Billedhuggerkunst. Skulptur

This beautiful book showcases the work of Daprato Statuary Company, a leading manufacturer of ecclesiastical art. From altars to statues to stained glass windows, the company's master craftsmen create breathtaking works of art that adorn churches and religious institutions around the world. A must-have for anyone interested in art or religious history.This work has been selected by scholars as being culturally important, and is part of the knowledge base of civilization as we know it.This work is in the "public domain in the United States of America, and possibly other nations. Within the United States, you may freely copy and distribute this work, as no entity (individual or corporate) has a copyright on the body of the work.Scholars believe, and we concur, that this work is important enough to be preserved, reproduced, and made generally available to the public. We appreciate your support of the preservation process, and thank you for being an important part of keeping this knowledge alive and relevant.

Mona Hatoum gilt als eine der einflussreichen Künstlerinnen ihrer Generation. Im Zentrum ihrer Arbeit steht die Auseinandersetzung mit Vertreibung und Ausgrenzung. Das Buch versammelt Schlüsselwerke der Künstlerin, von ihren Performances der 1980er Jahre bis hin zu neuen Skulpturen und Installationen.Text: Marius Babias, Kathrin Becker, Tamar Garb, Mona Hatoum.

Das Bunny Book katalogisiert Sarah Lucas' fortlaufende - und mittlerweile ikonische - skulpturale Bunny-Serie seit 1997. Die Skulpturen bestehen aus Strumpfhosen, die mit Kapok- oder Wollflaum gefüllt sind, aber auch aus Strümpfen (und später auch Schuhen), die an Stühlen befestigt sind. Es entsteht ein etwas unheimlicher Anblick sitzender weiblicher Akte in einem Zustand von Verletzlichkeit und Hingabe, der sich im Laufe der Zeit zu einer selbstbewussten, wenn nicht gar aufmüpfigen Haltung verändert. In diesem reich bebilderten Katalog, der Lucas' drei Jahrzehnte umspannt, sind die wichtigsten Werke der Serie versammelt, die durch die Hinzufügung von Farbe, Sockeln und Bronze-, Beton- und Metallguss weiterentwickelt wurden.Text: Roisin Tappioni, Nancy Spector.

With her first comprehensive monograph Infinite Walk, Katharina Lehmann (b. 1984) invites the reader on an individual artistic journey through her impressive oeuvre. The process of creating her works involve the artist walking back and forth using her unique thread-drip painting technique to create a fabric made up of hundreds of thousands of kilometres of yarn and acrylic paint which Lehmann then uses in a multitude of ways to create spatial installations, objects and pictures. Like a journey, the book also has several stages. In a total of eight chapters, the publication illuminates the artist's most significant creative phases to date. Beginning with 2014, which Katharina Lehmann described as her personal 'ground zero', the presentation extends to the present day and provides an outlook to new horizons.

When the group Rrose Irwin Sélavy was founded in Yugoslavia in 1983, its members DuSan Mandic (1954, Ljubljana), Miran Mohar (1958, Novo Mesto), Andrej Savski (1961, Ljubljana), Roman Uranjek (1961, Trbovlje, +2022, Ljubljana) and Borut Vogelnik (*1959, Kranj) were aged between 22 and 29. They all came from the punk and graffiti scene of Ljubljana. Together with the music group Laibach, the theater of the sisters Scipio Nasicas, and the designers from Neuer Kollektivismus (New Collectivism), IRWIN is still one of the main groups of the artists' collective Neue Slowenische Kunst (New Slovenian Art), founded in 1984.This volume is published to mark the 40th anniversary of the artists' collective and to accompany the exhibition at HMKV Dortmund. Since 1983, IRWIN has been investigating the art history of Eastern Europe, especially the ambivalent legacy of the historical avant-garde and its totalitarian successors, i.e. the dialectic of avant-garde and totalitarianism. Since the 1990s, the focus of the group has been on challenging the art history of "Western Modernism" in a critical and iconoclastic way. The artists playfully and darkly contrast it with the "retro avant-garde" and an "Eastern Modernism".The book, which can be read from both sides, is made up of two parts: the first chapter explores the black humor that is a consistent element in IRWIN's work. The second chapter examines issues relating to the state - and how IRWIN uses them to comment on current topics such as migration.

