Musikteori og musikvidenskab

Proprietary algorithms, secret data troves, and inscrutable systems rule the day. How is this registered in art? In Poetics of Encryption Nadim Samman explores works that highlight the hidden dimensions of our technological landscape. Running counter to erroneous claims regarding a new culture of transparency and openness, such artworks address black sites, black boxes, and black holes-all the while, toggling between enlightened concern and occult dreaming.NADIM SAMMAN is Curator for the Digital Sphere at KW Institute for Contemporary Art, Berlin. He read Philosophy at University College London before receiving his PhD from the Courtauld Institute of Art. Widely published, in 2019 he was First Prize recipient of the International Award for Art Criticism (IAAC). Major curatorial projects included the 4th Marrakech Biennale (2012), the 5th Moscow Biennale for Young Art (2015) and the 1st Antarctic Biennale (2017).

This book is a philosophical tour through the experience of beauty: what it is, and how the composer, performer, and listener all contribute. It explores -- with insight, patience, and humor -- profound issues at the essence of our experience. A student performance of Beethoven's String Quartet No. 10 in E-Flat Major, known as the "Harp," serves as a point of departure and a recurring theme. For the layperson the core of the book is five dialogues betweenIcarus, an inquiring student intensely concerned with fulfilling his highest potential as a musician, and Daedalus, a curmudgeonly, iconoclastic teacher who guides Icarus's search. Three technical articles, geared to the music professional and academic, treat the issues in greater depth. Supplementary online audio files and musical examples. Markand Thakar, music director of the Baltimore Chamber Orchestra, is an internationally renownedpedagogue of conducting. A protégé of the legendary Sergiu Celibidache and former assistant conductor of the New York Philharmonic, Thakar is author of On the Principles and Practice of Conducting (University of RochesterPress, 2016) and Counterpoint: Fundamentals of Music Making (Yale University Press, 1990).

by Jamey Aebersold. 2 CDs with book. A no-nonsense approach consisting of two hours of recorded ear training exercises with aural instructions before each. Beginning to advanced. Starts very simply, with intervals gradually increases in difficulty until you are hearing chord changes and progressions. All answers are listed in book. Book contains transposed parts for C, Bb and Eb instruments to allow playing along.

The full range of Western music is explored through 21 concise chapters on such topics as melody, harmony, counterpoint, texture, melody types, improvisation, music notation, free imitation, canon and fugue, vibration and its relation to harmony, tonality, and the place of music in architecture and astronomy. Intended for amateurs and professionals, concert-goers and conductors, Helm offers in down-to-earth language an explanation of the foundations of our Western music heritage, deepening our understanding and the listening experience of it for all.

SHAD-DARSANAS Orthodox systems of Indian philosophy are presented in six systems (shaddarsanas) of which we find the Sarnkhya and Yoga systems. The orthodox Indian philosophical systems were developed as a result of knowledge filtered down after long philosophical enquiries by sages through the Vedic, Brahmanic, Upanisadic, and Puranic periods of Indian history. Ancient sages of India, out of their spiritual realizations and contemplative visions, developed these systems. The word 'darsana' means direct perception, contemplative vision, or spiritual revelation. It also indicates knowledge or insight. When used in the philosophical sense, 'darsana' means knowledge about taltva, the real essence, or the ultimate principle underlying the whole phenomenal creation. And the sage who is the seer or perceiver of the reality, the essential principle (tattva) is known as one to whom the truth has been revealed as tattva-darsin. Darsanas, as philosophical systems constitute the store of knowledge about the tattva derived by a seer or sage through direct spiritual revelation or vision. The six systems of Indian philosophical thought have been founded by different sages who perceived the same truth but from different angles and to varying depths, None,

