Installationskunst

Das Buch, das zugleich als Dokumentation der gleichnamigen Ausstellungspräsentation im Haus Mödrath dient, präsentiert frühe Arbeiten aus der Privatsammlung Wilhelm Otto Nachf. Gezeigt werden vor allem Werke solcher Künstlerinnen und Künstler, die in den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren im Rheinland arbeiteten, als Köln neben New York das weltweite Zentrum der zeitgenössischen Kunst war.Über die Jahre formte sich bis heute eine Sammlung, die einen subjektiven Einblick in die damalige Kölner Kunstlandschaft liefert und erstmalig in dieser Form in Haus Mödrath zu sehen ist.Ergänzt werden Ausstellung und Katalog um Künstler und Kunstwerke, die sich diesem Kölner Zeitabschnitt unmittelbar anschlossen und einen wichtigen Schwerpunkt der heutigen Sammlung bilden.Mit Arbeiten von: Albert Oehlen, Andreas Schulze, Anna und Bernhard Blume, Antony Gormley, Blalla W. Hallmann, Christopher Wool, Fischli/Weiss, Georg Herold, Gregor Schneider, Günther Förg, Hiroshi Sugimoto, Isa Genzken, Jochen Lempert, John Bock, Joseph Beuys, Jürgen Klauke, Kai Althoff, Katharina Sieverding, Marcel Odenbach, Peter Duka, Rob Scholte, Roman Signer, Rosemarie Trockel, Siegfried Anzinger, Sigmar Polke, Thomas Zipp, Walter Dahn

an Flavin began work with fluorescent light tubes from the early 1960s on; arranged in so-called 'situations', he would then further develop them into series and large-scale installations. The colours and dimensions of the materials he used were prescribed by industrial production. Flooded in light, viewers themselves become part of the works: The space, along with the objects within it, are set in relation to each other and thus become immersive experiences of art triggering sensual, almost spiritual experiences. Flavin liberated colour from the two-dimensionality of painting. The catalogue places emphasis on looking at Flavin's oeuvre in a less familiar setting: His pieces, although initially without clearly recognisable signature, frequently make reference in their titles to concrete events, such as wartime atrocities or police violence, or are dedicated to other artists - as in the work untitled.Text: Text: Aden Kumler, Simon Baier, Elena Degen, Jules Pelta Feldman, Josef Helfenstein, Aden Kumler, Daniel Kurjakovic, Arthur Fink, Olga Osadtschy, Mechtild Widrich.

Aldo Mozzini. Casematte ist das erste grosse Buch über den Schweizer Künstler Aldo Mozzini. Die Monografie zeigt seine vitale Kunst in mehr als 200 Abbildungen sowie in Texten bekannter Schweizer Kuratorinnen und Kuratoren. Ein Gespräch mit dem Künstler rundet den Band ab, der Mozzinis Beitrag zur zeitgenössischen Kunstszene der Schweiz hervorhebt. Aldo Mozzini, geboren 1956 in Locarno, lebt und arbeitet seit den 1980er-Jahren in Zürich. Galerien und Museen in der Schweiz, in Italien und in Frankreich zeigen seine Werke in Einzel- und Gruppenausstellungen, 2012 und 2019 wurde er mit dem Swiss Art Award ausgezeichnet. Im Laufe der Jahre hat er Tausende von Zeichnungen, Gemälden, Objekten, Fotografien, Skulpturen und Installationen geschaffen und sich dabei rastlos von einer Ausdrucksform zur anderen bewegt. Das Buch lässt 40 Jahre von Mozzinis Karriere Revue passieren und greift verschiedene Aspekte seines so humorvollen wie poetischen Schaffens auf. Das Ergebnis der künstlerischen Suche ist ein beeindruckendes malerisches und grafisches Werk, das eng mit den Skulpturen und Installationen verbunden ist, die nach wie vor die bevorzugten Medien Aldo Mozzinis sind.

