Bøger om Modernisme

En klassiker om danske designmøbler, deres priser på auktion, markedstendenser og historie - gennemillustreret med mere end 400 suveræne fotos. Bogen er skrevet af de to største kapaciteter på området, og er uundværlig for enhver, der vil vide, hvad man skal betale for de danske møbelklassikere - eller hvilken pris, man kan opnå, hvis man selv vil sælge. Bogen indeholder tre dele: Alt om tendenserne på auktionsmarkedet for designmøbler - hvad går op og hvad går ned. Gennemgang af de 300 bedste danske designmøbler solgt på auktion gennem de seneste tre år - og det er det konkret solgte, designmøbel, der afbildes. I teksten til hvert møbel får vi præcis information om designer, år, materiale og den individuelle historie bag hvert møbel. Der er også noteres referencepriser på hammerslagspriser på det tilsvarende møbel på auktioner i udlandet. Hver designer har sit kapitel: Arne Jacobsen, Poul Kjærholm, Finn Juhl, Hans J. Wegner, Børge Mogensen, Kaare Klint, Nanna Ditzel og mange flere. I et særskilt kapitel præsenteres den nye generation af danske designere og deres møbler, som f.eks.: Louise Campell og Kasper Salto. Historien om dansk møbeldesign fra 1930 til 1970 med perspektiver til i dag. En overskuelig designhistorie illustreret med samtidige billeder og fyldt med informationer for såvel den alment designinteresserede som for samleren.

Komplet nyoversættelse af en af verdenshistoriens klassikere; Musils mesterværk om århundredets begyndelse og tiden i det østrig-ungarske rige lige før udbruddet af Første Verdenskrig.

Finlandssvenske Edith Södergran (1892-1923) er et fyrtårn i moderne svensk poesi og regnes blandt de mest banebrydende modernister, også i internationalt perspektiv. Hendes trodsige livsførelse og stærke lidenskab i hendes digte bliver ved at fængsle nye generationer af læsere.Södergran var veluddannet, belæst og endvidere påvirket af fransk symbolisme, russisk futurisme og tysk ekspressionisme og fik enorm indflydelse på den nordiske modernisme i skandinavisk digtning. Hun betragtes som den første kvindelige digter, der revolutionerede digtningen; den første, der frigjorde sig fra de traditionelle rimede vers – for hvilket hun i sin samtid blev mødt af en enorm kritik og decideret latterliggørelse.Det er første gang siden 1979, at Edith Södergran udkommer i samlet dansk oversættelse, bearbejdet af teaterinstruktør Line Krogh og koncertsangerinde Merete Bækkelund.

Rainer Maria Rilke (1875-1926), tysksproget digter og oversætter, født i Prag. Rilke-brevene, der både er visdomslitteratur og litterær poetik, er siden deres posthume udgivelse i 1929 blevet læst vidt og bredt, men brevvekslingen har ikke tidligere været udgivet i sin helhed. Her foreligger den fulde korrespondance mellem Rainer Maria Rilke og Franz Xaver Kappus for første gang på dansk. I oversættelse ved Karsten Sand Iversen.

Arkitektur- og idehistorikeren Carsten Thau efterlod sig ved sin tidlige død i 2021 et work-in-progress-essay med titlen ”Om transparens”. Det udgives i denne bog sammen med et par håndfulde andre essays, der giver et stærkt billede af hvordan Thau krydser arkitektur med idehistorie, bysociologi med æstetik, personalia med kulturhistorie. En enestående og inspirerende indsats, der kaster lys i mange retninger. Carsten Thau (1947-2021). Studier i Aarhus, Frankfurt og Cambridge. Cand. phil. i idéhistorie 1973; lektor ved Arkitektskolen i Aarhus 1976-94; fra 1994 professor i arkitekturens teori og historie ved Kunstakademiets Arkitektskole i København; medlem af Akademirådet; tildelt Statens Kunstfonds livsvarige hædersydelse.