Nach der Zusammenführung dreier bedeutender Winterthurer Sammlungen zum Kunst Museum Winterthur werden in dem Band die Highlights der drei Häuser erstmals prächtig bebildert vorgestellt: von Rembrandt über Caspar David Friedrich bis Vincent van Gogh, von Pablo Picasso über Alberto Giacometti und Sophie Taueber-Arp bis Isa Genzken und Gerhard Richter.Das Kunst Museum Winterthur feiert im Jahr 2024 die Wiedereröffnung der Villa Flora. Damit wird der Zusammenschluss dreier Häuser und Sammlungen unter einem Dach in einem opulenten Bildband besiegelt. Der Katalog präsentiert die Museumsschätze des Kunstvereins Winterthur, der Stiftung Oskar Reinhart und der Hahnloser/Jäggli Stiftung mit 200 Meisterwerken klassischer Malerei, Skulptur und Graphik sowie jüngerer Medien wie Videoarbeiten und Installationen, die den Bogen vom Barock bis in die Gegenwart spannen.Mit Werken vonRembrandt van RijnJacob van RuisdaelCaspar David FriedrichFerdinand HodlerGiovanni GiacomettiMax LiebermannMax BeckmannClaude MonetEdouard ManetFélix VallottonPierre BonnardÉdouard VuillardVincent van GoghPiet MondrianSophie Taeuber-ArpPablo PicassoAlberto GiacomettiGiorgio MorandiLucio FontanaMario MerzMarisa MerzJohn ChamberlainAgnes MartinCarl AndréRobert MangoldRichard HamiltonLawrence WienerMaria LassnigRita McBrideIsa GenzkenGerhard RichterKatinka BockDavid ClaerboutCharlotte ProdgerOscar Tuazon u. a.

Füsun Onur ist eine der bedeutendsten Künstlerinnen der Türkei. 2022 hat sie den Türkischen Pavillon auf der Biennale von Venedig bespielt. Zwar ist ihr beeindruckendes und vielseitiges Werk durch regelmäßige Beteiligungen an Gruppenausstellungen einem internationalen Publikum kontinuierlich zugänglich gewesen, hat aber bislang keine ausreichende Würdigung erfahren. Der Katalog zur Retrospektive stellt Arbeiten aus den 1960er Jahren bis heute vor.Text: Merve Yesilada Çaglar, Yilmaz Dziewior, Barbara Engelbach und Emre Baykal, Süreyyya Evren, Füsun Onur, Nilüfer Sasmazer.

»Der er mange måder at se på. Hvis man forsøger at få øjnene til at stille skarpt på et punkt mellem stålet og de rosa rododendroner, der spejler sig i stålet – så har du faktisk den oplevelse af den virkning, jeg tilstræber, nemlig at opleve spejlingens magi.«Sådan fortæller billedkunstneren Polano, der arbejder i en række medier og materialer fra skulptur over grafik til maleri.Siden hun var helt ung har Bente Polano eksperimenteret med forskellige materialer, og gennem alle hendes værker skimtes en legende tilgang til skildringen af mennesket – og især menneskets forhold til naturen. Polano eksperimenterer i sine værker med spejlinger, lys og skygge, mens hun formidler menneskelige grundfølelser som melankoli, isolation og ensomhed, men også et rum for eftertanke.Polano debuterede på Charlottenborg sammen med kunstnerkollektivet Valsedronningerne, som hun gennem flere år arbejdede sammen med om bl.a. en udsmykning af Hvidovre Hospital.Bogen er forfattet af kunstkritiker Torben Weirup, og mellem hans portræt af Bente Polanos kunst og atelierliv møder vi også små citater fra Polanos egne notesbøger, der giver et unikt indblik i de kunstneriske tilblivelsesprocesser.Torben Weirup går i bogen ikke kun i dybden med Polanos kunst. Gennem værker fra 1970’erne til i dag tegner Weirup et spændende billede af udviklingen i Polanos kunst såvel som dansk kunsthistorie.