How We Hold: Rehearsals in Art and Social Change is an invitation to arts educators, facilitators, organisers and those who are interested in working collectively with others, who want to use creative practice to work towards change, through personal and social transformation. Designed to be used both within organisations and as a tool to critique them, How We Hold supports dissenting and oppositional conversations, and offers pragmatic challenges to neoliberal and colonial models of education and administration still found in museums, arts organisations and other institutions today.Ed.: Layla Gatens and Jemma Egan.

Pan Daijing devises performances and exhibitions as Gesamtkunstwerke, total works of art inwhich architectural intervention, light, sound, and movement interact to tell stories that go beyondlanguage. Her haunting compositions for voice and electronic instruments combine opera andnoise music. Mute-in which the artist and composer examines silence and liveness-is Pan'sbiggest solo exhibition to date. This monograph is published in conjunction with the exhibitionand in collaboration with Tai Kwun Contemporary is the first comprehensive presentation of Pan'swork in the dynamic zone straddling music and visual art.Pan Daijing, b. 1991 in Guiyang, China, lives as an artist and composer in Berlin. She is one of thewinners of the prestigious Preis der Nationalgalerie 2024. Sarah Johanna Theurer, b. 1988, is acurator, whose focus is on time-based arts and techno-social entanglements. She is currentlyworking in the Haus der Kunst in Munich.

Beverly Pepper has long been internationally known for her cast-iron, stainless steel, and Cor-ten steel sculptures of colossal scale and immense power. Since the 1970s, she has also made landscapes that exert a spiritual force, transcending artistic style. Examining three site-specific sculptures created by Pepper between 1989 and 1996, art historian Barbara Rose documents the development of Pepper's designs on the land, exploring both their resonance with their locales and their timeless quality.

Auto und Küche prallen in Lena Henkes Ausstellung "Good Year" im Museum Marta Herford aufeinander und stellen kleinbürgerliche Ideale, Markenversprechen und Heimatdefinitionen auf das Tablett. In der raumgreifenden Rauminstallation P7340LH adaptiert Henke eine von Poggenpohl in Kooperation mit Porsche-Design auf den Markt gebrachte Küche und presst Reifen in die Rasterordnung einer Küchenzeile.Als "Manual" erweitert der Künstlerkatalog die Bildwelten dieser Pole zwischen Lifestyleästhetik sowie Fragen von Prägung, Identität und Rollenbildern. Das produktive Arbeiten mit Recherchematerial und seine Umsetzung in Comics oder Collagen ist Teil von Henkes vielschichter Praxis, die sich von der Bildhauerei in weitere Dimensionen zieht und dabei stark vom räumlichen und umweltorientierten Denken geprägt ist.Lena Henke wurde 1982 in Warburg geboren, sie lebt und arbeitet in Berlin und New York. Sie ist die 5. Preisträgerin des Marta-Preis der Wemhöner Stiftung

Tremulations präsentiert Objekte aus dem Archiv des Swedenborg-Hauses sowie Schriften und Kunstwerke u.a. von Marcel Duchamp, Meret Oppenheim, Yayoi Kusama und Apichatpong Weerasethakul. Die Publikation stellt die Orthodoxien des institutionellen Kuratierens in Frage und nimmt dabei wenig Rücksicht auf die traditionellen Formen der Kategorisierung der Welt. Sie kombiniert Elemente aus dem Archiv des Swedenborg-Hauses, darunter die Ohrknochen des Mystikers Emanuel Swedenborg, mit Werken der modernen und zeitgenössischen Kunst und Literatur. Der Katalog ist nach Swedenborgs "Neun Regeln der Tremulation" gegliedert und wird in Kapiteln unterteilt, die sich im physischen, zeitlichen und virtuellen Raum des Swedenborg-Hauses manifestieren. Swedenborgs Regeln sind ein Schema, um historische und zeitgenössische Formen der Verbreitung und Übertragung zu erforschen: Spiegelbilder, Träume, Reflexionen, divinatorische Visionen, Phantasien, Erinnerungen, Prophezeiungen und Halluzinationen sowie filmische Projektionsformen, die sich älterer Vermittlungstechnologien als Fernsehen und Video bedienen, sowie postkinematische und virtuelle Formen: The Bridge von Mark Leckey; Hilma af Klint: The Temple und It will End in Stars von Nathalie Djurberg & Hans Berg.

