Billedhuggerkunst. Skulptur

Fra det gamle, sprudlende Europa skrev Georg Simmel (1858-1918) sine banebrydende essays. Simmel er en af bysociologiens grundlæggere og skriver om Rom, Firenze og Venedig. Som midtpunkt for flere intellektuelle kredse var han en absolut hovedskikkelse i sin samtid og ven med bl.a. Auguste Rodin, Rainer Maria Rilke og Max Weber. Tyngdens æstetik præsenterer et udpluk af Simmels skrifter i form af ti essays, der er relevante både for arkitekten og den kunstinteresserede. Bogen er illustreret med værker af bl.a. Michelangelo, Bernini, Toyokuni I, Christen Købke, Rodin og J.F. Willumsen. Joachim Wiewiura har skrevet introduktion til Simmels tid og tænkning. Joachim Wiewiura (f.1987), ph.d. i filosofi fra Københavns Universitet, udvekslingsophold ved University og Oxford og MIT. Han er ansat ved Institut for Kommunikation og Psykologi, AAU, og har bl.a. udgivet bøgerne Offentlighedens rum (2019), Simmel (2019), If Schools Didn't Exist (2020), Den politiske filosofis historie (2022) og Offentlighed og legitimitet (2024).

Against All Odds – Historical Women and New Algorithms explores the lives and works of 24 Nordic artists around 1900 through pioneering combinations of historical reinscribing and new technology. These women defied the gender norms of their time, formed their own communities across Europe and succeeded against all odds. Later, several were written out of art history. Why? Is it possible to write these women into the narrative that excluded them without changing the story? Discover how technology, critical thinking and art merge in a tribute to pioneers of the past. Through cross-aesthetic approaches, immersive installations and AI-generated dialogues, the exhibition and catalogue challenge our understanding of the past and open new perspectives on art history.

”Uanset svingninger i smagen, der har gjort sig gældende over for Thorvaldsen som billedhugger, og den stilperiode han tilhører, vil han bevare sig urokket, for alle tider uden jævnbyrdige, som arbejder, håndværker i eminent forstand, kyndigere og mere produktiv, og med en mere ubetinget international anerkendelsen end nogen anden, før eller siden.”Johannes V. Jensen, en af de største danske forfattere, fortæller om en af de største danske kunstnere, billedhuggeren Bertel Thorvaldsen. Johannes V. Jensen, der selv var billedhugger og kendte teknikkerne bag, beskriver eminent Thorvaldsens teknikker som håndværker og fortæller endvidere om mennesket bag talentet.Bogen udkom første gang i 1938 og er en god introduktion til Bertel Thorvaldsen og hans værker.Johannes Vilhelm Jensen (1873-1950) var en dansk forfatter og digter, der i 1944 modtog Nobelprisen i litteratur. Han debuterede som forfatter i 1896 med romanen ”Danskerne” og udgav sidenhen en perlerække af romaner, noveller, essays, rejseskildringer og myter. Johannes V. Jensen, der selv var billedhugger, udgav flere portrætter om den store danske billedhugger Bertel Thorvaldsen. Han modtog en lang række legater og udmærkelser for sit store litterære arbejde og var blandt andet æresdoktor ved Lunds Universitet og modtager af statens livsvarige kunstnerydelse og det anckerske legat. Johannes V. Jensen er særligt kendt for sin historiske roman ”Kongens fald”, der er optaget i Kulturkanonen.

In her sculptures, installations, films, and interventions in public spaces, Croatian artist Luiza Margan explores the disparity between officially recorded history and history which is invisible. She questions the ways in which power structures and ideological systems are etched into the public sphere and interwoven into collective memory.The installation Cache, created in the course of the Artist-in-Residence-Program of the ZF Kunststiftung, examines the traces of National Socialist rule left in the city of Friedrichshafen. The title alludes to a hidden location, a concealed storehouse for information.

The artist duo Michael Elmgreen & Ingar Dragset continues to devise new ways of presenting and perceiving art through their subversive and versatile work. The updated and expanded edition of Elmgreen & Dragset: Sculptures is the most comprehensive study to date of the duo's sculptures from the mid-1990s to the present day. Visually designed to reflect the aesthetic and concep-tual working methods developed by the artist duo over the course of their careers, the book features detailed photographic documentation as well as four seminalessays on the artist duo's oeuvre. MICHAEL ELMGREEN (*Denmark) and INGAR DRAGSET (*Norway) have been working together since 1995. Their work explores socio-cultural and political themes such as the challenges of growing up, queer issues, the construction of identity, consumer culture, and the privatization of public space. The artist duo has received numerous prizes, including the Preis der Nationalgalerie in Berlin (2002) and a Special Mention at the Venice Biennale (2009).

