Bøger udgivet af Verlag Kettler

Die von der Hermann Reemtsma Stiftung herausgegebene Publikationsreihe Hefte zur Baukunst dokumentiert historisch bedeutende Bauwerke, deren Entstehungsgeschichte und sachgemäße Restaurierung. Der fünfte Band der Reihe widmet sich dem Hamburger Halbmondhaus,das sich aus der Reihe repräsentativer Villen entlang der vornehmen Elbchaussee hervorhebt: ein sichelförmiges, reetgedecktes ehemaliges Stallgebäude, das 1796 vom dänischen Landbaumeister und Klassizisten Christian Frederik Hansen (1756-1845) entworfen wurde. Mit seinen unkonventionellen Bauten für aufstrebende, zugezogene Kaufleute prägte Hansen die Landhaus-Architektur Altonas maßgeblich. Sein Stil, mit dem gleichermaßen höfischer Stolz, internationales Flair und kaufmännische Nüchternheit assoziiert wurde, bediente sich stilistisch an der italienischen Renaissance ebenso wie an der englischen Landhauskultur oder der französischen Revolutionsarchitektur. Während das Haupthaus des Halbmondhauses heute nicht mehr existiert, überstand der markante "Halbmond" unterschiedliche Funktionen und Veränderungen. Er wurde schließlich 2019-2021 denkmalgerecht hergerichtet und für eine nachhaltige Nutzung ausgebaut.

Das Bestandsverzeichnis Kunstsammlung der Berliner Volksbank gibt erstmals umfassend Einblick in eine der interessantesten Unternehmenssammlungen Deutschlands. Die umfangreiche Publikation unterstreicht dabei die kunsthistorische und kulturpolitische Relevanz der Kollektion. Das ursprüngliche Leitmotiv "Bilder vom Menschen - Bilder für Menschen" bildet bis heute die konzeptionelle Grundlage für die 1985 gegründete Kunstsammlung, die inzwischen über 1.500 Werke von 160 Künstler:innen zählt. Die Auswahl konzentriert sich auf figürliche Kunst nach 1950: Dabei liegt der Fokus auf Gemälden, Skulpturen, Arbeiten auf Papier und Druckgrafiken von Künstler:innen aus Berlin, Brandenburg und Ostdeutschland. Mittlerweile sind gleichermaßen ost- wie westdeutsche Positionen vertreten, wobei der heutige Sammlungsschwerpunkt auf figürlichen Positionen der 1980er- und 1990er-Jahre basiert.Auf über 300 Seiten versammelt das Bestandsverzeichnis neben einer ausführlichen Werkliste auch Biografien der Künstler:innen, eine chronologische Darstellung der Sammlungsgeschichte sowie eine Anzahl von begleitenden Essays und einem Interview. Mit Arbeiten u. a. von: Horst Antes, Elvira Bach, Norbert Bisky, Rainer Fetting, Bernhard Heisig, Markus Lüpertz, Wolfgang Mattheuer, Herta Müller, A. R. Penck, Salomé, Cornelia Schleime, Bernard Schultze, Willi Sitte, Werner Tübke, Max Uhlig, Hans Uhlmann, Wolf Vostell, Fritz Winter

With his first photographic album, Christian Heymann embarks on an emotional and personal journey. In dark, melancholic and beautiful shots, the photographer processes the failed relationship with his girlfriend.Faced with the desire for an open relationship, Heymann found himself in a calamitous situation, which was quickly characterized by envy and jealousy and subsequently developed a disturbing dynamic. The waning love, the appearance of other partners, and the constant struggle for affirmation left Heymann feeling numb. His book shows the complicated process of mutual alienation and is simultaneously an attempt both to come to terms with what he and his girlfriend experienced and to find each other in a new way.Photographs marked by vulnerability and emotional froideur mix with sensitive still lifes and threatening landscape scenes to create a poignantly atmospheric narrative that reveals a deep and intimate view into the state of mind of those portrayed.

What is it that makes a place distinctive? A kind of stubbornness perhaps? How can this quality be accessed through text and artistic research?These questions are explored by Tobias Becker, Elisabeth Brun, Stefanie Bürkle, Knut Ebeling, Alex Gross, Carla Hinrichs, David Karl, Lars Ostenfeld, Ulrike Ottinger, Lola Randl, Emily Strange, Zsuzsanna Toth, Katrin Wegemann, Lawson Wood and Dong Zhou, who bring their varied disciplines to bear on the matter.