Das OEuvre des österreichischen Künstlers Alfredo Barsuglia ist so vielfältig wie die gegenwärtige Kunst selbst. Er ist nicht einzuordnen und doch zieht sich ein roter Faden durch sein Schaffen, der die unterschiedlichen Medien miteinander verbindet und Themen wie Realität und Fiktion, Privat und Öffentlich, Ökologie und Ökonomie raffiniert auf den Prüfstand stellt.Kunst und Kommunikation liegen für den in Wien lebenden Künstler Alfredo Barsuglia ganz nahe beieinander. Viele seiner Arbeiten sind vielschichtig zu interpretieren und regen gerade deshalb zum Diskurs an. Anlehnung nimmt der Künstler dabei am Prinzip der Mise en Scène, bei der die Schaffung einer Wirklichkeitsillusion im Vordergrund steht. Barsuglias szenische Erzählungen und artifizielle Settings schaffen eine Deutungsfülle, die den Betrachter:innen auch die eigene Rolle im Set vor Augen führt.

The Anahuacalli Museum in Mexico City, a pyramid-shaped structure of volcanic stone, was intended to be the final mansion of Diego Rivera and his wife, Frida Kahlo. Today, it houses Rivera's vast collection of pre-Columbian art. Unlike typical museums, the building's galleries resemble religious or ceremonial chambers, and the corridors are dramatic and cavernous.In 2022, artist Robert Janitz (b. 1962 in Alsfeld, Germany), who had recently moved to Mexico City from New York, was invited to exhibit his work at Anahuacalli. This catalog documents this extraordinary dialogue between pre-Hispanic and contemporary aesthetics. As an outsider, Janitz was free to respond to what he found compelling at Anahuacalli: the colors, the textures, the visionary architecture. Throughout the museum's three floors, Janitz installed large-scale paintings on the walls, even the ceiling and floor, to amplify and distort Rivera's almost ubiquitous decorative program. His paintings of tubular structures, halfway between hieroglyphs and shapes, were spotlit against the heavy, dark stone walls, giving them a jewel-like luminosity and creating an almost metaphysical and spiritual experience. Conceptually and chromatically, Anahuacalli seemed the perfect home for Janitz's extravagantly colored silhouettes.

This beautiful book showcases the work of Daprato Statuary Company, a leading manufacturer of ecclesiastical art. From altars to statues to stained glass windows, the company's master craftsmen create breathtaking works of art that adorn churches and religious institutions around the world. A must-have for anyone interested in art or religious history.This work has been selected by scholars as being culturally important, and is part of the knowledge base of civilization as we know it.This work is in the "public domain in the United States of America, and possibly other nations. Within the United States, you may freely copy and distribute this work, as no entity (individual or corporate) has a copyright on the body of the work.Scholars believe, and we concur, that this work is important enough to be preserved, reproduced, and made generally available to the public. We appreciate your support of the preservation process, and thank you for being an important part of keeping this knowledge alive and relevant.

Mona Hatoum gilt als eine der einflussreichen Künstlerinnen ihrer Generation. Im Zentrum ihrer Arbeit steht die Auseinandersetzung mit Vertreibung und Ausgrenzung. Das Buch versammelt Schlüsselwerke der Künstlerin, von ihren Performances der 1980er Jahre bis hin zu neuen Skulpturen und Installationen.Text: Marius Babias, Kathrin Becker, Tamar Garb, Mona Hatoum.