This publication gives a comprehensive overview of the work of Italian artist Alberto Garutti. His innovative oeuvre, consisting primarily of sculptures, installations, and works in public space, explores site-specificity along with its social realities and historical contexts. With the artistic and methodological strategies he has employed since the 1990s, he has revolutionized the vocabulary of public and site-specific art. ALBERTO GARUTTI (1948-2023) has been a key figure on the Italian and European contemporary art scene of the last forty years. Since the early 1990s, Garutti's practice has evolved into a radical manifesto for public art. His works in the urban context-commissioned by cities and institutions around the world-are meant to be open devices for reimaging. As a practitioner of public art and a teacher at the Academy of Brera in Milan and at the IUAV in Venice who has influenced many generations of Italian artists, Alberto Garutti is considered one of the most influential Italian artists of his generation.

In her works, Nina Annabelle Märkl (b. 1979) develops permeable viewing spaces that lie at the interface between drawing, object, and installation. The viewers move through landscape-like settings in modular spatial installations, entering into various dialogues with the works. In addition, through the shift in perspective, they can experience the possibility of seeing themselves in their own observations and can question the structures of their perception.The monograph Scapes unites various strands of Nina Annabelle Märkl's work in the diversity of their links and leaps between drawing and spatiality, which follow on from one another in the diversity of manifestation or interpenetrate one another in individual arrangements.

Conceived as an archive, the book brings together the experiences of Frequencies, a global participatory project initiated by multimedia artist Oscar Murillo in 2013. Part of the artist's multimedia practice, Frequencies addresses the notion of community through the lens of its making. For over a decade, it has involved members of Murillo's family, studio team and collaborators, visiting schools around the globe, fixing raw canvas onto classroom desks, and inviting the students to freely mark, write and draw on them for a period of approximately six months. Murillo has collected an archive of canvases, which he presented in various interactive exhibitions. OSCAR MURILLO (*1986, La Paila, Colombia) has developed a multi-faceted and ambitious practice that spans painting, collaborative projects, video, sound and installation. He received his MFA from the Royal College of Art in 2012 and was one of four artists to collectively win the prestigious Turner Prize in 2019.

This book is a comprehensive tribute to the Polish-Belgian artist Tapta (Maria Wierusz-Kowalska). Her work transcends traditional artistic boundaries, captivating audiences with her innovative exploration of fluid spaces and dynamic interactions. Her work, an important contribution to twentieth century sculpture, is essentially divided into two major sections: the textile works of the 1960s to 1980s and the subsequent neoprene works of the last years of her life. Her practice moved away from traditional weaving through experimental techniques and evolved into three-dimensional works-first made of cords, then of neoprene sheets-that interacted with the space and the viewer. TAPTA (*1926-1997) was born in Poland and came to Belgium as a political refugee with her husband, Krzysztof Wierusz-Kowalski, after taking part in the Warsaw Uprising of 1944. She studied weaving at the La Cambre National School of Visual Arts, Brussels, from where she graduated in 1949. Shortly afterwards, the couple moved to the Belgian Congo (now Democratic Republic of the Congo), where they lived from 1950 to 1960. On their return to Belgium in 1960, until her sudden death in 1997, she worked in Brussels as an artist and-from 1976 until 1990-as a professor at La Cambre.

