Musikteori og musikvidenskab

This text, designed as a tool for the college classroom, gives the reader insight into the creative process used by master film composer Henry Mancini. Edited by Roy Phillippe, the book provides 16 musical examples and includes a CD with recordings from the original soundtrack. The text provides detailed analysis of the ideology and technique behind Mancini's creation of music to be paired with the film's storyline and its images. A must for any aspiring film composer, film music buff, or Mancini fan!

In this book, Steve takes a potentially very complex subject -- the creation of new, different, and creative melodies -- and shows how using two very simple and very guitaristic pentatonic scales, you can unleash an inexhaustible supply of new colors and ideas. A CD containing most of the music examples, plus numerous play-along tracks is included. This is a must-have for any serious guitarist!

25 songs of the famous "Beatle" are analyzed, focusing on the years 1964-1969.

MUSICIAN'S GUIDE TO READING & WRITING MUSIC- REVISED 2ND EDITION

"To orchestrate is to create, and this cannot be taught," wrote Nikolay Rimsky-Korsakov, the great Russian composer whose genius for brilliant, highly colored orchestration is unsurpassed. But invention, in all art, is closely allied to technique, and technique can be taught. This book, therefore, which differs from most other texts on the subject because of its tremendous wealth of musical examples and its systematic arrangement of material according to each constituent of the orchestra, will undoubtedly be of value to any music student. It is a music classic, perhaps the only book on classical orchestration written by a major composer.In it, the composer aims to provide the reader with the fundamental principles of modern orchestration from the standpoint of brilliance and imagination, and he devotes considerable space to the study of tonal resonance and orchestral combination. In his course, he demonstrates such things as how to produce a good-sounding chord of certain tone-quality, uniformly distributed; how to detach a melody from its harmonic setting; correct progression of parts; and other similar problems.The first chapter is a general review of orchestral groups, with an instrument-by-instrument breakdown and material on such technical questions as fingering, range, emission of sound, etc. There follows two chapters on melody and harmony in strings, winds, brasses, and combined groups. Chapter IV, Composition of the Orchestra, covers different ways of orchestrating the same music; effects that can be achieved with full tutti; tutti in winds, tutti pizzicato, soli in the strings, etc.; chords; progressions; and so on. The last two chapters deal with opera and include discussion of solo and choral accompaniment, instruments on stage or in the wings, technical terms, soloists (range, register, vocalization, vowels, etc.), voices in combination, and choral singing.Immediately following this text are some 330 pages of musical examples drawn from "Sheherazade," the "Antar Symphony," "Capriccio Espagnol," "Sadko," "Ivan the Terrible," "Le Coq d'Or," "Mlada," "The Tsar's Bride," and others of Rimsky-Korsakov's works. These excerpts are all referred to in the text itself, where they illustrate, far better than words, particular points of theory and actual musical practice. They are largely responsible for making this book the very special (and very useful) publication it is.This single-volume edition also includes a brief preface by the editor and extracts from Rimsky-Korsakov's 1891 draft and final versions of his own preface, as well as an appendixed chart of single tutti chords in the composer's works.

In addition to the new material on the synthesizer mentioned above, the author has completely reviewed the four parts of the book and integrated new material where appropriate: History (an overview from the silent films to the present); Aesthetics (the artistic purposes film music serves and the forms it takes); Technique (how to synchronize music to picture and the special demands of television); and Contemporary Techniques and Tools (comprising video post-production, digital audio, and other innovations). A completely updated bibliography rounds out this informative study.

An anthology unlike any other, The Ring of Words assembles lyrics of the most famous art songs of Europe with literal line-by-line English translations printed on the facing pages. The editor-translator, a renowned music scholar and critic, has contributed an introductory essay on the relationship between lyrics and music, as well as notes on each poet and on the composer or composers who set each poem to music.Here are over three hundred poems by such writers as Heine, Goethe, Ibsen, Villon, Verlaine, D'Annunzio, and Pushkin. Among the composers represented are Schubert, Wolf, Brahms, Beethoven, Liszt, Ravel, and Tchaikovsky; a brief critical evaluation of each song is included, with notes on textual variations or omissions. The Ring of Words brings together a repertory of songs well known to every collector of recordings and everyone who attends concerts and recitals. It is a valuable reference work for students and teachers of singing.