Elli ist nach einem Unfall im Wachkoma gefangen. Doch sie erkennt, dass sie die Körper von Schlafenden übernehmen kann. Will ihr Mann Mick sie ins Jenseits befördern? Kann sie ihn mit Hilfe ihres Jugendfreundes Pidder daran hindern? Was genau haben Kylie Monique und Helene Fleischer mit der ganzen Sache zu tun? Und was zur Hölle will der Krakauer? Es fängt alles damit an, dass Elli die Decke auf den Kopf fällt. Im wahrsten Sinne des Wortes. Bis zu diesem Ereignis lief alles bestens: Elli ist Teilhaberin eines erfolgreichen Unternehmens, hat einen jungen Ehemann, den sie über alles liebt und sie muss sich keine finanziellen Sorgen machen. Doch dann ändert der Unfall alles. Ihr Bewusstsein ist fortan in ihrem regungslosen Körper gefangen. Das ¿Locked-In-Syndrom¿ verhindert, dass sie zu irgendeiner Kommunikation mit der Außenwelt in der Lage ist. Was sich wie der Beginn eine Tragödie anhört, ist der Startschuss einer turbulenten Geschichte über Freundschaft, Lebensmut und Empathie. Die Leserinnen und Leser erhalten Einblick in Ellis Gedankenwelt, die ¿ trotz oder gerade wegen ihrer fehlenden körperlichen Mobilität - erfrischen aktiv ist. In ihrem ¿Head-Office¿ bestimmt sie die Regeln. Und sie hat ein Geheimnis: Sie kann sich im wahrsten Sinne des Wortes ¿in andere hineinversetzen¿. Sie selbst nennt diesen Vorgang ¿Napping¿. Elli entdeckt, dass Mick zusammen mit seiner Geliebten Vicky ihren Tod plant. Es beginnt ein Wettlauf mit der Zeit. Als Elli in ein geheimes Versteck entführt wird, versucht sie mit Pidder Kontakt aufzunehmen. Ein Verwirrspiel beginnt, bei dem immer wieder die Perspektive gewechselt wird. Die Leserinnen und Leser fragen sich gemeinsam mit Pidder: ¿Elli, bist düs?¿. Neben einer wilden Verfolgungsjagd durch die imaginäre Landschaft des ¿oberen Niederrhein¿ geht es vor allem um einen Roadtrip durch die Köpfe der Protagonisten. Im Mittelpunkt des Ganzen liegt Elli: die Frau, die sich von der ersten bis zur letzten Seite keinen Millimeter aus eigener Kraft bewegen kann. Im verzweifelten Versuch, ihr Leben zu retten, treibt sie die Handlung voran, mischt sich ein und sorgt auf vielfache Weise für Chaos.Bernd Stelter: ¿... eine abgefahrene Story, die sich immer weiter steigert. Ich bin begeistert, meine Frau auch!¿ https://youtu.be/RfPWhAhT_FQ