Angela Hiß ist in verschiedenen Medien tätig, wobei ihr Weg sie chronologisch von der Zeichnung und Malerei zur Bildhauerkunst geführt hat. Das Material, das Hiß für ihre Arbeiten wählt, ist stets Holz, das von ihr mit Band-, Ketten- und Stichsäge sowie mit Schleifmaschine und Schleifpapier bearbeitet wird.Für den Betrachter liegt der Reiz oft im Geheimnisvollen ihrer Werke. Das wird durch die Verbindung von rätselhaftem Bild und nicht minder rätselhaftem Titel noch potenziert, der oft poetische oder lyrische Bezüge aufweist.Das Buch präsentiert Skulpturen und Zeichnungen der letzten fünfzehn Jahre und liefert so einen umfassenden Einblick in das Schaffen der Künstlerin.

Seen/Unseen seeks to shine a light on a professional figure that often remains in the shadows - the art documentation photographer - and to bear witness to the way these individuals make the invisible visible, rendering the atmospheres and contexts in which works of art, installations, and performances are presented.In twenty-first-century culture, art is primarily consumed through images. Aside from being a means of communication, photography can have an impact on collective memory, determining both what must be remembered and what must be forgotten. A photographer is an invisible storyteller who literally puts the work of artists into perspective.For the first time ever, the book brings together the experiences of about 20 photographers from different countries and generations. A short set of questions was sent to each of them to gather their opinions on the possibilities, challenges, and limits of photography. In addition to the interviews with the photographers, this publication includes critical essays by scholars from different disciplines on the subject of documentation photography.

Sonja Trabandt's project BEFANGEN deals with the personal desire of breaking free from social norms, cultural or social barriers or even evolutionary processes. Strong colors meet surrealistic abstracted metaphors of vague human feelings. There is no stringent storyline, no continuous series. The book's layout shows a flow of subsequent and interwoven images. They create bright disharmonies with neither a question nor an answer. With her intuitive imagery Trabandt invites the viewer into her slightly melancholic wonderland, depicting her very personal idea of freedom.

A key theme pervading the work of Alex Müller (*1969) is her investigation of the complex phenomenon of time. Again and again, the artist finds impressive images representing time - both its progress as well as its relative nature. For Kunsthalle Nürnberg, Alex Müller has developed an exhibition that combines biographical allusions, cultural and art historical references. In eight chapters, the exhibition takes us on a journey through the artist's universe.Numerous everyday objects become charged with a specific meaning in Alex Müller's oeuvre. Any material can become an artistic material in her work. The artist underlines the open narratives of her art by cleverly playing with the boundaries of painting, drawing, sculpture, installation, film, sound, and performance.Stories are hinted at, but never fully told. The titles evoke associations with specific people, books, films, or events. Alex Müller's art always suggests something unspoken, encouraging further thought, and represents the perpetual search for the self as well as a varied exploration of transience.

Livin' in the Hood berichtet von den persönlichen New-York-Erlebnissen der beiden Fotografen Jürgen Bürgin und Jörg Rubbert und nimmt den Leser mit auf eine visuelle Zeitreise zurück in die Jahre 1990 und 2013/14. Der Bildband dokumentiert prägende Ereignisse und berichtet von inspirierenden Begegnungen aus einer Stadt, die sich in dieser Zeitspanne grundlegend verändert hat. Dabei zeigt das Buch nicht nur Bilder der beiden Straßenfotografen, sondern teilt persönliche Anekdoten und Geschichten sowie weitere Texte und Informationen.Insgesamt bietet es einen tiefen Einblick in die Lebenswirklichkeit im New York der Jahre 1990 und 2013/14. Es vermittelt dem Leser einen Eindruck davon, wie sich New York in jenen Jahren "anfühlte", und zieht Vergleiche zu den gesellschaftlichen und politischen Veränderungen jener Zeit.

