Performancekunst

Es werden 31 (meist) neu konzipierte Werke gezeigt - u.a. von Louise Bourgeois, VALIE EXPORT, Dan Graham, Thomas Houseago, Alfred Hrdlicka, Iman Issa, Anna Jermolaewa / Manfred Grübl, Kapwani Kiwanga, Goshka Macuga, Hans Op de Beeck, Kara Walker, Lois Weinberger, Franz West, Fritz Wotruba, Heimo Zobernig.Text: Joanna Warsza, Christiane Erharter, Miroslav Halák, Sergey Harutoonian, Sabine Knierbein / Alexandra Ullmann, Axel Köhne, Andrea Kopranovic, Georg Lechner, Stella Rollig, Claudia Slanar, Mechtild Widrich, Luisa Ziaja.

The film Trash The Musical (2023), from which the exhibition also takes its name, was elaboratedby Loretta Fahrenholz over the last two years in collaboration with performance artist Alicia McDaid. Assembled into a wild post-cinematic collage by Fahrenholz, McDaid's performances are a radical exploration of personal anxieties and questions of aging, unfulfilled dreams, ghosting, and the difference between art and trash. Two new image series, Once Upon a Time in Enemy-Occupied France and i make mistakes just to learn who i am (both 2023), are a continuation of Fahrenholz's interest in the processes of digital imagery.Ed.: Markus Hannebauer. Text: Felix Bernstein, Magnus Schaefer.

Wir ist Zukunft. Visionen neuer Gemeinschaften kreist um die Sehnsucht nach einer idealen Gemeinschaft, eines harmonischen Lebens mit der Natur und miteinander. Das Buch blickt in sechs Kapiteln auf 120 Jahre künstlerische Visionen des Zusammenlebens: Ausgehend von der Lebensreformbewegung um 1900, über die visionären Architekturentwürfe von Bruno Taut oder Wenzel Hablik zu Constants Stadtutopie New Babylon, in deren Zentrum der spielerische Mensch stehen sollte; vom Hippie-Modernismus der 1960er-Jahre, über den Afrofuturismus bis zu zeitgenössischen Positionen, die eine Symbiose aller Lebewesen in und mit der Natur anregen. Die vorgestellten Werke sind Ausdruck eines Strebens nach neuen Lebensentwürfen in Gegenwart und Zukunft. Die künstlerische Perspektive wird in der Publikation durch wissenschaftliche und persönliche Beiträge und ein Künstlerinterview erweitert. In seiner nachhaltigen Gestaltung ist der Katalog ebenfalls einem Ideal auf der Spur.

Need a breakthrough in your movement ministry? Desiring to know why you were chosen for dance ministry? Want to be even more purposeful, powerful, and passionate? "For This Cause I Bow My Knees: A Moving Testament" will uplift, inspire, and inform the reader concerning the ministry of movement. Whether just starting a ministry or functioning as a seasoned veteran, this book will answer many questions or confirm what has already been revealed by the Spirit. The author provides a solid understanding of Old and New Testament dance, shares wisdom and insight, and outlines practical applications for both the solo dancer and large groups. Through the context of Scripture, the writer unveils several reasons that serve as proof of the necessity of movement in life and ministry. Inquiries will be replaced with a renewed quest for knowledge of the Word. The function of the movement minister in the church setting and in the public will come to light. The reason will be certain, and the cause will be made known as we discover why every knee should bow. Come now, and let us reason together!

My Body is a Battlefield offers a comprehensive insight into the work of the Ukrainian artist Maria Kulikovska, born in Crimea in 1988. Already in her early works she deals with patriarchal structures and the absence of female subjectivity in Ukrainian art. With the annexation of Crimea and the ensuing war, questions of identity and belonging and the themes of border and violence become leitmotifs of her artistic practice. Kulikovska's sculptures are exact copies of her body or individual body parts. Made of unusual materials such as ballistic soap, grease, or epoxy resin, the casts are subject to processes of aging and decay, are modified, transformed, and deconstructed. In her watercolors and drawings, created as series, for example on medical reports and authority forms, she designs bodies that resist the markings and boundaries of the paper as much as the bureaucratic constraints and gender fixations formulated there. Her ceramics-molds of severed limbs and replicas of bodily fluids-are forms of rage and despair in the face of the brutality and horrors of war.Kulikovska shows her body as a site of conflicting emotions and traumatic memories, as a contested arena of ideological attributions and warlike aggression; she asserts herself, drastically and dramatically, against gender and sexual norming, against violence and subjugation.The illustrated book was published on the occasion of the exhibition of the same name at the Francisco Carolinum in Linz, the artist's first solo exhibition in the German-speaking world.

