektoniske og indretningsmæssige eksperimenter, som kan pege frem mod mere uformelle livsformer og en lettere og lysere boligkultur og større bæredygtighed.Margrethe Floryan skriver om 1700-tallets forfinede salonkultur på Sophienholm og andre landsteder og Peter Thule Kristensen om borgerskabets både rekreative og sundhedsorienterede ferieformer i Cottageparken ved Klampenborg fra midten af 1800-tallet. Nan Dahlkild uddyber den fortsatte udvikling af borgerskabets landliggerkultur med store farverige sommervillaer og hoteller omkring 1900, der blev efterfulgt af demokratisering af friluftslivet i form af kolonihaver, vandrebevægelse og Dansk Folkeferies feriebyer. Vibeke Andersson Møller fokuserer på modernismens feriehuse. Efter 2. Verdenskrig har sommerlandet fået sine egne typefritidshuse og sommerlige parcelhuskvarterer, som beskrives af Jørgen Hegner Christiansen og Nan Dahlkild.Flemming Skude formidler årtusindskiftets arkitektoniske eksperimenter.Bogen og udstillingen Sommerlandets arkitektur. Drømmen om det gode liv er realiseret med støtte fra: A.P. Møller og Hustru Chastine Mc-Kinney Møllers Fond til almene FormaalBergiafondenKøbenhavns UniversitetRealdaniaTømmerhandler Johannes Fogs FondAage og Johanne Louis-Hansens Fond.

Ob vertäfelte Klosterbibliothek, Büchersaal einer altehrwürdigen Universität, berühmte Privatbibliothek oder die private Hausbibliothek, die die eigene Biografie abbildet - Büchersammlungen und Bibliotheken sind Wohlfühlorte, Oasen der Stille und zugleich überbordend vor Ideen, Möglichkeiten, Historien, alternativen Lebenswelten und unentdeckten Dingen. Sie bieten konzentrierter Arbeit, moderner Geisteswissenschaft und analytischem Denken Raum und sind doch auch Orte der Kontemplation, des Träumens und des Erinnerns.Auf dieser Fotoexpedition besucht Massimo Listri einige der ältesten und schönsten Bibliotheken der Welt, um deren architektonische, historische und fantasievolle Wunder zu enthüllen. Durch große Holztüren, über Wendeltreppen und entlang exquisiter, mit Regalen ausgestatteter Korridore führt er uns durch herausragende private, öffentliche, Bildungs- und Klosterbibliotheken, die bis ins Jahr 766 zurückreichen. Diese Institutionen aus dem Mittelalter, dem Klassizismus, dem Barock, dem Rokoko und dem 19. Jahrhundert beherbergen einige der wertvollsten Aufzeichnungen menschlichen Denkens und Handelns, die in Manuskripten, Bänden, Papyrusrollen und Inkunabeln niedergeschrieben und gedruckt sind. In jeder dieser Bibliotheken fangen Listris aussagekräftige Bilder die einzigartige Atmosphäre der Bibliothek ebenso ein wie die wertvollsten Bestände und Gestaltungsdetails.Zu den vorgestellten Bibliotheken gehören die päpstlichen Sammlungen der Vatikanischen Apostolischen Bibliothek und die Trinity College Library in Dublin, in der das Book of Kells und das Book of Durrow aufbewahrt werden. Die sorgfältigen Beschreibungen, die jede vorgestellte Bibliothek begleiten, informieren nicht nur über die erstaunlichen Bestände der Bibliotheken - aus denen einige Highlights abgebildet sind -, sondern auch über ihre oft bewegte, turbulente oder kontroverse Vergangenheit. So zum Beispiel das Franziskanerkloster in Lima, Peru, mit seiner Fülle an archivierten Inquisitionsdokumenten.Nach unserem XXL-Bestseller erscheint jetzt diese kompaktere Ausgabe: ein Augenschmaus für Bücherfreunde, eine Ode an das Lesen und die Schriftkultur und eine kulturhistorische Wallfahrt an die Stätten, die Archiv und Arche unserer Geschichte sind.

Denne bog illustrerer, hvordan kunstnere verden over på hver deres måde forsøger at bidrage til løsningen af den globale økologiske krise. Ralph Sanne (f. 1946) er cand.scient. i biologi, geografi og geologi.