I forbindelse med kunstner Jørgen Michaelsens aktuelle udstillingCyber versusBuddha på Holstebro Kunstmuseum udgiver forlaget Antipyrine et katalog isamme navn. Bogen Cyberversus Buddha er et værk i egen ret og indeholder litterære bidrag i formaf en korrespondance mellem forfatteren René Jean Jensen og Jørgen Michaelsen,der også sammen har kommenteret en serier værker, collager, som indgår iudstillingen. Herudover indeholder bogen kunsthistoriske essays af Teresa ØstergaardPedersen og MagnusThorø Clausen, samt naturligvis installationsfotos mm. fra selve udstillingen.Udoverkataloget udgiver Antipyrineyderligere to bøger af Jørgen Michaelsen, sangbogen Cockroach og poesibogen Tusind borgerhaikuer, der alle ernært sammenvævede med udstillingen, dens tematikker og perspektiver.Europæiskidentitet mellem verdenskriser Cyber versus Buddha udfoldersig helt generelt som en kritisk-eksperimentel perspektivering af despændinger, der netop nu kendetegner den dominerende bevidsthedsform i denvestlige kultur. Et væsentligt historisk tema er den europæiske idé om USA somrealiseringen af den moderne utopi og i særdeleshed den udvikling, som denneforestilling har gennemgået siden 1945. Efter den kolde krigs afslutning medSovjetunionens sammenbrud i 1991 er den europæiske idealisering af USA ogamerikansk kultur efterhånden kommet under pres. Ruslands invasion af Ukrainehar måske nok styrket NATO-alliancen, men har især eksponeret Europas problemmed at optræde som samlet autonom aktør på den globale geopolitiske scene, derisær præges af tiltagende rivalisering mellem nøglespillerne USA og Kina, menhvor udviklingen generelt går i retning af en multipolær verdensorden, hvorVestens førende rolle ikke længere er givet.En samtidsdiagnose Under denne identitetskrise ligger et komplekst trusselsbillede afforestillinger om enorme migrationsstrømme udløst af politisk ustabilitet ogøkonomisk ulighed, tilspidset kamp om kontrol over ressourcer, den kritiskeinfrastrukturs voksende sårbarhed som følge af cyberteknologiernes stigendekompleksitet, staters og private firmaers stadig mere gennemgribendeovervågning af borgerne, demokratiets tilbagegang på verdensplan samt denglobale biosfæres sandsynligvis kommende kollaps forårsaget af de nuværendepolitisk-økonomiske strukturers tilsyneladende uforanderlighed. Alt detteoptræder i kølvandet på en international finanskrise, en globalCOVID-19-pandemi samt USA og de øvrige vestlige landes tilbagetrækning fraAfghanistan efter 20 års fejlslagen nationsbygning, hvilket i sidste endeindikerer Vestens erkendelse, eller i al fald følelse, af det universelleoplysningsprojekts principielle sammenbrud. <font face="Arial, Helvetica, sans-serif">@font-face {font-family:"Cambria Math"; panose-1:2 4 5 3 5 4 6 3 2 4; mso-font-charset:0; mso-generic-font-family:roman; mso-font-pitch:variable; mso-font-signature:-536870145 1107305727 0 0 415 0;}@font-face {font-family:Calibri; panose-1:2 15 5 2 2 2 4 3 2 4; mso-font-charset:0; mso-generic-font-family:swiss; mso-font-pitch:variable; mso-font-signature:-536859905 -1073732485 9 0 511 0;}@font-face {font-family:"Minion Pro"; panose-1:2 4 5 3 5 3 6 2 2 3; mso-font-charset:0; mso-generic-font-family:roman; mso-font-format:other; mso-font-pitch:variable; mso-font-signature:1610613383 1 0 0 415 0;}p.MsoNormal, li.MsoNormal, div.MsoNormal {mso-style-unhide:no; mso-style-qformat:yes; mso-style-parent:""; margin:0cm; mso-pagination:widow-orphan; font-size:12.0pt; font-family:"Calibri",sans-serif; mso-ascii-font-family:Calibri; mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-fareast-font-family:Calibri; mso-fareast-theme-font:minor-latin; mso-hansi-font-family:Calibri; mso-hansi-theme-font:minor-latin; mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-bidi-theme-font:minor-bidi; mso-font-kerning:1.0pt; mso-ligatures:standardcontextual; mso-fareast-language:EN-US;}p {mso-style-noshow:yes; mso-style-priority:99; mso-margin-top-alt:auto; margin-right:0cm; mso-margin-bottom-alt:auto; margin-left:0cm; mso-pagination:widow-orphan; font-size:12.0pt; font-family:"Times New Roman",serif; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";}.MsoChpDefault {mso-style-type:export-only; mso-default-props:yes; font-family:"Calibri",sans-serif; mso-ascii-font-family:Calibri; mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-fareast-font-family:Calibri; mso-fareast-theme-font:minor-latin; mso-hansi-font-family:Calibri; mso-hansi-theme-font:minor-latin; mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-bidi-theme-font:minor-bidi; mso-fareast-language:EN-US;}div.WordSection1 {page:WordSection1;}</font>

