Performancekunst

Katharina Cibulka und ihr Team montieren seit 2018 von Hand bestickte Gerüstnetze an gut frequentierte, prominente Baustellen und regen Passant:innen durch gesellschaftspolitische Botschaften zu Diskussionen an. Ein Satz, der mit Solange beginnt und bin ichFeminist:in endet, verweist auf bestehende Ungleichheiten.SOLANGE ist international und spricht alle Sprachen. Die Kunst-Interventionen finden an Museen, Universitäten, Kirchen und Festungen von Wien über Köln, Ljubljana, Rabat bis Washington D.C. statt. Die Themen werden partizipativ vor Ort erarbeitet. SOLANGE sensibilisiert jenseits der feministischen Bubble für Gender-Equality - auch über Instagram. Der reich bebilderte Band führt durch die bislang 28 Projekte in 7 Ländern und gibt Einblicke in Hintergrundgeschichten sowie die Rezeption in der Öffentlichkeit.

This book explores the central themes and techniques ofartist-made radio, emerging from over 20 years of practiceby a multitude of artists in the field. It brings to thepage excerpts of long-form radio works from the world'slargest exhibition of radio art, Radio Art Zone, a joint projectby the artist duo Mobile Radio (Sarah Washington &Knut Aufermann) and the Luxembourg community stationRadio ARA, which was broadcast for 100 days as part of theprogramme of the European Capital of Culture Esch2022.Interspersed with newly commissioned works rangingfrom micro-essays and texts on radio form, practice andpoetics, to radio plays and illustrations, it is full of uniqueimages which allow the imagination to expand outwardinto radio space. Radio Art Zone performs an exquisitetransformation from airwaves to paper, providing a treasuryof ideas and reflections about radio as art.

Gegen Ende des 18. Jahrhunderts in London entstanden, erscheint der Zirkus mit seiner Manege als eine Art Gegenwelt zum Alltag. Die bewusste Inszenierung von schönem Schein und atemberaubender Akrobatik lösten immer schon große Faszination aus. Zugleich ist diese Welt der Illusionen mit gesellschaftlichen Kontroversen und Kritik behaftet, denen sich internationale Künstler:innen und führende Expert:innen widmen.In der Welt des Zirkus war ein Bewusstsein für ethische Haltungen gegenüber Mensch und Tier lange Zeit schlichtweg nicht existent. Diskriminierung, Stigmatisierung und Unterdrückung standen auf der Tagesordnung, wie z.B. die kommerzielle Zurschaustellung der sog. "Freaks of nature" zeigt. Mit einschlägigen Essays und Werken internationaler, zeitgenössischer Künstler:innen bietet der Band den Ausgangspunkt für künstlerische, kulturhistorische, tierethische sowie rassismuskritische Untersuchungen und hinterfragt aktuelle gesellschaftliche Strukturen.KÜNSTLER:INNENKathryn Andrews | Miriam Bäckström | Istvan Balogh | Beni Bischof | Mona Broschár | Barbara Breitenfellner | Michael Dannenmann | Zilla Leutenegger | Dieter Meier | Yves Netzhammer | Tal R | Augustin Rebetez | Boris Rebetez | Ugo Rondinone | Niklaus Rüegg | Francisco Sierra | Norbert Tadeusz | William Wegman u. a.

Der Band fokussiert auf den politischen und kreativen Widerstand mexikanischstämmiger US-Künstlerinnen und -Künstler von 1968 bis heute. Xican-a.o.x. Body erzählt die Geschichte ihrer Kunst neu und veranschaulicht, wie diese Künstlerinnen und Künstler durch die Konzentration auf "brown bodies" die mexikanischen, US-mexikanischen und Xicanx-Erfahrungen zugrundeliegenden Konzepte hinterfragen, aufschlüsseln und problematisieren.Die Publikation bietet neue Einblicke in mehr als 50 Jahre Xicanx-Kunst und untersucht einflussreiche Werke von Kunstschaffenden, die "brown bodies" als Projektionsfläche des Widerstands in den Vordergrund stellen und sich mit den von ihnen ins Leben gerufenen kreativen Gemeinschaften gegen den systemischen Rassismus und die ausgrenzenden Praktiken von Kunstinstitutionen des Mainstreams zur Wehr setzen. Renommierte Forschende befassen sich in den Essays mit Aspekten der Verortung von Xicanx-Kunst an der Schnittstelle von Identitäts-, Rassen- und Klassenpolitik und hinterfragen die Unterscheidung zwischen "Hochkultur" und "Volkskunst".