Die Publikation Remnants konzentriert sich hauptsächlich auf die visuelle Seite von Paul Hutchinsons Arbeit und zeugt von der Weiterentwicklung seiner Bildsprache. Remnants beschreibt eine Werkgruppe, die Hutchinson seit 2021 produziert - Rückstände, die bei dem Versuch entstanden sind, Graffiti von U-Bahnwägen zu entfernen, stehen hier im Mittelpunkt. Daneben sehen wir vertraute Bezüge zu Hutchinsons Stimme: Zeichen des Wandels im urbanen Raum, Bilder, die auf Fragen von Klasse, Zugang, Zugehörigkeit anspielen. Wir sehen Momente von Fragilität und Rauheit und wir sehen, wie sich die Stadt selbst artikuliert. Allgemein wird ein Gefühl des gesellschaftlichen Wandels vermittelt, ein Moment, in dem die Überreste einer früheren Ordnung noch greifbar sind, aber es ist unklar für wie lange. Die Publikation zeigt ausgewählte Arbeiten aus den Jahren 2019-2024. PAUL HUTCHINSON (*1987, Berlin) hinterfragt kritisch die Entwicklung sozialer Prozesse im urbanen Raum. In seiner fotografischen Praxis und in seinen Texten setzt er sich mit innerstädtischer Kultur und Bedingungen sozialer Mobilität auseinander und oszilliert dabei zwischen Dokumentation, Fiktion und Poesie. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, zuletzt in der Kunst-Station Wolfsburg via Städtische Galerie Wolfsburg, während des Europäischen Monats der Fotografie Berlin und im Kunstverein Ulm. Er lebt und arbeitet in Berlin.

TITUS SCHADE (*1984, Leipzig), einer der bedeutendsten Künstler der jungen deutschen Malerei, war Schüler der Leipziger Akademie der Bildenden Künste, unter anderem bei Neo Rauch. Er lebt und arbeitet in Leipzig. Seine Arbeit wurde in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland gezeigt. Titus Schade wird vertreten durch die Galerie EIGEN + ART, Leipzig / Berlin.

Öffentliche Interventionen im Sinne des Künstlers Christian Hasucha sind im besten Sinne des Wortes irritierende Eingriffe in den öffentlichen Raum. Es sind "Deplatzierungen des Gewöhnlichen", die nicht nur unsere Sehgewohnheiten aufbrechen. Auch Begriffe wie die von Zeit, Raum und Habitat werden von ihm "verrückt" und zum Fließen gebracht. Die reich bebilderte Dokumentation bietet Denkanregungen allererster Güte!

Das Buch, das zugleich als Dokumentation der gleichnamigen Ausstellungspräsentation im Haus Mödrath dient, präsentiert frühe Arbeiten aus der Privatsammlung Wilhelm Otto Nachf. Gezeigt werden vor allem Werke solcher Künstlerinnen und Künstler, die in den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren im Rheinland arbeiteten, als Köln neben New York das weltweite Zentrum der zeitgenössischen Kunst war.Über die Jahre formte sich bis heute eine Sammlung, die einen subjektiven Einblick in die damalige Kölner Kunstlandschaft liefert und erstmalig in dieser Form in Haus Mödrath zu sehen ist.Ergänzt werden Ausstellung und Katalog um Künstler und Kunstwerke, die sich diesem Kölner Zeitabschnitt unmittelbar anschlossen und einen wichtigen Schwerpunkt der heutigen Sammlung bilden.Mit Arbeiten von: Albert Oehlen, Andreas Schulze, Anna und Bernhard Blume, Antony Gormley, Blalla W. Hallmann, Christopher Wool, Fischli/Weiss, Georg Herold, Gregor Schneider, Günther Förg, Hiroshi Sugimoto, Isa Genzken, Jochen Lempert, John Bock, Joseph Beuys, Jürgen Klauke, Kai Althoff, Katharina Sieverding, Marcel Odenbach, Peter Duka, Rob Scholte, Roman Signer, Rosemarie Trockel, Siegfried Anzinger, Sigmar Polke, Thomas Zipp, Walter Dahn