Trip-hop described some of the 1990s' best music, and it was one of the decade's most revealing bad ideas. This book chronicles the music and its leading artists, packed with recommended listening, essential tracks, great remixes, and under-recognized albums."Your playlists will soon be overflowing." - Spectrum CultureThe music itself was an intoxication of beats, bass, and voice. It emerged amid the social tensions of the late 1980s, and as part of hip-hop's rise to global dominance. It carried the innovations of Jamaican soundsystem culture, the sweet refuge of Lovers Rock, the bliss of club jazz dancefloors and post-rave chill-out rooms. It went mainstream with Massive Attack, Portishead, Tricky, DJ Shadow, Kruder & Dorfmeister, and Björk; and with record labels like Ninja Tune and Mo' Wax. To the artists' despair, the music was tagged with a silly label and packaged as music for the boutique and the lounge; made respectable with awards and acclaim.But the music at its best still sounds experimental and dramatic; and its influence lingers through artists like FKA twigs, Sevdaliza, James Blake, Billie Eilish, and Lana Del Rey. This short book is a guide to 'trip-hop' in its context of the weird 1990s: nostalgia and consumerism; pre-millenium angst and lo-fi technology; casual exoticism amid accelerating globalization and gentrification.

Die Tonleiter ¿ Trivialität oder Problem? Das vorliegende Buch geht dieser provokanten Frage nach. Dabei wird schnell klar, dass das Zusammenfügen von Tönen zu ¿wohlklingenden¿ Tonsystemen eine Herausforderung darstellt, deren Komplexität ungeahnt viele vernetzte Probleme beherbergt. Die FragenWarum hat eine Tonleiter ausgerechnet 12 Töne? Und gäbe es auch andere?Sind nicht 12 Quintschritte genau so viel wie 7 Oktaven?Was ist eigentlich ¿Konsonanz¿? Wann sind Intervalle ¿rein¿, wann ¿unrein¿?Was meinen die Leute mit ¿Tonartencharakteristik¿, mit ¿Ganz- und Halbtönen¿?Was bedeutet ¿alte Stimmung¿ ¿ und gibt es eine neue, die sich von der alten unterscheidet und worin genau bestünden überhaupt die Unterschiede?und viele ähnliche zeigen schnell, dass ihre Antworten nicht nur wohlüberlegte Begründungen benötigen, sondern dass sie auch miteinander eng verbunden sind. In dieser Betrachtung kommt der ¿Mathematik¿ eine Schlüsselrolle zu. Aus zunächst nur ¿einfachen Proportionen und Zahlenverbindungen¿ erwächst ein regelrechtes Netzwerk, in welchem sowohl die Methoden der Tonleiter-Generierungen mit ihren Wolfsquintenkreisen und Eulergitter-Auswahlverfahren als auch die Modelle der Temperierungssysteme wissenschaftlich fundiert erklärt werden können. In drei Teilen werdeneine moderne Intervall-Arithmetik und ihre durch Primzahlen gesteuerte Theorie der Teilung, der Zerlegung und des Aufbaus musikalischer Intervalle,die Architektur-Gesetze musikalischer Skalen mit ihren Modellen und Mustern, ihren Stufengeometrien und Charakteristiken, ihren Semitonia und Kommata sowie der kombinatorischen Vielfalt aller leitereigenen Strukturen,die Systematik der historischen Stimmungen und ihrer Temperierungssystemevorgestellt und durch zahlreiche Beispiele und Geschichten aus der Märchenwelt musikalischer Fabelwesen begleitet. Das musik-mathematische Rechnen und verstehende Argumentieren benötigt lediglich die bekannten schulischen Grundlagen, welche dann zu einer passenden Algebra und Analysis entwickelt und musikalisch angewendet werden.

Giuseppe Verdi hat mit seiner Oper «Nabucco» 1842 den Durchbruch zu seinem Welterfolg geschaffen. Wie ist dies in seiner Zeit einzuordnen? Ist sie die musikalische und politische Grundlage des Risorgimento ¿ Judäer kämpfen um ihre Freiheit wie jetzt die Italiener ¿ oder wurde sie später dazu stilisiert? In der Gestalt des Nabucco vereinen sich die drei altorientalischen Herrscher Nebukadnezar II, Nabonid und Kyros II.