Marco Stanke (*1987) wurde 60 Jahre nach Alf Lechner (1925-2017) geboren. Trotzdem weisen ihre künstlerischen Positionen vielschichtige Bezüge auf. In Stankes Malereien ist die Leinwand nicht bloß ein Bildträger. Seine Arbeiten sind vielmehr räumliche Gebilde aus Nessel, Keilrahmen und Farbe. Stanke faltet, schneidet, biegt, stapelt und durchbohrt die Leinwände und erprobt die körperlichen Grenzen des Bildes, das er in den Raum ausdehnt. Seine Werke sind teils Bild, teils Relief oder Skulptur, und erst im Zusammenspiel dieser unterschiedlichen "Teile", wie Stanke selbst sie nennt, ergibt sich am Ende das vollständige Bild.Hierin besteht die vordergründigste Verbindung zu Lechner, dessen Skulpturen ebenfalls als Fragmente eines kontinuierlichen Arbeitsprozesses betrachtet werden müssen. Zentral hierfür ist seine Praxis der Teilung, in deren Folge räumliche Beziehungen zwischen den Fragmenten und den Betrachter*innen erforscht und materialbezogene Herstellungsprozesse offengelegt werden können, ganz im Sinne seiner Maxime: "Durch Teilen ist es möglich, mehr über das Ganze zu erfahren."Dieser Ansatz klingt im Titel der Kataloges teil's teil's wider, der als Aufforderung zu verstehen ist, tiefer in Materien einzutauchen. Darüber hinaus suggeriert der Titel auch, dass etwas nicht klar zuordbar ist und verweist so auf die Zusammenstellung von Stankes und Lechners Arbeiten und die gemischte Natur des Ausstellungskonzepts.

Die Publikation präsentiert Skulpturen, Videos, Leinwände und Teppiche von Halil Altindere und erscheint anlässlich seiner Einzelausstellung in der Pilot Galerie in Istanbul (23.11.2023 - 20.01.2024).Halil Altindere (*1971 in Mardin/Türkei, lebt und arbeitet in Istanbul) setzt sich in seinen Arbeiten häufig mit konkreten politischen Inhalten auseinander, auch mit Bezug auf seine kurdischen Wurzeln und der Multikulturalität in der türkischen Gesellschaft. In seinen Werken beschäftigt er sich mit einer Vielzahl an Fragestellungen und beleuchtet Methoden des Widerstands gegen Macht und Unterdrückung, wobei er sich mit Themen wie Subkulturen, Geschlechterrollen, Popkultur oder der Struktur und Macht von Kunst- und Finanzsystemen beschäftigt.Die Publikation versammelt Arbeiten der letzten drei Jahre, in denen zunehmend die Grenzen zwischen Kunst und Leben Altinderes verschwimmen. Die Folgen der Pandemie, die die Welt erschütterte, finden ebenso Widerhall in seinen Werken wie die neue Vater-Rolle des Künstlers. Darüber hinaus macht Altindere zunehmend von den Möglichkeiten künstlicher Intelligenz Gebrauch und setzt KI-Technologie als eine Art persönlichen Assistenten ein, der eine aktive Rolle im Produktionsprozess seiner Werke einnimmt.

For the first time in recent history, a publication on Alberto Giacometti and his work is being released in Denmark. The book is published in connection with the exhibition "Alberto Giacometti – What Meets the Eye" and has been created through an exclusive collaboration between the Fondation Giacometti in Paris and SMK in Copenhagen.In the catalog, readers get up close to Giacometti's works and the research concept behind the exhibition. The catalog includes key, newly translated original texts by philosopher Jean-Paul Sartre and Giacometti himself, along with four current articles by Danish and French researchers. Notably, it also features illustrations of the exhibition's works in a new, improved quality, presented in a way that supports the research points and the exhibition's concept.The focal point is Giacometti's break with the surrealist environment, of which he was a part until 1934-35, and the affinity seen between his late work and post-war phenomenologically inspired thinkers such as Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, and Maurice Merleau-Ponty. In addition to presenting the thinking and experiences that underlie Giacometti's artistic method, the book also provides insight into post-war Paris, the places, and personalities that Giacometti surrounded himself with.

"The first catalogue raisonnâe on influential artist Tony Smith, to be released with a companion book of critical commentary: Against Reason, a new model expanding the conventional catalogue raisonnâe"--