Seit Beginn seines Künstlerlebens hat Jürgen Köhler (* 1954) sich ganz auf das Zeichnen fokussiert. In seinen figurativen, situativen und gegenstandsfreien Bilderfindungen greift der Künstler regelmäßig auf einschlägige Motive der Kunstgeschichte und ihre ikonographischen Rahmenthemen zurück, um auf diese Weise sein Verhältnis zu Zeit und Welt zu illustrieren.Seine Zeichnungen ähneln in ihrem Fantasiereichtum häufig den Arbeiten von Kindern oder sogenannten Outsidern, auch wenn sie inhaltlich von Mythen, Religiosität, Erotik und Sexualität geprägt sind. Sie zeigen Zeichen, Figuren, eisige Natur und technoide Geometrien, beschwören unsere verborgenen und verschütteten Erinnerungen und Gedanken und eröffnen erratische Räume, gefüllt mit Metaphern und Allegorien.Seine Figuren kommen nicht ausschließlich aus dem europäischen Bildverständnis, sie kennen das faszinierende Fremde japanischer Holzschnitte, die Maskeraden geheimnisvoller Rituale oder Szenen aus dem uns unbegreiflichen No-Theater. Dabei haben seine Zeichnungen nichts Ideologisches, keine vorausgedachte Programmatik, keine Botschaft, sie sind den Abgründen des Unbewussten auch da noch verpflichtet, wo sie die sogenannte Wirklichkeit in den Blick nehmen.Der Katalog erscheint anlässlich der gleichnamigen Ausstellung im Leonhardi-Museum Dresden (20.01.-24.03.2024).

Sailing along California's often forbidding coast was a risky venture before 1854, the year the state's first lighthouse was established. Eventually more than forty lighthouse stations were built to guide mariners along 1,200 miles of coastline from San Diego to the Redwood Coast, and through bays and inland waters. Sharlene and Ted Nelson tell absorbing stories about each of these lighthouse stations, about the feats of their builders, and about the heroics of the men and women who tended the lights and fog signals. This new edition also contains: ¿ Information about lighthouses open to the public and offering tours.¿ Directions for reaching the lighthouses by road or on foot.¿ Numerous maps and photo graphs.¿ Information about finding the classic Fresnel lens still in use or display.¿ Tips for staying overnight in keepers' dwellings.

The Anahuacalli Museum in Mexico City, a pyramid-shaped structure of volcanic stone, was intended to be the final mansion of Diego Rivera and his wife, Frida Kahlo. Today, it houses Rivera's vast collection of pre-Columbian art. Unlike typical museums, the building's galleries resemble religious or ceremonial chambers, and the corridors are dramatic and cavernous.In 2022, artist Robert Janitz (b. 1962 in Alsfeld, Germany), who had recently moved to Mexico City from New York, was invited to exhibit his work at Anahuacalli. This catalog documents this extraordinary dialogue between pre-Hispanic and contemporary aesthetics. As an outsider, Janitz was free to respond to what he found compelling at Anahuacalli: the colors, the textures, the visionary architecture. Throughout the museum's three floors, Janitz installed large-scale paintings on the walls, even the ceiling and floor, to amplify and distort Rivera's almost ubiquitous decorative program. His paintings of tubular structures, halfway between hieroglyphs and shapes, were spotlit against the heavy, dark stone walls, giving them a jewel-like luminosity and creating an almost metaphysical and spiritual experience. Conceptually and chromatically, Anahuacalli seemed the perfect home for Janitz's extravagantly colored silhouettes.

London's leading pub tour guide and host of the celebrated Liquid History Tours guides readers off the beaten path and through the doors of London's lesser known but most authentic pubs, lovingly captured on camera by esteemed photographer Horst A. Friedrichs. Welcome to the world of London's finest backstreet boozers. It's easy to stumble into London's iconic pubs. The ones where Shakespeare trod the boards, or Dickens scribbled his next novel. What's more difficult and ultimately more rewarding, is finding that special pub that has just the right vibe; the pub that's tucked away from the maddening crowds of tourists and noisy out-oftowners; that almost mystical pub that you'll want to return to on a rainy evening, or show off to your friends. These are the hidden gems that Friedrichs and Warland introduce you to. Covering every corner of London from the city centre to its outer limits and beyond, these watering holes are permeated by personality and a passion for traditional hospitality. While the interiors might not boast architectural wonders, their unique qualities are brought to life through Friedrichs' stunning photography, which illuminates their character and charm, their idiosyncratic hosts and patrons, the menus scrawled on chalkboard, worn leather stools, and quirky artifacts. The pubs are the stars of this invaluable book that's as informative as it is collectible.