Nasan Tur (*1974) explores the political and social conditions of our time. His works are experiments that bring to light ideologies, social norms, and behavioral codes and open up new possibilities for individual action. To this end, the artist examines statements, gestures, and images that he finds in the media and in the public sphere. Tur transforms them into miniatures of current social crises and discourses. The question of how predetermined role models influence us is at the heart of his art: he investigates what drives us to cross boundaries when faced with oppression, powerlessness, and manipulation and to actively change the social order.The catalog is published to accompany the exhibition at Berlinische Galerie and presents new works addressing questions of power and its legitimacy. Why do human beings kill each other? What is the nature of the violence that we witness in ourselves and how and under what circumstances is it triggered? By arranging his works in a specific way, Tur creates images that express an ambivalent attitude towards death and life. The artist confronts us with our inner demons, asks hunters about the act of killing, and carefully arranges lifeless animals in the exhibition space.

Since 1997, the Mart Stam Society - the non-profit association supporting the Weißensee Kunsthochschule Berlin - has awarded the Mart Stam Prize every year. The winners are chosen by an independent jury for the best final projects at the academy of art. Thus, the society provides assistance to young artists and designers during their studies and helps them start their professional careers.The publication features texts and images presenting all the 2022 award winners in detail. Their works reflect the issues that are currently moving the generation of 20- to 30-year-olds. By investigating the pressing problems of our time and current discourses, they develop the themes of their art. Their own mental state is examined and artistically processed. Dreams and fears, body shame, experiences of exclusion due to mental illness are addressed; but there are also works that openly criticize everyday racism or urban development which ignores the needs of the city's inhabitants.With works by: Milan Bergheim, Kaja Busch, Ju Hyun Hwang, Nina Pläs¿kovä, Sabine Richter, Alexandra Ruppert, Vaia Tatopoulou, Lor Willkomm, and Jakob Wirth.

Die vorliegende Publikation, die begleitend zur gleichnamigen, multimedialen Ausstellung im HMKV Dortmund erscheint, vollzieht einen radikalen Perspektivwechsel: Sie betrachtet die Welt aus der Sicht nicht-menschlicher Organismen, denen wir üblicherweise kein Bewusstsein zusprechen. Diesen Wesen und Dingen geben Kerima Stolzer und Lex Rütten eine Stimme: Sie artikulieren sich durch die sieben fiktionalen Charaktere Micro, Xtract, Pionea, Azolla, Symbiotechnica, Extinct und Hydra. Mit ihrer Hilfe spekulieren die Künstler:innen über vergangene, gegenwärtige und kommende Symbiosen zwischen Mikroorganismen, Pflanzen, Tieren, Bakterien, Pilzen und technischen Objekten. Es geht um neuartige Kreisläufe und Allianzen in der Natur - im Zeitalter des Anthropozäns und weit darüber hinaus.Die fiktiven Wesen, die den Besucher:innen in bunten, comichaften Video-, VR- und Soundinstallationen begegnen, wecken ob ihrer Winzigkeit und ihres kindlichen Gesangs auf subtile Weise die Beschützerinstinkte und Empathie der Betrachtenden. Die Publikation enthält neben einer Fotodokumentation der Ausstellung einen neuen Essay von Salome Rodeck sowie kurze enzyklopädische Texte bzw. Textauszüge zu den sieben Charakteren.

In light of the current developments in Hungarian politics, this book presents two artists who critically analyze Hungarian society from different perspectives. It is published to accompany the eponymous exhibition at the Emil Schumacher Museum in Hagen. Csaba Nemes (*1966) addresses topics such as the refugee crisis, racism towards the Roma community, and memories of Hungary's communist past. His pictures feature outdoor spaces such as landscapes, houses, and public places. Dia Zékány (*1987) documents crowded, messy interiors - representative of the reality of petty bourgeois families.In their juxtaposition, the two contemporary positions give a glimpse of the country and put a spotlight on its complex history and present. The publication therefore provides an outside perspective on images that have been created from the inside.

Julia Schewalie (*1988) studied at the Academy of Fine Arts in Munich from 2009 to 2015.Coming from landscape painting, Julia Schewalie turned to a serial production process, in which she works with many different elements from different materials but through an additive technique produces a uniformity that has its own particular formal language, whereby viewers discover the differences between the individual works. As diverse as her materials are, they operate according to the same mechanism; they interact in persistently new ways with the light that falls on them, and thus their presence in a given space changes. A change in perspective sometimes changes everything. This is a mesmerizing aspect of the works of Julia Schewalie, which have an inherently ephemeral and fleeting quality often juxta- posed with a perplexingly unusual use of materials.The monochrome works generate contemplative situations, and tempt viewers with their haptically compelling surfaces while eluding anyone's immediate grasp. Beyond Black is the first comprehensive monograph on the artist's work to be published here by Verlag Kettler.