Når vandmolekyler roterer i ubegribelige flokke, bevæger både døde og levende organismer sig i havet, som om begreberne liv og død nærmest var en slags materialer. Maja Ingerslevs nye bog ”Ghost Ocean” holder denne berømte dans mellem liv og død frem for læseren med papiret som det symbiotiske materiale. Forfatteren Rikke Hansen kredser i bogens essay Havet er et forundringsnet om at læse havets egen skrift, også som en måde at reflektere over den aktuelle krise i havet omkring Danmark på.

With her first comprehensive monograph Infinite Walk, Katharina Lehmann (b. 1984) invites the reader on an individual artistic journey through her impressive oeuvre. The process of creating her works involve the artist walking back and forth using her unique thread-drip painting technique to create a fabric made up of hundreds of thousands of kilometres of yarn and acrylic paint which Lehmann then uses in a multitude of ways to create spatial installations, objects and pictures. Like a journey, the book also has several stages. In a total of eight chapters, the publication illuminates the artist's most significant creative phases to date. Beginning with 2014, which Katharina Lehmann described as her personal 'ground zero', the presentation extends to the present day and provides an outlook to new horizons.

When the group Rrose Irwin Sélavy was founded in Yugoslavia in 1983, its members DuSan Mandic (1954, Ljubljana), Miran Mohar (1958, Novo Mesto), Andrej Savski (1961, Ljubljana), Roman Uranjek (1961, Trbovlje, +2022, Ljubljana) and Borut Vogelnik (*1959, Kranj) were aged between 22 and 29. They all came from the punk and graffiti scene of Ljubljana. Together with the music group Laibach, the theater of the sisters Scipio Nasicas, and the designers from Neuer Kollektivismus (New Collectivism), IRWIN is still one of the main groups of the artists' collective Neue Slowenische Kunst (New Slovenian Art), founded in 1984.This volume is published to mark the 40th anniversary of the artists' collective and to accompany the exhibition at HMKV Dortmund. Since 1983, IRWIN has been investigating the art history of Eastern Europe, especially the ambivalent legacy of the historical avant-garde and its totalitarian successors, i.e. the dialectic of avant-garde and totalitarianism. Since the 1990s, the focus of the group has been on challenging the art history of "Western Modernism" in a critical and iconoclastic way. The artists playfully and darkly contrast it with the "retro avant-garde" and an "Eastern Modernism".The book, which can be read from both sides, is made up of two parts: the first chapter explores the black humor that is a consistent element in IRWIN's work. The second chapter examines issues relating to the state - and how IRWIN uses them to comment on current topics such as migration.

Renate Bertlmann ist eine der wesentlichen Protagonistinnen der österreichischen feministischen Avantgarde. Dieser Band gibt einen Überblick über das ironische und provokative Oeuvre dieser österreichischen Künstlerin. Bertlmanns radikale, ironisch-provokative Arbeiten unterwandern gesellschaftliche Zuschreibungen und Stereotype von Geschlecht, Weiblichkeit und Männlichkeit.Text: Renate Bertlmann, Andrea Kopranovic, Rebekka Reuter, Gabriele Schor, Felicitas Thun-Hohenstein.