"Recalling a charcoal she made in 1916, Georgia O'Keeffe later wrote, 'I have made this drawing several times--never remembering that I had made it before--and not knowing where the idea came from.' These drawings, and the majority of O'Keeffe's works in charcoal, watercolor, pastel and graphite, belong to series in which she develops and transforms motifs that lie between observation and abstraction. In the formative years of 1915 to 1918, she made as many works on paper as she would in the next 40 years, producing sequences in watercolor of abstract lines, organic landscapes and nudes, along with charcoal drawings she would group according to the designation 'specials.' While her practice turned increasingly toward canvas in subsequent decades, important series on paper reappeared--including charcoal flowers of the 1930s, portraits of the 1940s, and aerial views of the 1950s"--Harvard Bookstore website (viewed on April 12, 2023)

Edith Södergrans Septemberlyren er et ikonisk værk fra forfatteren der betegnes som den første, og største, modernist i svensk-finsk poesi. Digtsamlingens “Indledende bemærkning” er en bredside til tidens (mandlige) kritikere og det litterære parnas, og vel en af de mest kraftfulde indledninger nogensinde skrevet til en digtsamling. Den afsluttes med de senere så berømte ord:Min selvsikkerhed beror på at jeg har opdaget mine dimensioner. Det er ikke op til mig at gøre mig mindre end jeg er.Södergran hengiver sig betingelsesløst til digtenes skabende kraft. Ofte bevæger hun sig gennem utopiske landskaber. Ofte med stærk inspiration fra Nietzsche. Og ofte med et engagement, en insisteren og en vildskab der er hæsblæsende.TRIUMF AT VÆRE TIL . . .Hvad frygter jeg? Jeg er en del af uendeligheden.Jeg er en del af altets store kraft,en ensom verden i millioner af verdener,som en førstegradsstjerne der slukkes sidst.Triumf at leve, triumf at ånde, triumf at være til!Triumf at mærke tiden løbe iskold gennem sine årerog høre nattens tavse flodog stå på bjerget under solen.Jeg går på sol, jeg står på sol,jeg kender ikke til andet end sol.Tid — forvandlerske, tid — fordærverske, tid — fortryllerske,kommer du med nye rænker, tusind kneb for at byde mig en tilværelsesom et lille frø, som en snoet slange, som en klippe midt i havet?Tid — din morderske — vig fra mig!Solen fylder mit bryst op til randen med dejlig honningog hun siger: engang slukkes alle stjerner, men de lyser altid uden frygt.

Knudåge Riisager (1897–1974) var en af sin samtids mest fremtrædende danske komponister og kulturpersonligheder. Efter som ung at have komponeret en række kammer-musikværker og sange rejste han i 1923 på studieophold i Paris. Her stiftede han bekendtskab med tidens nye musik af bl.a. Satie, Stravinsky, Varèse, Prokofiev, Milhaud og Poulenc, og impulser herfra satte sig stærke spor i hans værker. I 1930’erne mødte han koreografen Harald Lander og skabte med ham en lang række balletværker, af hvilke Etudes, bygget over Carl Czernys klaveretuder, har gået sin sejrsgang over store dele af verden.Et generelt træk ved Riisager var hans åbenhed over for tidens nye strømninger. Den gav sig udslag i nogle originale balletter, som han udarbejdede sammen med Birgit Cullberg: Månerenen og Fruen fra havet. I sine sidste 10 år komponerede Riisager flere værker med modernistiske træk. Det gælder korværket Sangen om det Uendelige og Til Apollon for orkester. Han skrev også populære sange som »Nord og syd og øst og vest«, »Mor Danmark« og »Danmarks Frihedssang«.Riisager var cand.polit. og i en årrække kontorchef i Finansministeriet. I 25 år var han formand for Dansk Komponistforening og fra 1956 til 1967 direktør for Det Kongelige Danske Musikkonservatorium.Livet igennem var Riisager en markant skribent og debattør. Hovedparten af hans kronikker, artikler og debatindlæg drejer sig om musikalske emner som fx diskussionen om Musikradioen i 1963. Det stærke engagement kombineret med en nøgtern og saglig udtryksform gav ham gennemslagskraft og gjorde ham til en kendt og respekteret skikkelse også i offentligheden. Riisager optrådte således flere gange i tegneserien »Radiserne« og Politikens »At tænke sig«.Claus Røllum-Larsen er mag.art. og ph.d. i musikvidenskab fra Københavns Universitet og siden 1997 forskningsbibliotekar og seniorforsker ved Det Kongelige Bibliotek. I 1990 udgav han Kong Frederik IX og musikken. Musikhistoriske studier i det danske kongehus og i 2002 Impulser i Københavns koncertrepertoire 1900-1935. Studier i præsentationen af ny, især udenlandsk instrumentalmusik.