SEE! besteht aus den Choreographinnen/Künstlerinnen SE Struck und Alexandra Knieps, die in Kooperation mit einem festen Team von Musiker:innen, Tänzer:innen und Künstler:innen anderer Sparten eine Gruppe bilden, um mit Performances und Live-Installationen Räume zu besetzen. Die von der Gruppe exklusiv für einen Ort entwickelten Szenarien sind performative Handlung, präzise Choreographie und skulpturale Installation zugleich.Das Buch dokumentiert eine von SEE! für den Kunstverein Ruhr konzipierte Arbeit. Hierfür wurden der Boden und die Wände des Kunstvereins mit indigoblauem Teppich ausgelegt und anschließend von vier Performer:innen unterschiedlichen Alters und unterschiedlicher Herkunft bespielt. Die Zuschauer:innen waren durch ein Schaufenster von den Akteur:innen getrennt und betrachteten das Geschehen mit Distanz von der Straße aus.Mit ihrer Arbeit thematisierten SEE! auf eindrückliche Weise den schmalen Grat zwischen Öffentlichkeit und Privatheit, zwischen aktiver Vorführung und passivem Konsum sowie - letztendlich - zwischen Kunst und Alltag.

This publication is devoted to an extensive description of the pneumopteria which are also referred to as cloud whales or cloud sponges, and occasionally, in scientific language, as pneumospongia. Often, in older treatises, they have been termed celestial leviathans. These gigantic, cloud-like creatures, which seemed to float in the air without movement or stimulation, could reach several hundred meters in size. In all likelihood, they are extinct today. The species was, however, frequently observed in historical times and has been described by numerous cultures and in many different contexts.With his research findings, Roland Boden provides the first thorough introduction to the nature, appearance, and behavior of the pneumopteria and surveys the history of their exploration and description. In his treatise, defined as fictional research, Boden uses quotations, photographs, reproductions, reconstructive drawings, and computer-generated images, combining real scientific and historical facts with completely fictitious elements to create a parallel reality that cleverly and artistically questions contemporary perceptual processes.

1966 in Bad Langensalza geboren, begann Jan Stieding 1990 sein Studium an der Hochschule für Bildende Künste in Dresden und wechselte anschließend an die Kunstakademie Düsseldorf. Hier studierte er zunächst in der Klasse von Hubert Kiecol und daraufhin bei Jörg Immendorff, der ihn kurze Zeit später zu seinem Meisterschüler ernannte.Der Katalog erscheint anlässlich der gleichnamigen Ausstellung im Museum Ratingen (31.03.-30.07.2023) und präsentiert etwa 40 Arbeiten, darunter Bilder, Papierarbeiten und Materialzusammenstellungen. Gezeigt wird so ein komprimierter Überblick über das komplexe Werk des Künstlers, der in seinen Werken sowohl gesellschaftliche, als auch individuelle Themen verhandelt. Die distanzierte und stille Beobachtung des Malers sowie das Forschen im eigenen Archiv scheinen ein immer wieder neuer Antrieb für Stiedings Kunst zu sein.Das Verarbeiten von privaten fotografischen Vorlagen, Abbildungen aus Zeitschriften und Zufallsfunden aus dem Netz bildet dabei eine Konstante. Als Archiv und Materialsammlung begleitet das Material die Bilderproduktion. Alltägliches, Gesehenes, Kleinbürgerliches, Dinge, die Ehrlichkeit, Geborgenheit, aber auch Heimweh und Erinnerung versprechen, werden so zum Fundus für Jan Stiedings Malerei.

1976 in Offenburg geboren, studierte Steffen Lenk an der Außenstelle Freiburg der Staatlichen Akademie der Bildenden Ku¿nste Karlsruhe. Seine Arbeiten sind geprägt von einer fulminanten Farbigkeit und einem experimentellen malerischen Duktus. Lenk arbeitet prozessual und vornehmlich abstrakt. Dabei erinnern seine sich pastos überlagernden Farbschichten, die viele seiner Bilder prägen, an zeitgeno¿ssische Bildwelten der elektronischen Medien, welche die Welt beständig neu fluten. Die Publikation stellt Arbeiten der letzten zehn Jahre vor.