Musiklivet har altid været i hastig forandring. De vanskelige og uforudsigelige konkurrencevilkår på musikmarkedet begrænser ofte mulighederne for at skabe sig en karriere som musikartist. Og har man som iværksætter en idé til et kommercielt eller socialt musikprojekt, står man som regel over for et stort og kompliceret arbejde med at gøre sit produkt relevant og skabe opmærksomhed om det.Musik og entreprenørskab – muligheder og barrierer i musiklivet giver en indføring i en række metodiske og teoretiske tilgange til det konstruktive samspil mellem musik og entreprenørskab. Med inspiration fra bl.a. effectuation-teori og LEAN-entreprenørskab viser bogen, at det er muligt at bryde med nogle af markedsstrukturernes barrierer – f.eks. ved at man som musikentreprenør arbejder systematisk med forandring og innovation. Til gavn for musikforbrugere, for borgere og for samfundet som helhed.Bogen behandler tre perspektiver på entreprenørskab i musiklivet – det kunstneriske, det sociale og det økonomiske – og bidrager med ny viden om, hvordan man kan planlægge, igangsætte og udvikle musikprojekter, der får det hele til at spille sammen.

Musikalisches Reaktionsvermögen und Flexibilität geben einer Performance erst den letzten "Schliff". Oft ist aber mangelndes Hörverständnis eine Hürde beim Improvisieren und Zusammenspielen.Hier setzt "Die neue Gehörbildung" von Tom van der Geld an, mit einem strukturierten Training für ein besseres Hörverstehen im Jazz und in der jazzverwandten Musik.Seine sorgfältig konzipierte Schule führt Schritt für Schritt mit vielen Beispielen und Diktatübungen zu einem gut ausgebildeten Gehör. Musiktheoretisches Wissen fließt dabei an den Stellen ein, wo es das Hören erleichtert.Die vorliegende Neuauflage von Band 1 umfasst die Aufgabenbereiche Intervalle, Drei- und Vierklänge, Tonleitern sowie wichtige Akkordverbindungen. Daneben gibt es drei Extra-Kapitel zum Thema Rhythmik. Das umfangreiche Online-Material umfasst Audio-Aufnahmen der Hörbeispiele sowie Arbeitsblätter und einen Lösungsteil zum Ausdrucken.

Frohlockender Götterstreit nannte Johann Sebastian Bachs Textdichter Salomon Franck die Gratulationsmusik für den Hof von Sachsen-Weißenfels, die heute als Jagdkantate BWV 208 allgemein bekannt ist. Das Werk wurde in Anwesenheit des Komponisten vermutlich am 23. Februar 1713, dem 31. Geburtstag des Herzogs Christian, uraufgeführt. Damals bestand der Chor wohl nur aus den vier Solisten, doch selbstverständlich kann er auch größer besetzt werden. Auch später noch führte Bach das farbenprächtige und abwechslungsreiche Werk, das aus 15 kurzen Sätzen besteht, mehrfach auf. Da die Kantate mit einem Rezitativ beginnt, bietet es sich an, einen Instrumentalsatz voranzustellen. Hierfür eignet sich der Eingangssatz des 1. Brandenburgischen Konzerts BWV 1046 mit seinen Jagdhornklängen, den Bach später auch in anderen Werken wie der Kirchenkantate BWV 52 verwendet hat. Dieser Satz aus BWV 1046a (älteste Fassung) ist in der Edition als Aufführungsvorschlag enthalten.

LUDIFIED bietet einen umfassenden Einblick in das künstlerische Forschungsprojekt "GAPPP - Gamified Audiovisual Performance and Performance Practice", das am Institut für Elektronische Musik und Akustik der Kunstuniversität Graz von 2016 bis 2020 angesiedelt war. In dem Projekt hatte sich ein Team von Künstler_innen und Forschenden die Aufgabe gesetzt, das künstlerische Potential von Elementen aus Computerspielen im Kontext der audiovisuellen Komposition und Performance zu untersuchen. Die Auseinandersetzung mit knapp zwanzig künstlerischen Arbeiten, die im Zusammenhang mit diesem Projekt entstanden sind, hat zu zahlreichen Erkenntnissen geführt, die hier nicht nur textlich, sondern auch ästhetisch wiedergegeben werden. Das Buch präsentiert neben verschiedenen Texten des Kernteams mit Marko Ciciliani, Barbara Lüneburg und Andreas Pirchner auch Texte, Bilder und Skizzen von Gästen, die das Projekt begleitet haben. Auf dem integrierten USB-Stick finden sich hochwertige Dokumentationen audiovisueller Werke, die für das Projekt von besonderer Bedeutung waren. Zahlreiche Abbildungen und die Integration eines Augmented Reality Teils komplettieren einerseits den ästhetischen Eindruck, und vermitteln andererseits den Prozess der kreativen und forschenden Arbeit. Das Buch ist in zwei Hauptteile gegliedert, einen Teil, in dem allgemein in das Projekt eingeführt und verschiedene methodische Forschungsansätze Arbeiten unterschiedlicher Künstler_innen gegenübergestellt werden, und einen Teil der ausschließlich Marko Ciciliani gewidmet ist, dem Leiter des Forschungsprojekts, der mit zahlreichen neu entstanden audiovisuellen Kompositionen wesentliche Impulse und Inhalte in das Forschungsprojekt gebracht hat.