For første gang i nyere tid udkommer en publikation på dansk om Alberto Giacometti og hans arbejde. Bogen udgives i forbindelse med udstillingen Alberto Giacometti – Hvad øjet ser og er blevet til i et eksklusivt samarbejde mellem Fondation Giacometti i Paris og SMK i København. I kataloget kommer man helt tæt på Giacomettis værker og forskningsideen bag udstillingen. Kataloget rummer centrale, nyoversatte originaltekster af filosoffen Jean-Paul Sartre og Giacometti selv, fire aktuelle artikler af danske og franske forskere og ikke mindst illustrationer af udstillingens værker i ny, forbedret kvalitet, præsenteret på en måde, der underbygger forskningspointerne og udstillingens ide. Omdrejningspunktet er Giacomettis brud med det surrealistiske miljø, som han var en del af indtil 1934-35, og det slægtskab, som man gerne ser mellem hans sene værk og efterkrigstidens fænomenologisk inspirerede tænkere som Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre og Maurice Merleau-Ponty. Ud over at præsentere den tænkning og de erfaringer, der lå bag Giacomettis kunstneriske metode, giver bogen også et indblik i efterkrigstidens Paris, de steder og personligheder Giacometti omgav sig med.

Kann Kunst heilen? Die Welt zu einem besseren Ort machen? Zenita Komad möchte mit ihrer Arbeit genau das. Sie wendet sich mit außergewöhnlichen grafischen und skulpturalen Werken, Objektbildern, Installationen und Inszenierungen, mit klaren oder rätselhaften, kraftvollen, tiefgründigen, poetischen und oft auch witzigen Botschaften an die Menschen, um auf der Basis einer Verständigung zwischen unterschiedlichen Überzeugungen, Weltanschauungen und interreligiöser Spiritualität für eine gemeinsame Verantwortung für die Welt zu werben - denn alles steht mit allem in Verbindung.NIE WIEDER KRIEG! (Ausstellung im KULTUMuseum Graz, 3.2. bis 26.5. 2024) DER KRIEG IST AUS! (Ausstellung im MMKK Klagenfurt, 8.2. bis 19.5.2024)DIE WAFFEN NIEDER! (Installation, Land-Art-Projekt Die Grube/The Pit von Peter Noever, Breitenbrunn bis September 2024)So lauten drei aktuelle Groß-Projekte von Komad zum Thema Frieden und Gerechtigkeit. Sie laufen gut drei Monate lang parallel in drei Bundesländern. Open-Air-Installationen machen die titelgebenden Imperative der Zeit nach den Weltkriegen aus der Vogelperspektive lesbar und verbinden die Projekte zu einer Trilogie.Die Monografie zeigt sehr aktuelle Werke und solche aus den vergangenen Jahrzehnten, ergänzt dazu eine ausführliche Einführung von Johannes Rauchenberger, ein Gespräch der Künstlerin mit Chris­tine Wetzlinger-Grundnig, ein vollständniges Verzeichnis der gezeigten Arbeiten sowie die Vita von Zenita Komad.

GREEK SCULPTUREBy Estelle M. HurllA short introduction to Ancient Greek sculpture by Estelle M. Hurll, including many famous works of carving from the ancient world, such as the Winged Victory in the Louvre, the Parthenon Frieze, the Venus de Milo, the Disk-thrower, the Bust of Hera (Juno), the Faun by Praxiteles, and the Belvedere Apollo. Fully illustrated, with works discussed in the study. With a full colour cover. Painters Series. Bibliography and notes. www.crmoon.com

Was tut sich in der österreichischen Kunstszene, in den Ateliers und den alternativen Ausstellungsräumen? Und wie lässt sich die Vielfalt der Produktion und Präsentation von Kunst in einer Ausstellung darstellen? Der Katalog umfasst 44 künstlerische Positionen sowie 23 von Projekträumen kuratierte Ausstellungen-in-der-Ausstellung. Der Blick wird auf das gerichtet, was heute Kunst sein kann, auf Themen, Ästhetiken, Ausdrucksformen und darauf, wie Kunst wahrgenommen wird.3 Bände, durch die Bindung miteineinander verschränkt.Ed.: Luisa ZiajaText: Christiane Erharter, Andrea Kopranovic, Ana Petrovic, Claudia Slanar, Luisa Ziaja.