Plattform der Post-Clubszene und Hub für interdisziplinäre Kunst Gegründet von Daniela Seitz und Anja Weigl etablierte sich Creamcake 2011 als Plattform, Kollektiv und Label für progressiven Clubsound an der Schnittstelle von elektronischer Musik, Performance, zeitgenössischer Kunst und digitalen Technologien. Was als Reaktion auf den damals dominierenden Techno- und House-Sound in Berlin begann, entwickelte sich im Laufe des letzten Jahrzehnts zu einer globalen Institution, die die schwer in Genregrenzen zu fassende Deconstructed- und Post-Clubszene unterstützt. Nun wird Creamcake zwölf, vielleicht dreizehn Jahre alt, plus minus die verlorenen Jahre während der Pandemie. Zeit für einen Rückblick. Chronologies of Creamcake blickt auf die Plattformidee, Themen, Konzerte, Ausstellungen, Performances, Symposien und digitale Projekte der Initiative und nicht zuletzt auch auf ein Kapitel interdisziplinärer Musik- und Clubgeschichte. Der Band veranschaulicht die außergewöhnliche Arbeitsweise von Creamcake anhand von Fotografien und anderen Dokumentationen aus dem Archiv von Veranstaltungen und Performances mit dem HAU Hebbel am Ufer, der Berlinischen Galerie, der Klosterruine, dem Berghain, dem OHM und von ortsspezifischen Berliner Projekten im Planetarium, Wasserspeicher und im Spreepark. Die Publikation umfasst Texte von einigen der bekanntesten und eloquentesten Stimmen der Szene, dazu gehören Selim Bulut, Jared Davis, Karlynne Ejercito, Adam Harper, Michelle Hooq, Susanne Huber, Vika Kirchenbauer, Steph Kretowicz, Rianna Jade Parker, Alex Quicho, Ashkan Sepahvand, Maxi Wallenhorst, McKenzie Wark und Hengameh Yaghoobifarah.   Platform of the Post-Club Scene and Hub for Interdisciplinary Art Founded by Daniela Seitz and Anja Weigl in 2011, Creamcake established itself as a platform, collective, and label for a progressive club sound at the intersection of electronic music, performance, contemporary art, and digital technologies. What started out as a reaction to the dominant techno and house sound of Berlin at the time would evolve over a decade into a global institution sustaining the deconstructed and post-club scene that is hard to square within the conventional boundaries of genre. Now, Creamcake is turning twelve, maybe thirteen, give or take the years lost to pandemic. Time for a look back. Chronologies of Creamcake recalls the initiative's platform idea, themes, concerts, exhibitions, symposia, performances, digital projects, and, not least importantly, a chapter in the history of interdisciplinary music and club culture. The book illustrates Creamcake's extraordinary approach with photographs and other documents from the archives, including events and performances with HAU Hebbel am Ufer, Berlinische Galerie, Klosterruine, Berghain, OHM, and site specific Berlin projects at Planetarium, Wasserspeicher, and Spreepark. The publication also features commissioned texts summarizing the organization's unique position and context by some of the scene's most prominent and articulate voices, including Selim Bulut, Jared Davis, Karlynne Ejercito, Adam Harper, Michelle Hooq, Susanne Huber, Vika Kirchenbauer, Steph Kretowicz, Rianna Jade Parker, Alex Quicho, Ashkan Sepahvand, Maxi Wallenhorst, McKenzie Wark, and Hengameh Yaghoobifarah.