Bachelorarbeit aus dem Jahr 2016 im Fachbereich Kunst - Computerkunst, Medienkunst, Note: 1, , Sprache: Deutsch, Abstract: Digitale Musikformate (wie z. B. MP3 und WAV) ermöglichen uns heute das perfekt wiederholbare Hörerlebnis. Jede Wiedergabe eines Songs klingt gleich. Es handelt sich um festgelegte Daten; um lineare Musik. Bedenkt man wie lange schon daran gearbeitet wird Musik zu konservieren, und wie wenig Entwicklung in diese Richtung noch statt finden kann, liegt nahe, dass bald etwas Neues kommen könnte. Nach dem Ausfeilen des perfekt reproduzierbaren Musikmediums, das jedem Menschen die absolut gleiche Musik liefert, könnte die Zukunft etwas anderes bringen ¿ Musik, die beim Abspielen lebendig ist.Non-linear Music ist hier das Stichwort. Sie ermöglicht Variationen des selben Songs bei erneuter Wiedergabe. Dabei kann es sich z. B. um on-the-fly von einem Computer beeinflusste Melodien handeln, oder um vom Künstler vorbereitete Stems, die bei jedem Abspielen der Datei neu kombiniert werden.So weit die Theorie. Praktisch gesehen gibt es momentan keine unkomplizierte Möglichkeit, non-lineare Titel zu produzieren. Zwar bieten DAWs wie Ableton non-lineare Werkzeuge, doch kann man diese nur während der Musikkomposition und innerhalb des Projektes nutzen. Sobald man Titel in ein konsumierbares Musikformat exportieren will, muss man sich für eine einzige Variante des Materials entscheiden.Forschungsgegenstand dieser Arbeit ist die Stimmung von Künstlern in Bezug auf Non-linear Music, wobei es um den Bereich der elektronischen Musik geht. Es soll herausgefunden werden, ob sie bereits Kontakt mit generativen Musiksystemen hatten und wie sie Vorstellungen in Hinsicht auf ein non-lineares Endformat bewerten würden. Arbeiten sie bereits mit Random-Plug-Ins? Wenn ja, aus welchen Gründen oder weshalb nicht? Verfügen sie bereits über Erfahrung in der Anwendung von zufallsgesteuerten Audio-Elementen bei Live-Auftritten? Glauben sie neue Optionen nutzen zu wollen, die das Exportieren ihrer Songs mit in der Datei enthaltenen Variationen ermöglichen würden? Hierbei wird sich vor allem an die Idee von stembasierten Produktionen herangetastet. Diese könnten durch ein im Hintergrund liegendes generatives System während des Abspielens immer wieder neue Varianten eines Songs kreieren.Zusammengefasst soll die Stimmung von Künstlern behandelt werden, die eine eher positive oder negative Tendenz in Bezug auf non-lineare Musikproduktion aufweist.

This publication follows the history of discoveries pertaining to Portuguese travel to the New World, from the 15th century to the1920s, with an emphasis on the events leading to the development of jazz. The diversity of cultural influences from all over the world have made the United States a treasury of improvised music. Hendler portrays the development of American music scenes in centuries past, reporting on aspects such as the background of the slave trade, particularly in the Antilles, the music of European immigrant families, and the sounds of the (Spanish-controlled) Mississippi. He sketches the musical relationships between Cuba and the United States and their influence on American popular music around 1900. The highly fashionable march music leaves its mark, as do ragtime and spirituals, all blending to form an impressive repertoire of improvised music. The reader is inspired by the richness of forms and styles and the power of the artistic performances in the prehistory of jazz.

Sounding Fragilities enacts a polyphony of writing on contemporary composition, music and performing arts in relation to music theatre. Co-edited by a theatre and performance scholar and by a composer and artistic researcher, this anthology considers its field of investigation through the lens of positionalities. Irene Lehmann and Pia Palme invite readers into intimate encounters with an artist's practice, feminist and queer perspectives, and personal explorations into aspects of musicology, theatre studies, technology and ecology. By presenting female* composers who write with/through/about their own practice, Sounding Fragilities is a remarkable contribution to an interdisciplinary debate around the agency of artistic research. With this synthesis, the editors evaluate how moving beyond the binary of art and science reveals the rich yet fragile territories of artistic knowledge-production and literacy in music theatre.Sounding Fragilities. An Anthology brings together essays, discussions and interventions on contemporary music, dance and music theatre to offer a polyphony of new approaches to listening, watching, composing and performing.Artistic and academic researchers present reflections and insights into the fragilities of artistic materials, collaborations and the communities that build around live performances. Challenging the idea of isolated composers, choreographers, audience members and academic researchers, they stress instead the interconnectedness of these positions as indispensable elements of thriving performance and research. This feature of all live performance is envisaged by several of the book's contributors as linked to political, democratic thought and ecological or feminist thinking.Sounding out the relationality, brittleness, fragility, transitoriness, and beauty of live performance, this anthology stresses the urgency of coming together and interacting as a foundation for human and political relations; an urgency intensified by the current overlapping crises in politics, health and ecology.