About the Bagpipe Tutorial: Recommended by the best pipers in the world!Bruce Hitchings, Michael Grey, Robert Watt, Willie McCallum, Dixie Ingram, Rory Grossart and many more.You have purchased one of the most professional and popular books for learning the bagpipes. It includes many famous and traditional melodies (Amazing Grace, Happy Birthday, Highroad to Gairloch, Scotland the Brave, Green Hills of Tyrol, etc.), all the finger techniques, and in contrast to other bagpipe books it has many exercises that you will need to learn the bagpipes successfully.The book is suitable for absolute beginners all the way to intermediate pipers. You can study on your own or use it as a classroom companion book. In 28 easy-to-understand lessons, you will find crystal-clear instructions on how to play the bagpipes from scratch. This book is also used for training purposes by many professional bands and bagpipe schools. Its aim is to give the student a technically and musically solid foundation and expert guidance on the route to becoming an accomplished piper.The Bagpipe Tutorial App, which is available from your app store, is perfectly matched to the Bagpipe Tutorial book. Besides the tunes in the book, it contains more than 250 exercise videos covering all the fingering techniques, embellishments and grace notes that you will need in bagpipe playing. The information is in soundtracks and visual displays, with close-ups of the chanter fingerings at different speeds to help you learn them more easily.You will also need a practice chanter to train your finger technique and your first songs. What you learn will only be transferred to the big set of bagpipes after a couple of months. The practice chanter will accompany you all through your life with the bagpipes. You will learn the fingering of new tunes on the chanter and continuously improve your fingering technique with it.This book, a milestone in the teaching of the Scottish bagpipes, will help beginners and intermediate players to achieve rapid success. It is a professional educational tool for playing and understanding the bagpipes.

Die revolutionären Kunstbewegungen im ausgehenden 19. und zu Beginn des 20. Jahrhundert bestanden aus Gruppen oder Einzelpersonen, die sich durch ihre ästhetische Praxis ausdrücklich von den herrschenden Gesellschaftsnormen und von den gängigen Vorstellungen von Kunst abgrenzen wollten. Die mit Protest und Provokation verbundene Suche nach einer neuen Funktionsbestimmung der Kunst zielte u.a. auf eine programmatische, radikale Veränderung des bisherigen Verhältnisses zwischen Künstler und Öffentlichkeit ab. Hauptziel des Bandes ist die Rekonstruktion der allmählichen Veränderungen von Adressatenfunktion und Publikumsbegriff zwischen Realismus und Avantgarde. Die überkommene Rolle des Adressaten im künstlerischen Schaffensprozess wird neu definiert und somit die traditionellen Strukturen des literarischen Kommunikationsprozesses auf den Kopf gestellt. Auch sollen Ausschluss- und Einschlussmechanismen sowie Legitimationsstrategien unter die Lupe genommen werden.

Der renommierte Schlagzeuger Christian Dierstein hat zusammen mit einer Forschungsgruppe der Hochschule für Musik Basel die Spieltechniken auf dem Schlagzeug aus neuartiger Perspektive erforscht. Im Zentrum stehen nicht die Schlaginstrumente, sondern ihre Anreger: Schlägel, Hämmer, Bögen, spezifische Handtechniken bis hin zu elektronischen Impulsgebern. Sie alle werden im Buch detailliert beschrieben und ihr Anwendungsspektrum in sorgfältig ausgewählten und kommentierten Literaturbeispielen dargestellt.Zahlreiche Essays von Gastautoren wie Nicolaus A. Huber, Steven Schick, Fritz Hauser und Bernhard Wulff verankern die spieltechnischen Beschreibungen im zeitgenössischen ästhetischen Diskurs. Sie verdeutlichen, dass im aktuellen Komponieren und seinem erweiterten Material- und Performancebegriff gerade die Frage der Anregung und der Interaktion mit Klangobjekten ins Zentrum rückt. Entstanden ist ein umfassendes Nachschlagewerk für Komponisten und Interpreten, das sich auch als Inspiration für zukünftige und innovative Herangehensweisen ans Schlagzeugspiel versteht.Die AutorenChristian Dierstein absolvierte sein Musikstudium bei Bernhard Wulff in Freiburg, bei Gaston Sylvestre in Paris und bei Wassilios Papadopulus in Mannheim. Er ist Preisträger zahlreicher Wettbewerbe. Seit 1988 ist er Schlagzeuger des "ensemble recherche", seit 1994 des "Trio accanto" zusammen mit Nic Hodges und Marcus Weiss und seit 2001 Professor für Schlagzeug und neue Kammermusik an der Hochschule für Musik in Basel.Michel Roth ist Professor für Komposition und Musiktheorie an der Hochschule für Musik Basel und Mitglied der dortigen Forschungsabteilung. Als Komponist ist er regelmäßiger Gast bei internationalen Musikfestivals, in jüngerer Zeit besonders im Bereich Musiktheater. Zusammen mit Mike Svoboda veröffentlichte er 2017 bei Bärenreiter den Band "Die Spieltechniken der Posaune".Jens Ruland studierte von 2007 bis 2012 bei Carlos Tarcha an der HfMT Köln Schlagzeug und schloss das künstlerische und pädagogische Diplom mit Auszeichnung ab. Seit 2012 vertieft er seine Studien in Basel bei Christian Dierstein. Er ist Gründungsmitglied bei "handwerk" (Köln), "232 percussion" (Köln), "Ensemble New4Art" (Schweiz) und dem Musiktheaterduo "Akt-tkA" (Spanien/Schweiz).