Movement and rest, time and eternity, material and traces are united in the sculptures of Susanne Tunn. The artist's sculptural work is all about detecting the essence of the stone and laying it bare. When working on the stone, she follows the natural structures of the material instead of violently forcing it into a specific form.The book brings together works from the past 30 years. Some of them are presented for the first time ever. Tunn's cycle of works "Die Große Melancholie" (The Great Melancholy) is also showcased in its entirety for the very first time. This cycle is composed of a series of complex, geometrically shaped sculptures made of Andalusian Macael marble, inspired by Albrecht Dürer's famous copperplate engraving "Melencolia I".Aside from working with stone, Susanne Tunn uses liquid tin that can be formed and casts it in grids and various structures of order in her expansive works. In addition, Tunn's exquisite and delicate works on paper, showing objects that seem to dance in a state of zero gravity, are presented in this volume.

In an age of fast-changing technologies, offering numerous ways of generating images, Elias Wessel challenges the conventional definition of a painting: he creates his "paintings" without resorting to traditional painting techniques and eschews classical genres. The artist's abstract paintings - which in many ways show connections to painterly practices - are in fact made up of photographs and digital material.Wessel, for example, takes photos of smartphone displays to produce monumental abstract compositions from the fingerprints left behind on them. He also documents his scrolling behavior on social media platforms by using long-time exposure to superimpose accessed profiles and their contents: the result are visual and decontextualized structures. His other works present painterly-looking details of damaged displays: where else in the digital world can we experience such a close relationship with the canvas?Above all, the quality of Elias Wessel's working method lies in the way he links the fundamental discourses in the history of photography with the latest technology and current social debates. In so doing, he skillfully observes and questions the social consequences and instruments of digitalization.

Preisträger des Silbernen Löwen der Biennale Venedig 2017Aktuelle Monografie mit Arbeiten aus zwei JahrzehntenHassan Khan (*1975 in London) ist Künstler, Musiker und Schriftsteller. Er ist bekannt für eine breite und vielfältige künstlerische Praxis, die Musik, Performance, Klang, Video, Skulptur, Installation und Text umfasst. Er ist Preisträger des Silbernen Löwen der Biennale Venedig 2017 und wurde im folgenden Jahr zum Professor an der Städelschule in Frankfurt am Main ernannt.Mit seinen teils grotesken, brutalen und eindringlichen Arbeiten berührt Khan grundlegende und drängende Fragen etwa nach der Form menschlichen Miteinanders oder der Entstehung von Unterdrückung, Gewalt oder Hass in sozialen Medien. Obwohl sich seine Arbeiten verschiedener Medien bedienen, sind sie durch Andeutungen, Resonanzen und Beziehungen miteinander verbunden. So finden sich etwa neben bizarr aufgeblasenen Tierkörpern düstere Foltervideos oder Klanginstallationen mit an Aufmärsche und Maschinenpistolen erinnernden Klatsch-Rhythmen.Khans Formen kanalisieren, was unter der Oberfläche brodelt, verführen und entfremden, sie setzen sich mit Erwartungen auseinander, stellen uns vor Rätsel und können so helfen, unsere Erfahrungen mit den sich verändernden Strukturen der Macht neu zu formulieren.

Aziz Hazara (b. 1992) uses a wide variety of media in his art ranging from participatory installations to sound, video, photography, text, and programming languages. He explores different issues revolving around memory, archiving processes, surveillance, the panopticon, or the politics of representation. All of these interests are closely connected to the geopolitics and never-ending conflict that continue to shape his native Afghanistan today. His works, which address the relationship between diverse dichotomies such as proximity and distance, migration and memory, life and death, reality and fiction, or war and peace, attempt to transcend specific geographical features in order to create universal metaphors of our present time.The publication displays recent works by the artist, including his highly acclaimed video installation "Bow Echo" which shows five boys in a landscape near Kabul trying to blow into a plastic children's bugle, while the wind is howling and the sounds of approaching drones can be heard again and again.

Along with urban planning and architecture, design played a central role in shaping the socialist future. On both sides of the Iron Curtain, it was above all the issue of housing that became the yardstick of the successful implementation of visions of a better world. Beginning in Berlin with its early housing exhibitions which took place in an atmosphere that was shaped by political rivalry and the pathos of progress, this publication focuses on the (post-)Soviet satellite states. It explores the socio-political dimension of housing and the role of design between utopia, power and gender discourses.In their texts, 25 experts from around the world present different designs and interiors. They cover a wide range of objects from kitchen utensils to space rockets. The book thus makes a significant contribution to the current discourse on (post-)socialist design, which is gaining increasing academic attention especially internationally. For the first time, authors originating from the various (post-)Soviet countries have worked together on a publication: it fills an important lacuna in the study of the history of design.