Das Buch, das zugleich als Dokumentation der gleichnamigen Ausstellungspräsentation im Haus Mödrath dient, präsentiert frühe Arbeiten aus der Privatsammlung Wilhelm Otto Nachf. Gezeigt werden vor allem Werke solcher Künstlerinnen und Künstler, die in den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren im Rheinland arbeiteten, als Köln neben New York das weltweite Zentrum der zeitgenössischen Kunst war.Über die Jahre formte sich bis heute eine Sammlung, die einen subjektiven Einblick in die damalige Kölner Kunstlandschaft liefert und erstmalig in dieser Form in Haus Mödrath zu sehen ist.Ergänzt werden Ausstellung und Katalog um Künstler und Kunstwerke, die sich diesem Kölner Zeitabschnitt unmittelbar anschlossen und einen wichtigen Schwerpunkt der heutigen Sammlung bilden.Mit Arbeiten von: Albert Oehlen, Andreas Schulze, Anna und Bernhard Blume, Antony Gormley, Blalla W. Hallmann, Christopher Wool, Fischli/Weiss, Georg Herold, Gregor Schneider, Günther Förg, Hiroshi Sugimoto, Isa Genzken, Jochen Lempert, John Bock, Joseph Beuys, Jürgen Klauke, Kai Althoff, Katharina Sieverding, Marcel Odenbach, Peter Duka, Rob Scholte, Roman Signer, Rosemarie Trockel, Siegfried Anzinger, Sigmar Polke, Thomas Zipp, Walter Dahn

Aldo Mozzini. Casematte ist das erste grosse Buch über den Schweizer Künstler Aldo Mozzini. Die Monografie zeigt seine vitale Kunst in mehr als 200 Abbildungen sowie in Texten bekannter Schweizer Kuratorinnen und Kuratoren. Ein Gespräch mit dem Künstler rundet den Band ab, der Mozzinis Beitrag zur zeitgenössischen Kunstszene der Schweiz hervorhebt. Aldo Mozzini, geboren 1956 in Locarno, lebt und arbeitet seit den 1980er-Jahren in Zürich. Galerien und Museen in der Schweiz, in Italien und in Frankreich zeigen seine Werke in Einzel- und Gruppenausstellungen, 2012 und 2019 wurde er mit dem Swiss Art Award ausgezeichnet. Im Laufe der Jahre hat er Tausende von Zeichnungen, Gemälden, Objekten, Fotografien, Skulpturen und Installationen geschaffen und sich dabei rastlos von einer Ausdrucksform zur anderen bewegt. Das Buch lässt 40 Jahre von Mozzinis Karriere Revue passieren und greift verschiedene Aspekte seines so humorvollen wie poetischen Schaffens auf. Das Ergebnis der künstlerischen Suche ist ein beeindruckendes malerisches und grafisches Werk, das eng mit den Skulpturen und Installationen verbunden ist, die nach wie vor die bevorzugten Medien Aldo Mozzinis sind.

Hanns Eisler was Arnold Schönberg's favourite pupil. He worked intensively with Bertolt Brecht andcomposed the GDR's national anthem. Veronika Eberhart's artistic study focuses on the years 1938to 1948, which the composer spent together with his wife Lou(ise) in exile in Los Angeles. Shortlyafter their arrival, the two became the focus of FBI investigations. They were bugged and followed.In 1947, Eisler was finally called before the House Un-American Activities Committee (HUAC), and ayear later he and his wife were deported from the USA. The book contains images from Eberhart'slatest film Garten sprengen (2022) and a series of new sculptural and photographic works thatcan be seen in her exhibition at the IKOB Museum of Contemporary Art in Belgium.Veronika Eberhart is an artist, filmmaker, and musician.

Artist Angela Glajcar works with fragile materials-torn strips of paper, delicate glass fabrics,and plastic-which she layers and curves to create sculptural forms that, with the help of incidentlight, develop into bodies that seem to glow from within. The sculptor made a name for herselfon the basis of her tiered paper sculptures: "terforations". The term comes from a combinationof foramen (hole) and terra incognita (unknown or unexplored territory). The catalogue raisonné,which includes more than 1,600 objects, reliefs, and spatial installations, gives a comprehensiveaccount of the trajectories involved in the development of artistic works that are often temporaryand site specific.Angela Glajcar, b. 1970 in Mainz, studied at the Academy of Fine Arts (AdBK) Nuremberg. Her workshave featured in exhibitions around world at venues that include Landesgalerie Niederösterreich,Jeonbuk Art Museum (South Korea), Kunstmuseum Bochum, National Museum of Women in theArts, Washington, DC, MOCA Jacksonville. She won the Paper Art Award in 2021. Sasa Hanten-Schmidt is the editor of the catalogue raisonné. As a court expert on art and head of AngelaGlajcar's studio, she has had a close connection with the artist's work for more than a decade