Virginia Woolfs samlede selvbiografiske skrifter, der forblev uudgivne længe efter hendes død udgives her for første gang på dansk i sin helhed ved oversætter Karsten Sand Iversen. To af bogens fem dele er tidligere udkommet i skriftserien Bestiarium til anmelderroser, men er for længst udsolgt fra forlaget. Dengang skrev anmelderne bl.a:»Virginia Woolfs erindringsskitse er en fantastisk forklaringsnøgle til forfatterskabet og de kræfter, som kæmpede i hendes indre.« ❤ ❤ ❤ ❤ ❤ »Et elegant, vittigt og ikke så lidt giftigt mini-memoir fra barndomshjemmet i Kensington.« ❤ ❤ ❤ ❤ ❤ – Politiken Her foreligger de samlede erindringsskitser i en smuk indbinding med hård ryg og en til værket gjort omslagsillustration fra den svenske kunstner Fanny Spång. Bogen er formgivet af Hakkiri og redigeret af Andreas Vermehren Holm. Virginia Woolf (1882–1941), engelsk forfatter, forlægger og kritiker.

An illuminating biography of one of the most famous--and most famously unfinished--buildings in the world, the Sagrada Familia of Barcelona.The scaffolding-cloaked spires of Antoni Gaudí's masterpiece, the Sagrada Familia, dominate the Barcelona skyline and draw in millions of visitors every year. More than a century after the first stone was laid in 1882, the Sagrada Familia remains unfinished, a testament to Gaudí's quixotic ambition, his religious devotion, and the sensuous eccentricity of his design. It has defied the critics, the penny-pinching accountants, the conservative town-planners, and the devotees of sterile modernism. It has enchanted and frustrated the citizens of Barcelona. And it has passed through the landmark changes of twentieth-century Spain, surviving two World Wars, the ravages of the Spanish Civil War, and the "Hunger Years" of Franco's rule.Gijs van Hensbergen's The Sagrada Familia explores the evolution of this remarkable building, working through the decades right up to the present day before looking beyond to the final stretch of its construction. Rich in detail and vast in scope, this is a revelatory chronicle of an iconic structure, its place in history, and the wild genius that created it.

"Hvem er bange for Virginia Woolf", spørger Edward Albee i sit skuespil"?Det er der mange læsere, der er. Hvis man frygter hende, kender jeg den rette kur: læs hende!Virginia Woolf (1882–1941) var feminist og modernist, og hun skal ikke læses for handling eller for personkarakteristik, for det er ikke hendes ærinde. Først og fremmest skal hun læses for sin uovertrufne, elegante og vittige stil. Alt får poetisk fylde i hendes forfatterskab. Som feminist udspyer hun sin galde over mandsvældet i sit essay: `"Eget Værelse" og som pacifist i "Tre Guineas". Som modernist fragmenterer hun sproget.Hun levede i en for Europa dramatisk tid med to verdenskrige. Men hun formår, at formidle sindets drama. Hendes sindstilstand har været genstand for utallige bøger og artikler; hun levede på kanten af en mental afgrund, men netop derfor blev hun kunstner. Hun blander virtuost ydre begivenheder med indre i sin sans for "det små i det store". For hun kan begge dele, både storm og stille. Det er ikke alle forfattere forundt, og det viser den modne skribent. Men hendes primære styrke: det velovervejede indblik i menneskets natur, kan være både foruroligende og fascinerende. Hendes mesterværker: "Mrs. Dalloway" og "To the Lighthouse" ("Til fyret") kræver en dristig læser, der formår at trænge ind i hendes verden af sansninger og stemninger. Hun er skiftevis varm, kold, ondskabsfuld, empatisk, klog og vittig, men aldrig ligegyldig.Hun byder sig ikke til, men hun kan være vanedannende.