A stunning visual memorial to Buffalo's architectural and industrial history.

When the group Rrose Irwin Sélavy was founded in Yugoslavia in 1983, its members DuSan Mandic (1954, Ljubljana), Miran Mohar (1958, Novo Mesto), Andrej Savski (1961, Ljubljana), Roman Uranjek (1961, Trbovlje, +2022, Ljubljana) and Borut Vogelnik (*1959, Kranj) were aged between 22 and 29. They all came from the punk and graffiti scene of Ljubljana. Together with the music group Laibach, the theater of the sisters Scipio Nasicas, and the designers from Neuer Kollektivismus (New Collectivism), IRWIN is still one of the main groups of the artists' collective Neue Slowenische Kunst (New Slovenian Art), founded in 1984.This volume is published to mark the 40th anniversary of the artists' collective and to accompany the exhibition at HMKV Dortmund. Since 1983, IRWIN has been investigating the art history of Eastern Europe, especially the ambivalent legacy of the historical avant-garde and its totalitarian successors, i.e. the dialectic of avant-garde and totalitarianism. Since the 1990s, the focus of the group has been on challenging the art history of "Western Modernism" in a critical and iconoclastic way. The artists playfully and darkly contrast it with the "retro avant-garde" and an "Eastern Modernism".The book, which can be read from both sides, is made up of two parts: the first chapter explores the black humor that is a consistent element in IRWIN's work. The second chapter examines issues relating to the state - and how IRWIN uses them to comment on current topics such as migration.

Der reich illustrierte Bildband im Vice Versa-Format zeigt vom Künstler selbst inszenierte FarbPhotographien seiner utopischen "Floating Cities". Ein Essay des Kunsthistorikers Herbert Molderings zu Simonds' berühmten "Dwellings" interpretiert diese als Erinnerungsorte an die indigene Kultur der First Americans.

The Repair Shop's Dom Chinea takes you on an exploration of 100 essential machines found in the workshops and studios of the world's finest artisans and heritage craftspeople. Having covered Tools in his first book, Dominic Chinea turns his attention to Machines. Featuring 100 machines, defined as items with a mechanism to help transfer energy, Dom looks at objects including the potter's wheel, grain mill, sewing machine, printing press, wheel maker and plenty more. Each machine has a fascinating history and story to tell that highlights its contribution to artisanal crafts. And with every machine accompanied by beautifully ornate illustrations by Lee John Philips, it's certain to be a treasured book for all creators and craftspeople.

A book recounting the history and marvels of Reschio through an alphabet of stories and pictures of an ancient Italian estate beginning a new life.Reschio Estate sprawls over the hills of Umbria, north of Perugia and not far from Cortona, in the very heart of Italy, with its circular Castello at its highest point. Dating back one thousand years, it was revived when it was bought by Austro-Hungarian expatriate Count Antonio Bolza in the 1980s, and it has now been transformed into a group of villas and a spectacular hotel by his son Count Benedikt, who lives there with his wife Donna Nencia Corsini and their five children.Reschio Estate is every architect’s dream, and a total work of art. It spans nearly 1,330 hectares of land, and today half of the nearly fifty abandoned farmsteads have been transformed into beautiful villas. The 1940s tobacco warehouse has become the Tabaccaia, where the vibrant architectural and design studio brings Benedikt’s designs to life, with furniture and lighting made by local artisans. Ancient forests and meadows have been restored to their wild state, protecting the animals living in their natural habitat.