An eighty-year overview of wood and argillite carving by Indigenous women artists on the Northwest Coast.Though women of the Northwest Coast have long carved poles, canoes, panels, and masks, many of these artists have not become as well known outside their communities as their male counterparts. These artists are cherished within their communities for helping to keep traditional carving practices alive, and for maintaining the dances, songs, and ceremonies that are intertwined with visual art production. This book, and an associated exhibition at the Audain Art Museum, gathers a range of sculptural formats by Indigenous women in order to expand the discourse of carving in the region.Both the exhibition and publication are co-curated by Dana Claxton, artist, filmmaker and head of the University of British Columbia’s Department of Art History, Visual Art and Theory; and Dr. Curtis Collins, the AAM’s Director & Chief Curator. Commentaries by Skeena Reece, Claxton, and Marika Swan, and interviews with artists Dale Campbell and Mary Anne Barkhouse are presented alongside more than one hundred artworks from public and private collections across North America, including several newly commissioned pieces.Featured artists include:Ellen Neel (Kwakwaka'wakw, 1916–1966)Freda Diesing (Haida, 1925–2002)Doreen Jensen (Gitxsan, 1933–2009)Susan Point (Musqueam, b. 1952)Dale Campbell (Tahltan, b. 1954)Marianne Nicolson (Kwakwaka’wakw, b. 1969)Arlene Ness (Gitxsan, b. 1970s)Melanie Russ (Haida, b. 1977)Marika Swan (Nuu-chah-nulth, b. 1982)Morgan Asoyuf (Ts’msyen, b. 1984)Cori Savard (Haida, b. 1985)Cherish Alexander (Gitwangak, b. 1987)Stephanie Anderson (Wetsuwet’en, b. 1991)Veronica Waechter (Gitxsan, b. 1995)

Auto und Küche prallen in Lena Henkes Ausstellung "Good Year" im Museum Marta Herford aufeinander und stellen kleinbürgerliche Ideale, Markenversprechen und Heimatdefinitionen auf das Tablett. In der raumgreifenden Rauminstallation P7340LH adaptiert Henke eine von Poggenpohl in Kooperation mit Porsche-Design auf den Markt gebrachte Küche und presst Reifen in die Rasterordnung einer Küchenzeile.Als "Manual" erweitert der Künstlerkatalog die Bildwelten dieser Pole zwischen Lifestyleästhetik sowie Fragen von Prägung, Identität und Rollenbildern. Das produktive Arbeiten mit Recherchematerial und seine Umsetzung in Comics oder Collagen ist Teil von Henkes vielschichter Praxis, die sich von der Bildhauerei in weitere Dimensionen zieht und dabei stark vom räumlichen und umweltorientierten Denken geprägt ist.Lena Henke wurde 1982 in Warburg geboren, sie lebt und arbeitet in Berlin und New York. Sie ist die 5. Preisträgerin des Marta-Preis der Wemhöner Stiftung

Hans Uhlmanns (1900-1975) Metallplastiken und Zeichnungen prägten das Bild deutscher Nachkriegsmoderne. Von den Nationalsozialist*innen 1933 inhaftiert, entwarf er im Gefängnis Skizzen filigraner Drahtköpfe, die er nach seiner Entlassung verwirklichte. In den 1950er-Jahren entwickelten sich seine figurativen Formen zu abstrakten Kompositionen weiter. Die Ausstellungin der Berlinischen Galerie zeichnet anhand von rund achtzig Werken Uhlmanns Schaffensperioden von den 1930er- bis in die 1970er-Jahre nach und untersucht neben seinem zeichnerischen und bildhauerischen Schaffen seine Rolle innerhalb der West-Berliner Kunstszene. Es ist die erste umfassende Retrospektive seit mehr als fünfzig Jahren.