Gedanken- und Wortspiele, zwischen Liebe und Schmerz, Witz und Tiefgründigkeit. Kleine und große Texte, mit viel und auch weniger Bedeutung. Zum Nachdenken, Hinfühlen, Reflektieren und Amüsieren.

Provokerende kunstneriske udtryk har spillet en fremtrædende rolle i medierne i de seneste 25 år. Men med tre begivenheder i nyeste tid er spørgsmålet om provokationskunsten aktualiseret. Diskussionen om forskellige kunstneriske provokationer i medierne fører sjældent til nogen egentlige indsigter. Mediernes hensigt med at bringe historier om provokationskunst er ikke, at søge at forklare, men at ophidse. At vække en altid slumrende forargelse. Det er velkendt i psykologien, at evnen til at reflektere logisk og rationelt nedsættes proportionalt med det følelsesmæssige engagement. Hvis det i forvejen er svært at diskutere og forstå hvad kunst er, bliver det helt umuligt, når man kaster en buste i havnen og kalder det kunst, slagter en gris som økologisk aktions-kunst, eller udstiller hjemløse på et museum. Tendensen til at provokere kan i den vestlige kunst spores helt tilbage til antikkens sværmen for det incestuøse drama om Kong Ødipus. Den genoptages i nyere form i reformationens neo-kapitalistiske hollandske samfund. Men i det ultramoderne mediesamfund, hvor alle konkurrerer om at få deres kunst omtalt i medierne, antager provokunsten helt ekstreme former. Tilsidst står kun tabuoverskridelsen tilbage, og medieomtalen er det eneste, der sikrer værket som kunst.Denne bog forsøger at forklare, hvorfor indholdet i billedkunsten ofte har drejet sig om det anderledes, det tabuoverskridende.Den tegner den historiske baggrund for provokations-kunsten, gennemgår en række nyere internationale kunstneres provokationer, samt præsenterer ca. 50 danske kunstnere, der i større eller mindre grad arbejder med grænsesøgende og tabuoverskridende emner i deres kunst.

60 photographs72 pagescritical essayintentional camera movement (ICM)motion blurunique perspective new york citynew jerseypennsylvaniaInterstate 78

Le rivoluzioni artistiche, nel corso dei secoli, sono state molto spesso conseguenti a rivoluzioni di pensiero, espresse dagli artisti e dai poeti, dagli scrittori, dai filosofi, dai pensatori. Non si sarebbe potuto arrivare ad una concezione fisica dell'arte - di cui massimo esponente italiano fu Piero Manzoni, con opere come Corpi d'Aria del 1960 - che veda la stessa come ciò che è intrinseco all'artista, senza passare per i vari tentativi di comprendere i moti psichici che spingono l'uomo a teorizzare ed eseguire opere frutto di pensiero e di espressioni emotive. Gli stessi principi sono alla base dello studio psicoanalitico condotto alla fine dell'Ottocento dal celeberrimo neurologo e filosofo austriaco Sigismund Schlomo Freud.C'è quindi, prima di tutto, da tracciare un quadro filosofico del contesto in cui la psicoanalisi e le Avanguardie sono fiorite, e della condizione spirituale dei pensatori dell'epoca. Il ripudio del Positivismo è certamente un punto in comune fra le teorie Freudiane ed alcune Avanguardie: se da una parte lo psicoanalista austriaco aveva messo fortemente in discussione l'approccio positivista alla psicologia, criticando la concezione puramente - e ingiustificatamente - razionale di un argomento così delicato quanto la psiche umana, dall'altra avanguardie come Dada - neanche vent'anni dopo - rinnegavano in modo totale la ragione positivistica, insieme ai concetti di bellezza, agli ideali e ad ogni forma di modernismo.