Richly illustrated and designed by New York-based designer Joseph Logan, this publication brings together new writing from the fields of architecture, art and music to reflect on Gates' Pavilion and his wider practice. The publication includes images of the Pavilion, tar paintings and bell sculpture, as well as the visual documentation of live events that took place in the Pavilion over the summer months and ranged from experimental musical performances to choirs and workshops that centred the sacred offered a space for reflection and convening. A collection of images compiled by Theaster Gates of places, buildings, objects and rituals, alongside images of the artist's past works and projects, which have influenced the design of the Serpentine Pavilion 2022 Black Chapel, give an insight into the design process and the artist's practice.Ed.: Yesomi Umolu. Text: Sir David Adjaye OM OBE, Jayden Ali, Jareh Das, Ryan Dohoney, Theaster Gates, Hans Ulrich Obrist, Christina Sharpe.

Was tun wir nur den Schweinen an?Im Zentrum des Projekts »Ocular Witness: Schweinebewusstsein« stehen Fragen nach dem Selbst- und dem Weltverhältnis des ­Menschen. Es werden Problemkomplexe von globaler Relevanz aufgeworfen, wenn das Verhältnis zum Schwein zur Sprache kommt. In einen kollektiven Rechercheprozess eingebunden, beteiligen 14 KünstlerInnen an Ausstellung und Buch, iwobei sie verschiedene ästhetische ­Verfahren und künstlerischen Strategien an­wenden, um sich jeweils eines Teilaspekts des Themas ­anzunehmen. Gedanklich miteinbezogen sind Projekt wie das »Haus für Schweine und Menschen« von 1997, realisiert von Carsten Höller und Rosemarie Trockel, oder auch »Lebensmittel« (2012) von Michael Schmidt. Über die Präsentation im ­Sprengel Museum hinaus sollen die entstandenen Werke als flexible Module funktionieren und auch an anderen Orten zum Einsatz kommen, etwa in lokalen Gemeindezentren, Landgasthöfen, ­Heimatvereinen und Landfrauenvereinigungen. Das Projekt an Über­legungen von Alan Sekula ­anknüpft, mit Mitteln der Kunst ebenso konkrete wie komplexe politische Fragestellungen zu bearbeiten und zur Diskussion zu stellen.Ausstellung:Sprengel Museum Hannover, 23/8 - 5/11/2023

Jen, 30, is obsessed with personal branding and determined to break the glass ceiling to achieve her #girlboss destiny. Thad, 28, reminds himself "Today is an ordinary day, today is an ordinary day," to quell his waking fear of untimely death. Kat, 25, has the creeping feeling that despite all her rage, she is still just a well-nourished, college educated rat in a cage. And Dirk, 28, just wants self-driving cars to hit the market already so he can be drunk 24/7. They are Millennials and it is 2017 and they work in an office in a generic US city with well-defined seasons (ie. snow in winter). But maybe they have bigger dreams, and maybe those dreams are achievable, or maybe they don't know what their dreams are, or maybe they are content as tiny cogs in a machine that is just a cog itself in a bigger machine and so on and so forth, forever. ADULT GUMMIES is an absurdist satire of the young adult office worker of today, a loving critique of that generation born between the early-80s through late-90s, those who grew up alongside their electronic devices, always connected, always on. Criticized by older generations in closer proximity to death for being lazy, idealistic, indecisive and non-committal, for being addicted to social media and shamefully self-absorbed. But it's not their fault they all want to be artists: art will be the last human vocation. From the publisher-- A marker of a contemporary classic is being contemporary: Adult Gummies by K. Karivalis, a memer. Basic facts and we're already waist-deep in the 21st century, prepare to be submerged my friends. Adult Gummies couldn't have been written in any other time by any other person, and we're delighted af to publish this spectral illumination of thoughts from life today. To gush for a moment, it's the cosmos which glow inside Karivalis.