Verena Freyschmidt entwickelt ihre Arbeiten aus zufällig entstandenen Mustern. Als Grundlage dienen ihr willkürliche Farbspritzer oder die Maserungen ihrer Malgründe. Diese durch die Natur des Zufalls entstandenen Strukturen versucht Freyschmidt anschließend künstlerisch zu erwidern, indem sie in der Folge geistesgegenwärtig und konzentriert mit Pinsel, Farb- und Tuschestift eingreift und diese abstrakten Formen gleichsam verlängert, verbindet oder trennt, öffnet oder fließend ineinander verwebt.Die abgeschlossenen Werke erscheinen schließlich wie eine Synthese aus dem für die Kunst fruchtbar gemachten, kreativen Potential des Zufalls und dem aus der Natur abgeleiteten Muster organischen Wachstums.Der Katalog erscheint anlässlich der Ausstellung "Von Fraktalen und anderen Formen" im Atelier Orbit 24 in Frankfurt am Main.

Gaëlle Choisne (*1985, lebt und arbeitet in Paris und Berlin) behandelt in ihren Arbeiten die Komplexität der Welt mit ihren zahlreichen politischen und kulturellen Krisen - etwa der Raubbau an Natur und natürlichen Ressourcen oder die Folgen und Spuren der Kolonialgeschichte. Ihre Werke sind oft als kooperative Projekte konzipiert, die sich über Jahre weiterentwickeln und an wechselnden Standorten sowie mit unterschiedlichen Mitwirkenden immer wieder neu definieren.Choisnes Langzeitprojekt Temple of love - To hide orientiert sich an der Idee von Selbstheilung durch Erfahrungsaustausch, an einer Verbundenheit mit den Vorfahren, dem Respekt vor dem historischen Erbe und innerer körperlicher Ausgeglichenheit. In mehreren Interviews befragte sie weibliche und transfeminine Personen zu ihrer Situation als rassifizierte Frauen in der heutigen Gesellschaft, darunter mehrere Frauen, die Fähigkeiten entwickelt haben, durch verschiedene Methoden und Techniken zu "heilen": etwa durch Gründung von Gemeinschaften, in der Familienfürsorge, durch Musik oder mit "alternativer" Medizin.Ihre aus Videoprojektionen und Objekten bestehende Installation präsentiert sich als Safe Space, in dem es um Selbstfürsorge und das Sorgen für andere geht. Besucher:innen sind eingeladen, an einem energetischen Heilungsprozess teilzunehmen oder beseelende Getränke zu sich zu nehmen.

Seit Jahrzehnten pendelt der 1942 geborene Installationskünstler Georges Adéagbo zwischen Cotonou (Benin), Hamburg und Ausstellungsorten auf der ganzen Welt. In den 1990er-Jahren wurde die europäische Kunstszene auf ihn aufmerksam, heute zählt er zu den bedeutendsten Künstlern aus Afrika und gilt als Pionier einer selbstbewussten Kunst des »globalen Südens«.Die Arbeiten von Adéagbo sind raumgreifende Assemblagen, in denen kunstgewerbliche Gegenstände auf Alltagsobjekte aus verschiedenen Kulturen treffen. Jenseits westlich geprägter Ordnungsmuster und Wertehierarchien knüpft Adéagbo so ein dichtes Beziehungsnetz der Dinge, Bilder und Gedanken. Dabei sind seine Arbeiten so persönlich wie politisch. In ihren Arrangements verschränken sie die eigene Geschichte mit gesellschaftspolitischen Themen und Ereignissen von globaler Relevanz.In den letzten Jahren hat das Werk des Expressionisten Ernst Barlach (1870-1938) vielfältige Spuren im Schaffen Adéagbos hinterlassen. Aus Anlass seines 80. Geburtstags widmet ihm das Ernst Barlach Haus nun eine umfassende Einzelschau, in der Adéagbo existenzielle Themen Barlachs wie Krieg und Gewalt, Macht und Ohnmacht, aber auch Nächstenliebe, Achtsamkeit und Spiritualität aufgreift und mit eigenen Perspektiven verwebt.