"If the function of the artist is to see, the first duty of the critic is to understand what the artist saw."– J.E.H. MacDonaldTo See What He Saw focuses on the Lake O’Hara work produced by English-Canadian artist and Group of Seven member James Edward Hervey (J.E.H.) MacDonald, R.C A. (1873–1932) between 1924 and 1932. The book documents MacDonald’s seven trips to Yoho National Park in the Rocky Mountains of eastern British Columbia, Canada, and presents a detailed catalogue of the resulting en plein air sketches and the subsequent studio works completed during the last nine years of his life.The book features more than 200 of MacDonald’s western works from this period, organized geographically with en plein air sketches and studio work illustrated side by side. Each sketch is accompanied by at least one present-day photograph, many of which are taken from the exact rocky perch where MacDonald sat. Save for the forest growth since the 1920s, this pairing enables the viewer to see what MacDonald saw, and to understand how he processed the landscape before him. The book includes full transcripts of diaries, essays, and poems from which detailed, chronological descriptions of MacDonald's seven trips have been compiled. Relevant excerpts and original research further contextualize and illuminate the artist’s practices for specific sketches wherever possible.Of interest to Group of Seven and Canadian art collectors, curators, historians, students, and enthusiasts alike, this book is produced in conjunction with a 2024 exhibition at the Whyte Museum of the Canadian Rockies in Banff, Alberta. To See What He Saw offers a comprehensive examination of this esteemed artist’s painting process, finished works, and mindset over this period, and provides a unique lens through which to view MacDonald’s O’Hara work—a perspective that has not previously been fully explored in exhibition or in publication.

Rome was an empire of images, especially images that bolstered their imperial identity. Visual and material items portraying battles, myths, captives, trophies, and triumphal parades were particularly important across the Roman empire. But where did these images originate and what shaped them? Empire of Images explores the development of the Roman visual language of power in the Republic in Iberian Peninsula, the Gallic provinces, and Greece and Macedonia, centering the development of imperial imagery in overseas conquest. Drawing on a range of material evidence, this book argues that Roman imperial imagery developed through prolonged interaction with and adaptation by subjugated peoples. Despite their starring role in Roman imagery, the populations of Rome's provinces continuously reinterpreted and reimagined Roman images of power to navigate their membership in the new imperial community, and in doing so, contributed to the creation of a universal visual language that continues to shape how Rome is understood.

English edition This catalogue provides a spectacular overview of painting on the theme of football in European artistic modernism. Here, painting gets to the bottom of football's mystique. And vice versa, since football with its aesthetics, dynamics, rites, and contradictions inspires artists and reveals innovative, surprising perspectives and artistic possibilities. This culminates in impressive interplay between the two worlds. Accessing 20 th -century European art through football and deciphering the fascinating as well as contradictory game of football as a European phenomenon through the perspective of modernist painting uncovers new knowledge in both fields. More than 100 works of art from national and international collections are examined. The catalogue is designed along the same conceptual lines as the European Championship itself: each nation participating in the EURO 2024 is represented by at least one artist, so underlining the fundamental concept of a diverse but united Europe. A new standard work, and a cultural contribution to the 2024 European Football Championship in Germany Exhibition: Deutsches Fußballmuseum, Dortmund, , May 27, 2024 to January 7, 2025 Look inside Artists: Sybil Andre, Dieter Asmus, Willi Baumeister, Cecil Walter Hardy Beaton, Peter Blake, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Ithell Colquhoun, Charles Cundall, Salvador Dalí, Giulio D'Anna, Raoul de Keyser, Nicolas de Staël, Alexander Deineka, Robert Delaunay, Brendan Ellis, George Eisler, Paul Feiler, Ludvig Find, Hubert Andrew Freeth, Fritz Genkinger, Harald Giersing, John Heartfield, Bernhard Heisig, Robert Henderson Blyth, Peter Howson, Hundertwasser, MiloS Jiránek, Ilja Kabakow, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee, Pyke Koch, Maria Lassnig, Karel Lek, Elizer Lissitzky, Rene Magritte, Jarmo Mäkila, Kasimir Malewitsch, Colin Middleton, Joan Miró, Omer Mujadzic, Peter Nagel, FrantiSek Xaver Naske, Paul Nelson, Rainer Neumaier, Christopher Nevinson, Felix Nussbaum, Claes Oldenburg, Wolfgang Petrik, Pablo Picasso, Sigmar Polke, Peter Rohn, Alexander Nikolajewitsch Samochwalow, Thorsten Schlüter, Valentin Sidorov, Jens Sondergaard, Warwara Fjodorowna Stepanowa, Ivan Tabakovic, Lawrence Tonybee, Bart van der Leck, Alan Welsford, Thomas Webster, Rik Wouters et al.