Deutsch-englische Ausgabe Nan Hoover, Anneliese Hager und Maria Lassnig sind Künstlerinnen, die sich experimentierfreudig und innovativ in unterschiedlichen Medien äußerten. Es ging ihnen um Verfremdungseffekte, Körperwahrnehmung und die Reflexion über Zeit und Raum. Alle drei setzten sich früh mit dem Surrealismus auseinander und fanden auf unterschiedliche Weise zu einer individuellen Bildsprache: Das verbindende Moment ist die Beschäftigung mit Licht, Raum und Körper sowie die existenzielle Frage nach der Selbstwahrnehmung und der Verortung in der Welt. Während die US-Amerikanerin Hoover zu den Pionierinnen der internationalen Licht-, Video- und Performancekunst gehörte und auch ein überraschendes malerisches, der Popart nahestehendes Frühwerk aufweist, ist Hager, die zu den interessantesten Fotografinnen des 20. Jahrhunderts gehört, praktisch unbekannt geblieben, Die österreichische Malerin Lassnig zählt heute zu den bedeutendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts, schaffte jedoch erst spät, in den 1980er-Jahren, den internationalen Durchbruch. Mit dieser Publikation, drei Büchern im Paket, können diese drei Künstlerinnen wieder oder sogar ganz neu entdeckt werden. Nan Hoover (1931-2008), Licht-, Video- und Performancekünstlerin Anneliese Hager (1904-1997), Fotokünstlerin, Dichterin Maria Lassnig (1919-2014), Malerin, Grafikerin Kunst, Körper, (Selbst-)wahrnehmung - ein fokussierter und konzentrierter Einstieg in Werk und Biografie dreier Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts Ausstellung: 10. November 2023 bis 11. Februar 2024, Kunsthalle Mannheim

Tales of Enchantment: The Art of Magic by Walt AnthonyTechniques and Presentations to make your magic, more Magical! A lifetime of practical material is explored in this book: presentations, stagecraft, effects, performance technique, magic anecdotes; all from a full-time professional entertainer's thirty-plus year career. This book has become one of those books that sets a standard within the magic world for years to come." In this 270 page book, you will learn new routines and original magic presentations. You will learn skills and tools for thinking imaginatively and creatively. You'll be exposed to a dynamic writing style that makes you feel comfortable while challenging you to become more innovative and go beyond simple "patter" or standard magic. It really is one of the most inspirational books about approaching Magic as an Art-Form. The author's personal routines and stories come to life and will help create "Real Magic" for your audience. In fact, if you don't think of new ideas as you are reading this book (and find yourself reliving a bit of the giddiness you enjoyed as a kid when you visited a magic shop, unwrapped a new trick, or saw something that really amazed you) well then, you're not fully living your magical life! Walt weaves many colorful stories into a magical carpet ride of adventure! This impressive book is rich in mythic images that will inspire you to think and feel deeply about our ancient art." -Jeff McBride Introduction by Kostya Kimlat Foreword by Robert E. Neale Edited by Ed Solomon

On Adrian Piper's radical pedagogy of transgression and the importance of soul and funk music in the African American struggle for emancipation.From 1982 to 1984, Adrian Piper staged a number of audience-interactive performances in universities or museum settings, under the title Funk Lessons. Using the didactic format of a "lesson" (including characteristic paraphernalia such as blackboards), Piper endeavored to teach the basic moves of funk dance to a mostly white, college-educated audience. Filmed by Sam Samore in 1983, one of the piece’s more successful iterations lives on as a videotape, and in Piper’s own written reflections, "Notes on Funk."Considering Piper’s broader conceptual-political practice and her long-standing interest in dance, Elvan Zabunyan reveals how Funk Lessons troubles conceptions of knowledge and pedagogy rooted in white, "high culture" through their subtle mimetic subversion. The study foregrounds the key political significance of funk and soul music as the soundtrack of the civil rights movement. By teaching to transgress essentialist categories of race and class through knowledge embodied in dance and music, Funk Lessons opens up new paths for sensory identification and self-transcendence.