Benoît Piérons künstlerische Praxis ist durch seine lebenslange Erfahrung mit Krankheit sowie eine Kindheit geprägt, die er größtenteils im Krankenhaus verbrachte. Er beschäftigt sich mit dem medizinischen und gesellschaftlichen Umgang mit kranken Körpern, mit Erfahrungen des Wartens und der Ungewissheit. Mit Objekten aus Krankenhauslaken Decken, Flaggen, Kissen und Plüschtier-Fledermäusen treten an die Stelle der rigiden Infrastruktur des Krankenhauses sinnliche Körper, die, so der Künstler, der Krankheit "Plastizität" verleihen. Indem er Parallelen zwischen Haut und Stoff, zwischen medizinischen Stichen und dem Nähen herstellt, erschafft Piéron aus individuellen Schicksalen künstlerische Objekte und erobert den kranken Körper aus den Händen der Medizin zurück. Mit der Medizin teilt Piéron die "kindliche Neugier", wissen zu wollen, was unter seiner Haut vor sich geht. Ihm geht es allerdings nicht um die "Reparatur" eines als krank verstandenen Körpers, sondern darum, jenen institutionellen und gesellschaftlichen Kräften Widerstand zu leisten, die seinen Körper als "krank" einstufen. So verwandelt Piéron seine Krankheit in eine Kunst des Überlebens.Text: Élisabeth Lebovici. Benoît Piéron im Gespräch mit Manuela Ammer

Die erste Monographie zu einer in Deutschland bislang wenig beachteten Künstlerin. Enthält umfangreiches Bildmaterial aus Raspés Archiv, Film-Stills sowie Installationsansichten.Text: Kari Rittenbach, Emily LaBarge, Anna Gritz, Eva Wilson.

Füsun Onur ist eine der bedeutendsten Künstlerinnen der Türkei. 2022 hat sie den Türkischen Pavillon auf der Biennale von Venedig bespielt. Zwar ist ihr beeindruckendes und vielseitiges Werk durch regelmäßige Beteiligungen an Gruppenausstellungen einem internationalen Publikum kontinuierlich zugänglich gewesen, hat aber bislang keine ausreichende Würdigung erfahren. Der Katalog zur Retrospektive stellt Arbeiten aus den 1960er Jahren bis heute vor.Text: Merve Yesilada Çaglar, Yilmaz Dziewior, Barbara Engelbach und Emre Baykal, Süreyyya Evren, Füsun Onur, Nilüfer Sasmazer.

Die Monografie begleitet die Personale, die vom 10. Oktober 2023 bis 14. Jänner 2024 im Museum Moderner Kunst Kärnten (MMKK) neue Arbeiten von Eric Kressnig zeigt."Vielfältige Reflexionsmaschinen" nennt Kressnig seine Werke - geometrisch abstrakte Malerei, Grafik, Fotografie, erweitert zu Objekten und Installationen, die komplexen konzeptuellen und konstruktiven Methoden folgen, von höchster handwerklicher Präzision sind und mit minimalen Abweichungen, Verschiebungen oder Auslassung dazu einladen, den ihnen eingeschriebenen künstlerischen Prozess mit all seinen Facetten zu erkunden.Texte von Andreas Spiegl und Christine Wetzlinger-Grundnig eröffnen Zugänge zum Werk des vielfach ausgezeichneten Künstlers, in einem Interview mit Andreas KriStof kommt er auch selbst zu Wort. Eine ausführliche Biografie dokumentiert Eric Kressnigs beachtliche Präsenz in Ausstellungen, Publikationen sowie Sammlungen.»Es geht nicht um große Würfe, sondern interessant sind die kleinen Schritte, die Feinheiten und ihre Effekte auf Werk und Wahrnehmung. Es geht um Stufen, die gesetzt und Schwellen, die unter- oder überschritten werden (müssen), um einen Grenzgang entlang der Linie zwischen den Polen von Sichtbarem und Unsichtbarem, Realität und Illusion, Statik und Dynamik, Zwei- und Dreidimensionalität und um die Räume dazwischen - die Zonen der Übergänge - die das eigentliche Feld sind, auf dem sich die Arbeit von Eric Kressnig aufspannt.« Christine Wetzlinger-Grundnig»Eine Kunst als Uhrwerk, in dem das Zeitliche und Farbige, das Chronische und Chromatische den Takt angeben und einen anderen Begriff von Zeit einläuten, eine Gegenwart und Gegenwärtigkeit, in der die Gegensätze und Widersprüche nicht ausgelöscht oder ausgeblendet, aber in Balance und Schwebe gehalten werden.« Andreas Spiegl