Dass Beck's art traces an "invisible thread" across cultural boundaries--the human need to discover, contemplate, and communicate via art. Part I focuses on non-Indian content, e.g. American and African, Part II on comparable Indian arts.

"Meek never fails to stun and impress with his evocation of scenes and events, of sights and dialogue, and of peoples' reactions to them." - HFC ReviewsThe Dream Collector immerses the reader into the exciting milieu of late 19th Century Paris when art and medicine were in the throes of revolution, art turning to Impressionism, medicine turning to psychology. In 1885, Julie Forette, a self-educated woman from Marseilles, finds employment at the infamous Salpêtrière, hospital and asylum to over five thousand disabled, demented and abandoned women, a walled city ruled by the famed neurologist and arrogant director, Dr. Jean-Martin Charcot.Julie Forette forms a friendship with the young, visiting intern Sigmund Freud who introduces her to the altering-conscious power of cocaine. Together they pursue the hidden potential of hypnotism and dream interpretation. After Freud receives the baffling case of the star hysteric, Sabrine Weiss, he is encouraged by Julie to experiment with different modes of treatment, including "talking sessions." Their urgent quest is to find a cure for Sabrine, Princess of the Hysterics, before Dr. Charcot resorts to the radical removal of her ovaries.In Paris, Julie finds a passion for the new art emerging, Impressionism and Post-Impressionism, and forms friendships with the major artists of the period, including Pissarro, Monet, and Degas. Julie becomes intimately involved with the reclusive Cezanne only to be seduced by the "Peruvian Savage" Paul Gauguin. Julie is the eponymous 'Dream Collector' collecting the one unforgettable, soul-defining dream of the major historical figures of the period."When R.w. Meek submitted his manuscript THE DREAM COLLECTOR for our contest I thought it was some sort of a joke. Not because it was badly written but because it was so well written - along the lines of George Saunders and Tolstoy!! I was certain it was a literary friend posing as a contestant. Our judges too said this was hands down the best submission we ever received in ten years of the Palm Beach Book Festival. A masterpiece in every sense of the word." - Lois Cahall, Founder Palm Beach Book Festival."Tribute must be paid to the obvious and clear literary skills of the author R.w. Meek and to his ability to invoke historic personages and the Belle Époque he so evidently adores." - Julian de la Motte, award winning author of Senlac"It is difficult to describe The Dream Collector by R.w. Meek without resorting to clichés: "A masterpiece!" "A stunning achievement!" Those phrases, while true, can in no way convey the immersive power of Meek's' writing as his characters journey through 19th century Paris with its experimentations in both art and medicine, its debauchery and decadence, and the sheer, unbridled passion of its denizens. A brilliant storyteller, Meek has created a world you simply won't want to leave and will never forget." - Trish MacEnulty, Historical Fiction Author

Explores the remarkable range of artists who have worked in Woodstock, New York for over a century.

Um aventureiro capturado por uma tribo de índios, condenado à tortura e à morte, engendra uma forma de se poupar à tortura e manter a dignidade, por consequência humilha o chefe da tribo aliciado pela ideia dum remédio milagroso.