A seven-decade retrospective on the Destruction Art pioneer, Museo del Barrio founder and theorist of EthnoaestheticsThis comprehensive survey is published for El Museo del Barrio's 2022 exhibition on the American artist, activist, educator and founder of El Museo del Barrio, Raphael Montañez Ortiz (born 1934). Spanning the 1950s to the early 2020s, the retrospective presents a generous sampling of his oeuvre including his film, painting, photography, video installation and assemblage work. From his early days as a key figure in the international Destruction Art movement to his activism as an artist of Puerto Rican heritage with the Guerrilla Art Action Group to his concepts of "Ethnoaesthetics" and "Physio-Psycho-Alchemy" (which positions meditation, ritual and breathing practices at the center of a series of performative and participative works), his work consistently challenges and expands art historical conventions. Raphael Montañez Ortiz: Destruction enhances the retrospective with plate images, archival material, text excerpts, critical essays and an updated chronology.

Katharina Cibulka und ihr Team montieren seit 2018 von Hand bestickte Gerüstnetze an gut frequentierte, prominente Baustellen und regen Passant:innen durch gesellschaftspolitische Botschaften zu Diskussionen an. Ein Satz, der mit Solange beginnt und bin ichFeminist:in endet, verweist auf bestehende Ungleichheiten.SOLANGE ist international und spricht alle Sprachen. Die Kunst-Interventionen finden an Museen, Universitäten, Kirchen und Festungen von Wien über Köln, Ljubljana, Rabat bis Washington D.C. statt. Die Themen werden partizipativ vor Ort erarbeitet. SOLANGE sensibilisiert jenseits der feministischen Bubble für Gender-Equality - auch über Instagram. Der reich bebilderte Band führt durch die bislang 28 Projekte in 7 Ländern und gibt Einblicke in Hintergrundgeschichten sowie die Rezeption in der Öffentlichkeit.

This book explores the central themes and techniques ofartist-made radio, emerging from over 20 years of practiceby a multitude of artists in the field. It brings to thepage excerpts of long-form radio works from the world'slargest exhibition of radio art, Radio Art Zone, a joint projectby the artist duo Mobile Radio (Sarah Washington &Knut Aufermann) and the Luxembourg community stationRadio ARA, which was broadcast for 100 days as part of theprogramme of the European Capital of Culture Esch2022.Interspersed with newly commissioned works rangingfrom micro-essays and texts on radio form, practice andpoetics, to radio plays and illustrations, it is full of uniqueimages which allow the imagination to expand outwardinto radio space. Radio Art Zone performs an exquisitetransformation from airwaves to paper, providing a treasuryof ideas and reflections about radio as art.

Gegen Ende des 18. Jahrhunderts in London entstanden, erscheint der Zirkus mit seiner Manege als eine Art Gegenwelt zum Alltag. Die bewusste Inszenierung von schönem Schein und atemberaubender Akrobatik lösten immer schon große Faszination aus. Zugleich ist diese Welt der Illusionen mit gesellschaftlichen Kontroversen und Kritik behaftet, denen sich internationale Künstler:innen und führende Expert:innen widmen.In der Welt des Zirkus war ein Bewusstsein für ethische Haltungen gegenüber Mensch und Tier lange Zeit schlichtweg nicht existent. Diskriminierung, Stigmatisierung und Unterdrückung standen auf der Tagesordnung, wie z.B. die kommerzielle Zurschaustellung der sog. "Freaks of nature" zeigt. Mit einschlägigen Essays und Werken internationaler, zeitgenössischer Künstler:innen bietet der Band den Ausgangspunkt für künstlerische, kulturhistorische, tierethische sowie rassismuskritische Untersuchungen und hinterfragt aktuelle gesellschaftliche Strukturen.KÜNSTLER:INNENKathryn Andrews | Miriam Bäckström | Istvan Balogh | Beni Bischof | Mona Broschár | Barbara Breitenfellner | Michael Dannenmann | Zilla Leutenegger | Dieter Meier | Yves Netzhammer | Tal R | Augustin Rebetez | Boris Rebetez | Ugo Rondinone | Niklaus Rüegg | Francisco Sierra | Norbert Tadeusz | William Wegman u. a.