Sie möchten stilsicher Lieder und Songs nach Akkordsymbolen begleiten?Sie wollen auch ohne Akkordsymbole Melodien passend harmonisieren?Sie möchten sich von fixierter Notation lösen und kreativ über Akkordfolgen improvisieren?Dieses neuartige Lehr- und Arbeitsbuch hilft Ihnen zu entdecken, wie man improvisiert und wie man dies Schritt für Schritt konkret und strukturiert üben kann. Dabei werden wesentliche Grundelemente der Liedbegleitung erlernt: Verschiedene Rhythmus- und Stil-Patterns, Akkordsymbole, Melodieharmonisation und schließlich das Zusammenführen von Melodiespiel und Begleitung. Neue musiktheoretische Inhalte, die in jedem Kapitel auftauchen, werden sogleich in die Praxis umgesetzt.Der Lehrgang eignet sich sowohl zum Selbststudium als auch für den Gruppen- und Einzelunterricht. Er richtet sich an Klavierspieler, die das improvisierende Begleiten erlernen wollen und kann ebenso für den Unterricht im Schulpraktischen Klavierspiel wie für Gruppenkurse in Musikschule und -hochschule eingesetzt werden. Sowohl Amateure als auch professionell ausgebildete Musiker erhalten wertvolle Impulse. Grundkenntnisse im Klavierspiel und in der Musiktheorie sollten vorhanden sein, um den größten Nutzen aus diesem Lehrbuch zu ziehen.Auf der beigefügten CD sind alle Übungen und Begleitpatterns eingespielt, teils mit Klavier, teils mit Band - so erhalten Sie einen präzisen und anschaulichen Eindruck vom jeweiligen Stil. Die motivierenden Band-Playbacks eignen sich zum improvisierenden Mitspielen und unterstützen den Lernprozess.Aus dem Inhalt:- Übungen für Rhythmus und Unabhängigkeit der Hände- Akkorde und Kadenzen- Begleitpatterns und Akkordverbindungen- Improvisieren über Akkordfolgen- Begleitstile (Tango, Country, Cha-Cha- Cha, Swing, Slow Rock, Disco, Bossa Nova, Samba, Blues u.a.)- Harmonisieren von Melodien

This publication is designed for organists who wish to integrate the latest research in historical performance practice into their playing. It seeks to assist the player in converting the research on historical performance practice into playing which is valid in today's context. The 2nd Part of the organ school to historical performance practice discusses the interpretation of organ music in Germany and France in the period from 1800 to 1930.

This is the first monograph dedicated to this interdisciplinary research area, combining the views of music, computer science, education, creativity studies, psychology, and engineering. The contributions include introductions to ubiquitous music research, featuring theory, applications, and technological development, and descriptions of permanent community initiatives such as virtual forums, multi-institutional research projects, and collaborative publications. The book will be of value to researchers and educators in all domains engaged with creativity, computing, music, and digital arts.

Historien om musik i Danmark – hvad vil det sige? Hvad har en stat eller en nation som Danmark med musikhistorien at gøre? Og hvad har historien om musik i Danmark med nutidige virkeligheder at gøre? Denne bogs svar på begge spørgsmål er, i korteste form: en hel del, men aldrig alt. Musik og musikliv i Danmark har i perioder været påvirket af enevældige kongers temperamenter, af nationale institutioner, koloniale politikker, ideer om nord og syd, om dansk og udansk. Men musik er også en meget mobil kunstart uden den store respekt for landegrænser og aldrig kun en national størrelse. Historien manifesterer sig i eftertid og nutid i form af både fysiske og mentale erindringssteder: af lurblæsere, Carl Nielsen og højskolesangbøger. Men der kommer også hele tiden nyt, andet og fremmed til. Og hvis historien former os, sker det omvendte også: Vi spiller gerne på historien som på et instrument, men melodien forandrer sig hele tiden.