"Children's Corner" gehört zu Claude Debussys beliebtesten Klavierwerken. Er komponierte den Zyklus für seine einzige Tochter Claude-Emma, genannt Chouchou, und warf dabei einen liebevollen Blick auf ihre kindliche Welt. Dieses Buch fasst die Entstehung des Zyklus zusammen und zeigt anhand musikalischer Analysen der sechs Einzelstücke, wie Debussy Chouchous Welt mit seiner eigenen Tonsprache verband. Von den über 90 Notenbeispielen können die meisten interaktiv angehört werden.

Alan Lomax (1915-2002) is arguably the most popular and influential American folk song collector of the 20th century. Pursuing a mission of both preserving and popularizing folk music, Lomax moved between political activism, the scholarly world, and the world of popular culture. Based largely on primary material, the book shows how Lomax's diverse activities made him an authority in the field of folk music and how he used this power to advocate the cultures of perceived marginalized Americans - whom he located primarily in the American South. In this approach, however, folk music became an abstract idea onto which notions oscillating between hope and disillusionment, fear and perspective were projected. The author argues that Lomax's role as a cultural mediator, with a politically motivated approach, helped him to decisively shape the perception and reception of what came to be known as American folk music, from the mid 1930s to the late 1960s.

Dies ist eine kleine Musiklehre für Leute, die über ihre Lust am Musizieren hinaus auch theoretische Klarheit haben wollen über die musikalischen Erscheinungen, mit denen sie zu tun haben; die also zum Beispiel wissen wollen,- wodurch der melodische, rhythmische und harmonische Zauber in den Musikstücken zustande kommt,- worin der Unterschied im Harmonieren von Konsonanzen und Dissonanzen besteht,- warum sich das System aus zwölf Tönen durchgesetzt hat,- woran man den Wechsel einer Tonart erkennt,- wovon die Betonungen im Takt abhängen, - worauf der Effekt der Synkope beruht,- was genau der Kontrapunkt ist und welche Rolle er in der Polyphonie spielt,- woran man Anfang und Ende eines Motivs erkennt, usw.Auf Fragen solcher Art bietet dieses kleine Lehrbuch Antworten, und zwar im Rahmen einer Darstellung, die sich konsequent am inneren Aufbau der musikalischen Ästhetik orientiert.

(Manuscript Paper). Deluxe tear off pad with firm backing for easy writing; 32 sheets (64 pages) printed both sides; 12 staves per page; 8 1/2 x 11; punched to fit all ring binders; Music Notation Guide.

Essentials of Music Notation presents current and correct notation practices in an easy-to-use format. Generously illustrated and concise, this book is essential to any musician looking for a handy reference for the correct notation of music. A most welcome and beneficial source for every musician, whether using a pencil or a computer.

This groundbreaking book presents the elements of music in a way that is pedagogically clear and comprehensible, by building upon simple principles of proportion and relationship. These in turn are corresponded to language as musical metaphor. This, in combination with novel graphics and symbols, carries the reader to a basic understanding of melodic, harmonic, and rhythmic principles, as well as Western musical notation. A great primer on music theory for the novice or professional, as well as an invaluable resource for composers and students, it includes the following:- A rich unfolding of metaphors and illustrations to elucidate a notoriously impenetrable and abstract subject.- The properties of the overtone series and how it influences harmonic and melodic thought.- A discussion of epigrams and dialectics exploring how meaning is carried through time.- Rhythm and meter as the marking of time and the organization of it into self-similar structures.- From the circle of fifths to intervals, triads, and later seventh chords and extensions.- How major/minor key tonality and modulation occur, and how they differ from music based upon drones or other types of scales.- How form and structure reflect the relationship of humans to time and emotional states.- A wealth of scales, rhythmic patterns, and notation references in the appendices.