Der Band fokussiert auf den politischen und kreativen Widerstand mexikanischstämmiger US-Künstlerinnen und -Künstler von 1968 bis heute. Xican-a.o.x. Body erzählt die Geschichte ihrer Kunst neu und veranschaulicht, wie diese Künstlerinnen und Künstler durch die Konzentration auf "brown bodies" die mexikanischen, US-mexikanischen und Xicanx-Erfahrungen zugrundeliegenden Konzepte hinterfragen, aufschlüsseln und problematisieren.Die Publikation bietet neue Einblicke in mehr als 50 Jahre Xicanx-Kunst und untersucht einflussreiche Werke von Kunstschaffenden, die "brown bodies" als Projektionsfläche des Widerstands in den Vordergrund stellen und sich mit den von ihnen ins Leben gerufenen kreativen Gemeinschaften gegen den systemischen Rassismus und die ausgrenzenden Praktiken von Kunstinstitutionen des Mainstreams zur Wehr setzen. Renommierte Forschende befassen sich in den Essays mit Aspekten der Verortung von Xicanx-Kunst an der Schnittstelle von Identitäts-, Rassen- und Klassenpolitik und hinterfragen die Unterscheidung zwischen "Hochkultur" und "Volkskunst".

Seit 30 Jahren feiert die Tanzcompagnie Sasha Waltz & Guests internationale Erfolge mit ihren zeitgenössischen Choreografien, sozialen Skulpturen, Dialoge-Projekten, Opern und Filmen. Anlässlich dieses Jubiläums richtet Sasha Waltz gemeinsam mit Menschen, die ihren Weg begleitet haben, den Blick zurück nach vorn. Denn wie die Choreografin selbst es treffend beschreibt, »ein Ensemble ist ein lebendiges Archiv.« Wie aber erinnert sich ein Ensemble?Jenseits der bloßen Chronologie der Ereignisse rückt das Buch einen Aspekt des Erinnerns in den Vordergrund, der die Wiederholbarkeit des Tanzes garantiert: Die Notation. Sasha Waltz' »Partituren« bestehen aus faszinierenden Begriffen, die jeweils einzelne choreografische Figuren bezeichnen. Das Buch greift 50 dieser Codes in Form einer enzyklopädischen Wunderkammer auf und löst sie aus ihrem eigentlichen Kontext. Durch Verknüpfungen zur Kunstgeschichte und kommentiert durch Gastbeiträge entsteht eine schöpferische Neuordnung des OEuvres von Sasha Waltz, die die choreografischen Figuren erneut zum Tanzen bringt.Die Choreografin Sasha Waltz und der Kulturunternehmer Jochen Sandig realisieren seit 1993 in Berlin und darüber hinaus mit vielen Verbündeten ihren gemeinsamen Traum einer Tanzcompagnie als eine sich stetig verändernde künstlerische Gemeinschaft. Das bisherige Gesamtwerk von SASHA WALTZ & GUESTS umfasst über 80 Produktionen, an denen mehr als 300 künstlerische und wissenschaftliche »Guests« aus Architektur, Bildender Kunst, Choreografie, Design, Film, Literatur, Mode, Musik, Oper, Philosophie, Soziologie, Tanz und Theater aus über 30 Ländern mitgewirkt haben.

Self-staging, self-exposure, self-erasure - these are the themes that Michaela Moscouw (*1961) worked on uncompromisingly, excessively and memorably over three decades. Until the early 1980s, the Viennese artist painted abstract pictures, then she destroyed her entire oeuvre and filmed herself doing it. She thus changed medium and since then has exclusively used the means of photography. She obsessively pursued concepts and designs of an aestheticised body experience.For her self-stagings as a radical act and expression of personal emotionality, she acted like an actress rehearsing different roles, questioning gender-specific clichés and body images. She worked on the terrain of VALIE EXPORTS, Friederike Pezolds or Renate Bertlmanns.Today, Michaela Moscouw lives in seclusion in Vienna. Her works have been continuously destroyed, yet works by her have survived in public and private collections. The catalogue presents the preserved photographic work, from early large-format self-portraits in black and white to the colour images from the early 2000s.Published on the occasion of the exhibition Michaela Moscouw, Anwesend Abwesend, Francisco Carolinum, Linz from 10.02. - 14.05.2023