Der Wiener Prater - ein Stück Stadtgeschichte im Spiegel der Zeit Wie kein anderer Ort repräsentiert der Prater die Geschichte Wiens und den Weg zur modernen Großstadt. Die Öffnung 1766 unter Kaiser Joseph II. markierte den Beginn einer neuen Zeit: Von nun an stand das kaiserliche Jagdgebiet allen Wiener:innen zur Erholung und zum Vergnügen offen, für Spaziergänge, Musikdarbietungen sowie Essen, Trinken und Tanz. Von optischen Apparaturen über Fußball, Ballonflug und Mondrakete bis zu Maiaufmarsch und Blumenkorso wurden hier alle Novitäten erstmals einem großen Publikum vorgestellt; im Wurstelprater, in Theatern, Kinos, Varietés, Zoos, Zirkussen, auf der Weltausstellung 1873, im Vivarium, im Planetarium oder im Stadion. Im Prater verdichten sich die großen Themen des modernen Lebens - das Verhältnis von Natur und Stadt, Mensch und Tier, moderner Technik und menschlichem Körper. Fundierte Beiträge zu mehr als 250 Jahren Stadtgeschichte: "Der Prater und die Stadt", "Natur und Technik", "Körper und Lust", "Großes Theater" Mit Beiträgen von mehr als 40 namhaften Autor:innen Mit zahlreichen Abbildungen und Bildstrecken Mit Beiträgen von: Thorsten Blume, Susanne Breuss, Andreas Brunner, Ingrid Erb, Brigitte Felderer, Michael Feuchtinger, Wolfgang Fichna, Helmuth Figdor, Alys George, Bernhard Hachleitner, Tobias Hofbauer, Severin Hohensinner, Martin Huber, Anna Jungmayr, Christian Klösch, Sarah Knoll, Claudia Koch, Thomas Macho, Wolfgang Maderthaner, Sabine Müller, Andreas Nierhaus, Klaus Nüchtern, Martina Nußbaumer, Vrääth Öhner, Eva-Maria Orosz, Olaf Osten, Peter Payer, Birgit Peter, Sarah Pichlkastner, Stefan Poser, Béla Rásky, Tabea Rude, Martin Scheutz, Werner Michael Schwarz, Georg Spitaler, Ursula Storch, Christine Strahner, Alina Strmljan, Ernst Strouhal, Manuel Swatek, Klaus Taschwer, Katalin Teller, Gernot Waldner, Elsbeth Wallnöfer, Michael Wallraff, Elke Wikidal, Susanne Winkler, Marie Yazdanpanah, Susana Zapke

Frankreich war 1998 einer der 44 Signatarstaaten der Washingtoner Erklärung. Die Frage, ob die Republik ihren Verpflichtungen aus dieser Erklärung nachgekommen ist, wird im Rahmen dieser Arbeit unter Auswertung der umfangreichen Fallpraxis näher beleuchtet. Im Unterschied zu anderen Staaten existieren in Frankreich mehrere rechtliche Instrumente und Verfahren zur Restitution von NS-Raubkunst: Neben heute noch geltenden Gesetzen aus der direkten Nachkriegszeit wurden nach 1998 weitere Regelungen - 2023 zuletzt ein Restitutionsgesetz - geschaffen, die erstmals einer systematischen Darstellung und kritischen Analyse unter rechtsvergleichenden Gesichtspunkten unterzogen werden. Dieser Band liefert auf diese Weise auch wichtige Orientierungspunkte für die Restitutionsdebatte in Deutschland und anderen Staaten.

The Liebling Haus in Tel Aviv was built in 1936 to designs by architect Dov Karmi for Tony and Max Liebling after they fled from Europe. With its bright plaster facades, deep balconies, clear proportions, and a layout tailored to the regional climate, it serves as a prime example of the locally adapted International Style that is typical of the White City of Tel Aviv. From 2015 to 2019, the building was extensively restored by Israeli and German planners, renovation experts, and craftspersons, reopening as a vibrant exhibition and community center. The Liebling Haus is supported and funded by the German Federal Government, the City of Tel Aviv, and the Tel Aviv-Jaffa Foundation. The book, published in three languages, tells the eventful history of the structure and gathers detailed historical materials about its architecture and residents. Current interviews, an atmospheric tour by Israeli photographer Yael Schmidt, and other documents showcase the new use of the Liebling Haus since its reopening.

In the early 1960s one can define a series of innovative art concepts by Franz Erhard Walther that reflect his new understanding of art. Those artworks are defined by a radical emptiness. Following a talk with Franz Erhard Walther, this publication shows how this new understanding of art is strongly influenced by the absent. It's a balancing act on the verge of nothing.