Seit 30 Jahren feiert die Tanzcompagnie Sasha Waltz & Guests internationale Erfolge mit ihren zeitgenössischen Choreografien, sozialen Skulpturen, Dialoge-Projekten, Opern und Filmen. Anlässlich dieses Jubiläums richtet Sasha Waltz gemeinsam mit Menschen, die ihren Weg begleitet haben, den Blick zurück nach vorn. Denn wie die Choreografin selbst es treffend beschreibt, »ein Ensemble ist ein lebendiges Archiv.« Wie aber erinnert sich ein Ensemble?Jenseits der bloßen Chronologie der Ereignisse rückt das Buch einen Aspekt des Erinnerns in den Vordergrund, der die Wiederholbarkeit des Tanzes garantiert: Die Notation. Sasha Waltz' »Partituren« bestehen aus faszinierenden Begriffen, die jeweils einzelne choreografische Figuren bezeichnen. Das Buch greift 50 dieser Codes in Form einer enzyklopädischen Wunderkammer auf und löst sie aus ihrem eigentlichen Kontext. Durch Verknüpfungen zur Kunstgeschichte und kommentiert durch Gastbeiträge entsteht eine schöpferische Neuordnung des OEuvres von Sasha Waltz, die die choreografischen Figuren erneut zum Tanzen bringt.Die Choreografin Sasha Waltz und der Kulturunternehmer Jochen Sandig realisieren seit 1993 in Berlin und darüber hinaus mit vielen Verbündeten ihren gemeinsamen Traum einer Tanzcompagnie als eine sich stetig verändernde künstlerische Gemeinschaft. Das bisherige Gesamtwerk von SASHA WALTZ & GUESTS umfasst über 80 Produktionen, an denen mehr als 300 künstlerische und wissenschaftliche »Guests« aus Architektur, Bildender Kunst, Choreografie, Design, Film, Literatur, Mode, Musik, Oper, Philosophie, Soziologie, Tanz und Theater aus über 30 Ländern mitgewirkt haben.

Self-staging, self-exposure, self-erasure - these are the themes that Michaela Moscouw (*1961) worked on uncompromisingly, excessively and memorably over three decades. Until the early 1980s, the Viennese artist painted abstract pictures, then she destroyed her entire oeuvre and filmed herself doing it. She thus changed medium and since then has exclusively used the means of photography. She obsessively pursued concepts and designs of an aestheticised body experience.For her self-stagings as a radical act and expression of personal emotionality, she acted like an actress rehearsing different roles, questioning gender-specific clichés and body images. She worked on the terrain of VALIE EXPORTS, Friederike Pezolds or Renate Bertlmanns.Today, Michaela Moscouw lives in seclusion in Vienna. Her works have been continuously destroyed, yet works by her have survived in public and private collections. The catalogue presents the preserved photographic work, from early large-format self-portraits in black and white to the colour images from the early 2000s.Published on the occasion of the exhibition Michaela Moscouw, Anwesend Abwesend, Francisco Carolinum, Linz from 10.02. - 14.05.2023

The Desert Turned to Glass is a place where the cosmic and chthonic collide. Commemorating the centenary of the planetarium as an architectural type, this book collects a new body of work by acclaimed Canadian artist Charles Stankievech. Thematically, the project explores alternative theories concerning the origin of life, consciousness, and art-bridging the cosmological visions of cave art and the modern technology of the planetarium. Richly illustrated, the book pairs images of Stankievech's installations and cinematic works with newly commissioned writings by geologists, exobiologists, philosophers and archeologists. Spanning the abyss of space and the depths of the earth, The Desert Turned to Glass is an epic meditation on origins, endings, and infinity.CHARLES STANKIEVECH (*1978, Canada) is an artist redefining "fieldwork" at the convergence of geopolitics, deep ecologies, and sonic resonances. From the Arctic's northernmost settlement to the depths of the Pacific Ocean, Stankievech's practice uncovers the paradoxes of our existence on the planet by engaging with the imperceptible. He is Associate Professor at the University of Toronto.