The Desert Turned to Glass is a place where the cosmic and chthonic collide. Commemorating the centenary of the planetarium as an architectural type, this book collects a new body of work by acclaimed Canadian artist Charles Stankievech. Thematically, the project explores alternative theories concerning the origin of life, consciousness, and art-bridging the cosmological visions of cave art and the modern technology of the planetarium. Richly illustrated, the book pairs images of Stankievech's installations and cinematic works with newly commissioned writings by geologists, exobiologists, philosophers and archeologists. Spanning the abyss of space and the depths of the earth, The Desert Turned to Glass is an epic meditation on origins, endings, and infinity.CHARLES STANKIEVECH (*1978, Canada) is an artist redefining "fieldwork" at the convergence of geopolitics, deep ecologies, and sonic resonances. From the Arctic's northernmost settlement to the depths of the Pacific Ocean, Stankievech's practice uncovers the paradoxes of our existence on the planet by engaging with the imperceptible. He is Associate Professor at the University of Toronto.

Hélio Oiticica: Parangolé is a conceptual art¿s discourse around Hélio Oiticicäs parangolés. The tension generated between euro-centric and peripheral conceptualisms is put into question, in order to insert the work of Oiticica in the international Neo-Avantgarde logic, where life transits into art, and art into life.

Monica Bonvicini ist bekannt für ihre ortsspezifischen Installationen und Interventionen, die die Raumwahrnehmung des Betrachters herausfordern. Seit mehr als 30 Jahren erforscht die Künstlerin die Zusammenhänge von Architektur, Geschlecht und Macht mit den Mitteln ihrer künstlerischen Praxis, die unter anderem die Aneignung, Fragmentierung und Neuanordnung von Text, Literatur, Bildern sowie Objekten und Baumaterialien umfasst. As Walls Keep Shifting ist eine umfassende Sammlung von Bonvicinis Arbeiten, die vom Beginn der 90er Jahre bis heute reichen. Das über 500 Seiten umfassende Buch stellt ein breites Spektrum an Werken einander gegenüber, darunter ihre erstmals publizierten frühen dokumentarischen Arbeiten, Zeichnungen, Collagen, Dokumentationen von Performances und ortsspezifischen Arbeiten sowie ihre ikonische Installation As Walls Keep Shifting, die in verschiedenen Stationen auf der ganzen Welt zu sehen war. Text: Katia Huemer, Hans Ulrich Obrist, Samuele Piazza, Barbara Steiner, Elena Zanichelli.

Circulating Cultures is an interdisciplinary work with contributions from historians, musicologists, linguists and dance historians. It depicts shifts of cultural materials through time, place and interventions from people, exploring how Indigenous and non-Indigenous performing arts have changed through intercultural influence and collaboration.

THROUGH THE RUINS: TALKS ON HUMAN RIGHTS AN THE ARTS 1 is the inaugural volume in a series of publications dedicated to exploring creative tools of resistance. THROUGH THE RUINS is based on public talks presented at the OSUN Center for Human Rights and the Arts at Bard College (CHRA) by Faustin Linyekula (Kisangani); The White Pube (London); Cassils (LA); Emily Johnson (New York); Border Forensics (London); Ashmina Ranjit (Nepal); Mark Sealy (London); and Hamed Sinno (Philadelphia). In their own words and in conversation with others, these activists, scholars, and artists from around the globe make evident the richness and range of contemporary practices at the intersection of human rights and the arts. Each chapter is introduced by a different scholar or curator and is then followed by a Q&A with a live, international audience. The text is further enhanced by the collection's emphatic typography and creative design by Will Brady that guide the reader through chapters rich in personal story, theory, and history.

This anthology of essays aims to explore the many types of relationships that exist between puppets, broadly speaking, and the immaterial world.

This collection provides an in-depth exploration of surtitling for theatre and its potential in enhancing accessibility and creativity in both the production and reception of theatrical performances.

Embodied Nostalgia is a collection of interlocking case studies that focus on how social dance in musical theatre brings forth the dancer on stage as a site of embodied history, cultural memory, and nostalgia, and asks what social dance is doing performatively, dramaturgically, and critically in musical theatre.