Die vorliegende Publikation begleitet die erste Einzelausstellung der international renommierten Künstlerin Mercedes Azpilicueta (*1981 in La Plata, Argentinien) in Deutschland. Das Werk der in Amsterdam lebenden Künstlerin umfasst Performance, Skulptur, Zeichnung, Textilarbeiten, Videokunst und Installation. Darin kommen queere, feministische oder marginalisierte Figuren zu Wort. In fließenden, assoziativen Verbindungen konterkariert sie starre Geschichtsnarrative und versucht, diese zu dekonstruieren und Raum für affektive und abweichende Stimmen zu schaffen. Ihre Arbeiten sind inspiriert von spekulativer und fiktionaler lateinamerikanischer Literatur, (neo)barocker Kunstgeschichte, Dekolonialismus, zeitgenössischer Populärkultur und verschiedenen Aspekten der Handwerkstechnik und der Textilproduktion.Mercedes Azpilicuetas jüngste künstlerische Forschung konzentriert sich auf die Erkundung der Identitäten von Figuren aus der Vergangenheit, die sich außerhalb des Gewöhnlichen bewegten. Anhand von Bildern Artemisia Gentileschis, einer Nacherzählung der obskuren Geschichte vom ¿Nonnen-Leutnant¿, welche*r im 17. Jahrhundert lebte, barocken Kleidungsstücken wie beispielsweise der Schamkapsel sowie neobarocken Gespenstern rekonstruiert Azpilicueta die Vergangenheit, indem sie deren Anachronismus wiederherstellt und Geschichten mit Imagination und Erinnerung belebt. In ihren Arbeiten verbindet sie auf diese Weise barocke Stilelemente mit dem schillernden, queeren Nachtleben, der Bondage-Kultur und anderen Aspekten, die sich mit der Geschlechtsidentität und den dem Körper auferlegten Zwängen befassen.

With his first photographic album, Christian Heymann embarks on an emotional and personal journey. In dark, melancholic and beautiful shots, the photographer processes the failed relationship with his girlfriend.Faced with the desire for an open relationship, Heymann found himself in a calamitous situation, which was quickly characterized by envy and jealousy and subsequently developed a disturbing dynamic. The waning love, the appearance of other partners, and the constant struggle for affirmation left Heymann feeling numb. His book shows the complicated process of mutual alienation and is simultaneously an attempt both to come to terms with what he and his girlfriend experienced and to find each other in a new way.Photographs marked by vulnerability and emotional froideur mix with sensitive still lifes and threatening landscape scenes to create a poignantly atmospheric narrative that reveals a deep and intimate view into the state of mind of those portrayed.

MODERN, POSTMODERN, AND CONTEMPORARY ART AT THE NATIONALGALERIEFew eras have been so strongly defined by division, fragmentation, and renewal as the period following the Second World War. With this new presentation of its collection, the Nationalgalerie Berlin looks at how the conflicting forces, which pervaded politics and society and were marked by enormous social upheavals, also shaped the art of their time.This richly illustrated catalogue presents the museum's internationally renowned collection of works from the latter half of the 20th century, providing an overview of the diverse artistic approaches of this era. It highlights key movements such as informalism and abstract expressionism, American colour field painting, 1970s realism, action art, pop art, minimal art, conceptual art, and performance as well as video art.A CONCISE OVERVIEW OF ARTISTIC MOVEMENTS SINCE 1945At the Neue Nationalgalerie, an architectural icon of modernism designed by Mies van der Rohe, the collection of the Nationalgalerie of the Staatliche Museen zu Berlin is presenting a selection of works that span the post-war period up until the turn of the millennium. This book documents the artworks on view, including paintings, objects, photographs, and video art from the Federal Republic of Germany, the former German Democratic Republic, Western Europe, the United States, and artistic developments in former socialist countries. It features works by artists such as Marina Abramovic, Candice Breitz, Francis Bacon, Lee Bontecou, Günter Brus, Tracey Emin, Valie Export, Rebecca Horn, Joan Jonas, Donald Judd, Barbara Kruger, Wolfgang Mattheuer, Louise Nevelson, A. R. Penck, Bridget Riley, Pipilotti Rist, Willi Sitte, Carole Schneemann, and Andy Warhol.A TOUR OF THE EXHIBITIONStructured along the themes of the exhibition, this publication traces the fundamental reorientation of art that took place after 1945 and continues to shape it today. Introductory texts explore the cultural, historical, political, and artistic contexts of the works. Providing further insights, more detailed commentaries on a selection of artworks delve into various key aspects. The exhibition catalogue offers a multifaceted introduction to the Nationalgalerie's collection, inviting readers to immerse themselves in the world of modern and contemporary art to gain a deeper understanding of its nuances and depths.Edited by Joachim Jäger, Maike Steinkamp, and Marta Smolinska. With a foreword by Klaus Biesenbach.978-3-86502-515-9 (English edition)978-3-86502-514-2 (German edition)