Ugo Rondinone's 2022 exhibition the water is a poem unwritten by the air / no. the earth is a poem unwritten by the fire at the Petit Palais in Paris explores the theme of transformation. Ugo Rondinone presents three ensembles of sculptures and a monumental video installation. Earth, sky, air, water and fire are invoked in the fullness of their spiritual dimension. Under the museum's painted ceilings, the first ensemble welcomes visitors in a farandole of suspended bodies painted in a clouded sky camouflage, underlining the ephemeral melding of air and water. A second ensemble is composed of seated sculptures of dancers at rest made from a blend of wax and earth collected from seven continents. The centerpiece artwork titled burn to shine, is a film installation presented in a monumental charred wood cylinder. The artwork depicts bodies coming together throughout movement, with dancers and musicians gathered around a fire in the desert from sunset to sunrise. In echo with John Giorno's poem titled You Got To Burn To Shine. This catalogue is a unique document of the dialogue between Rondinone's works confronted with the museum's architecture and its collections.UGO RONDINONE (*1964, Brunnen, Switzerland) is recognized as one of the major voices of his generation, an artist who composes searing meditations on nature and the human condition while establishing an organic formal vocabulary in sculpture, painting, video, and performance. The New York-based artist borrows from ancient and modern cultural sources; his works exude pathos and humor, going straight to the heart of the most pressing issues of our time.

What if there existed a second Voynich Manuscript that continued where the first one left off?

Die Publikation begleitet die erste Mid-Career-Retrospektive einer Künstlerin, die es versteht, visuell zu verführen und zugleich inhaltlich zu berühren. Dabei nutzt sie die Wirkungsmacht von inhaltlich aufgeladenen Farben, Licht und Materialien, um globale Geschichte(n) aus neuen Perspektiven zu erzählen.Text: Julie Pellegrin, Uta Ruhkamp, Veronika Mehlhart, Dino Steinhof.

Christiane Löhr schafft einen einzigartigen skulpturalen und installativen Kosmos mit Materialien aus der Natur. Organische Elemente wie Flugsamen, Pflanzenstängel, Kletten, Baumblüten, Pferde- und Hundehaar nutzt sie als Konstruktionsmaterial für ihr organisch-abstraktes Formenrepertoire. Auf überraschende Weise transformiert sie die vergänglichen Materialien in präzise konstruierte, zarte Skulpturen, mal filigran, mal raumgreifend. Passend zu der groß angelegten Überblicksausstellung lässt sich der Katalog als eine Art Anthologie verstehen: Neben aktuellen Texten von Julia Wallner, Jutta Mattern, Astrid von Asten und Tiziano Scarpa vereint er Essays diverser Autor*innen zum Werk der Künstlerin aus den vergangenen Jahrzehnten. Ergänzt wird er durch In-Situ-Fotos der Skulpturen im lichtdurchfluteten Bau des Arp Museums Bahnhof Rolandseck von Richard Meier.CHRISTIANE LÖHR (*1965, Wiesbaden), die in Köln und in Prato in der Toskana arbeitet, ist eine der wichtigsten Stimmen im aktuellen Diskurs um neue, zeitbezogene Ansätze in der Skulptur. Ihre Werke sind weltweit zu sehen, u.a. war sie Teilnehmerin der von Harald Szeemann kuratierten 49. Biennale di Venezia. Einzelausstellungen wurden ihr in der Panza Collection, Varese, im Kunsthaus Baselland, im Skulpturenpark Waldfrieden, Wuppertal sowie im Haus am Waldsee, Berlin gewidmet.