Tremulations präsentiert Objekte aus dem Archiv des Swedenborg-Hauses sowie Schriften und Kunstwerke u.a. von Marcel Duchamp, Meret Oppenheim, Yayoi Kusama und Apichatpong Weerasethakul. Die Publikation stellt die Orthodoxien des institutionellen Kuratierens in Frage und nimmt dabei wenig Rücksicht auf die traditionellen Formen der Kategorisierung der Welt. Sie kombiniert Elemente aus dem Archiv des Swedenborg-Hauses, darunter die Ohrknochen des Mystikers Emanuel Swedenborg, mit Werken der modernen und zeitgenössischen Kunst und Literatur. Der Katalog ist nach Swedenborgs "Neun Regeln der Tremulation" gegliedert und wird in Kapiteln unterteilt, die sich im physischen, zeitlichen und virtuellen Raum des Swedenborg-Hauses manifestieren. Swedenborgs Regeln sind ein Schema, um historische und zeitgenössische Formen der Verbreitung und Übertragung zu erforschen: Spiegelbilder, Träume, Reflexionen, divinatorische Visionen, Phantasien, Erinnerungen, Prophezeiungen und Halluzinationen sowie filmische Projektionsformen, die sich älterer Vermittlungstechnologien als Fernsehen und Video bedienen, sowie postkinematische und virtuelle Formen: The Bridge von Mark Leckey; Hilma af Klint: The Temple und It will End in Stars von Nathalie Djurberg & Hans Berg.

Das OEuvre des österreichischen Künstlers Alfredo Barsuglia ist so vielfältig wie die gegenwärtige Kunst selbst. Er ist nicht einzuordnen und doch zieht sich ein roter Faden durch sein Schaffen, der die unterschiedlichen Medien miteinander verbindet und Themen wie Realität und Fiktion, Privat und Öffentlich, Ökologie und Ökonomie raffiniert auf den Prüfstand stellt.Kunst und Kommunikation liegen für den in Wien lebenden Künstler Alfredo Barsuglia ganz nahe beieinander. Viele seiner Arbeiten sind vielschichtig zu interpretieren und regen gerade deshalb zum Diskurs an. Anlehnung nimmt der Künstler dabei am Prinzip der Mise en Scène, bei der die Schaffung einer Wirklichkeitsillusion im Vordergrund steht. Barsuglias szenische Erzählungen und artifizielle Settings schaffen eine Deutungsfülle, die den Betrachter:innen auch die eigene Rolle im Set vor Augen führt.

Dieses bemerkenswerte Projekt war eine Initiative von vier Sammlern aus Wien, die in einer ehemaligen Galerie im Zentrum Wiens aus ihren Beständen sehr persönlich ihre eigene Franz West-Ausstellung organisierten. Mit über 400 Werken aus allen Werkgruppen des Künstlers entstand die bisher umfassendste Einzelausstellung des Künstlers, die es je gab. Die Ausstellung, die ursprünglich nur für den privaten Rahmen gedacht war, musste wegen den zahlreichen Medienberichten, dem großen Interesse aller Franz West-Fans und der Neugierde der Passanten der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden. Der unmittelbare Zugang zu den Werken war im Gegensatz zu Museen erlaubt und gewollt. Alle Sofas, Liegen und Sessel konnten benutzt werden. Die Passstücke durften unter Aufsicht verwendet werden. Ed.: Heinz Neumann und Gernot Schauer. Text: Thomas Trummer, Andrea Überbacher, Peter Packesch, Robert Fleck, Heimo Zobernig.

Guidebook with information and description of over 50 statues and sculptures in Aarhus, including location maps and photos.

The Anahuacalli Museum in Mexico City, a pyramid-shaped structure of volcanic stone, was intended to be the final mansion of Diego Rivera and his wife, Frida Kahlo. Today, it houses Rivera's vast collection of pre-Columbian art. Unlike typical museums, the building's galleries resemble religious or ceremonial chambers, and the corridors are dramatic and cavernous.In 2022, artist Robert Janitz (b. 1962 in Alsfeld, Germany), who had recently moved to Mexico City from New York, was invited to exhibit his work at Anahuacalli. This catalog documents this extraordinary dialogue between pre-Hispanic and contemporary aesthetics. As an outsider, Janitz was free to respond to what he found compelling at Anahuacalli: the colors, the textures, the visionary architecture. Throughout the museum's three floors, Janitz installed large-scale paintings on the walls, even the ceiling and floor, to amplify and distort Rivera's almost ubiquitous decorative program. His paintings of tubular structures, halfway between hieroglyphs and shapes, were spotlit against the heavy, dark stone walls, giving them a jewel-like luminosity and creating an almost metaphysical and spiritual experience. Conceptually and chromatically, Anahuacalli seemed the perfect home for Janitz's extravagantly colored silhouettes.