Monica Bonvicini ist bekannt für ihre ortsspezifischen Installationen und Interventionen, die die Raumwahrnehmung des Betrachters herausfordern. Seit mehr als 30 Jahren erforscht die Künstlerin die Zusammenhänge von Architektur, Geschlecht und Macht mit den Mitteln ihrer künstlerischen Praxis, die unter anderem die Aneignung, Fragmentierung und Neuanordnung von Text, Literatur, Bildern sowie Objekten und Baumaterialien umfasst. As Walls Keep Shifting ist eine umfassende Sammlung von Bonvicinis Arbeiten, die vom Beginn der 90er Jahre bis heute reichen. Das über 500 Seiten umfassende Buch stellt ein breites Spektrum an Werken einander gegenüber, darunter ihre erstmals publizierten frühen dokumentarischen Arbeiten, Zeichnungen, Collagen, Dokumentationen von Performances und ortsspezifischen Arbeiten sowie ihre ikonische Installation As Walls Keep Shifting, die in verschiedenen Stationen auf der ganzen Welt zu sehen war.Text: Katia Huemer, Hans Ulrich Obrist, Samuele Piazza, Barbara Steiner, Elena Zanichelli.

Circulating Cultures is an interdisciplinary work with contributions from historians, musicologists, linguists and dance historians. It depicts shifts of cultural materials through time, place and interventions from people, exploring how Indigenous and non-Indigenous performing arts have changed through intercultural influence and collaboration.

This anthology of essays aims to explore the many types of relationships that exist between puppets, broadly speaking, and the immaterial world.The allure of the puppet goes beyond its material presence as, historically and throughout the globe, many uses of puppets and related objects have expressed and capitalized on their posited connections to other realms or ability to serve as vessels or conduits for immaterial presence. The flip side of the puppet's troubling uncanniness is precisely the possibilities it represents for connecting to discarnate realities. Where do we see such connections? How do we describe, analyze, and theorize these relationships? The first of two volumes, this book focuses on these questions in relation to long-established, traditional practices using puppets, devotional objects, and related items with sacred aspects to them or that perform ritual roles. Looking at performance traditions and artifacts from China, Indonesia, Korea, Mali, Brazil, Iran, Germany, and elsewhere, the essays from scholars and practitioners provide a range of useful models and critical vocabularies for addressing the ritual and spiritual aspects of puppet performance, further expanding the growing understanding and appreciation of puppetry generally.This book, along with its companion volume, offers, for the first time, robust coverage of this subject from a diversity of voices, examples, and perspectives.

This collection provides an in-depth exploration of surtitling for theatre and its potential in enhancing accessibility and creativity in both the production and reception of theatrical performances.The volume collects the latest research on surtitling, which encompasses translating lyrics or sections of dialogue and projecting them on a screen. While most work has focused on opera, this book showcases how it has increasingly played a role in theatre by examining examples from well-known festivals and performances. The 11 chapters underscore how the hybrid nature and complex semiotic modes of theatrical texts, coupled with technological advancements, offer a plurality of possibilities for applying surtitling effectively across different contexts. The book calls attention to the ways in which agents in theatrical spaces need to carefully reflect on the role of surtitling in order to best serve the needs of diverse audiences and produce inclusive productions, from translators considering appropriate strategies to directors working on how to creatively employ it in performance to companies looking into all means available for successful implementation.Offering a space for interdisciplinary dialogues on surtitling in theatre, this book will be of interest to scholars in audiovisual translation, media accessibility, and theatre and performance studies.

Embodied Nostalgia is a collection of interlocking case studies that focus on how social dance in musical theatre brings forth the dancer on stage as a site of embodied history, cultural memory, and nostalgia, and asks what social dance is doing performatively, dramaturgically, and critically in musical theatre.

Der Katalog dokumentiert die audiovisuellen Arbeiten des Bildhauers, Musikers, Komponisten, Video-, Performance- und Konzeptkünstlers Conrad Schnitzler.Bis heute wird Schnitzler weltweit als ein Vorreiter der elektronischen Musik verehrt, obwohl er selbst gar keine Musik machen wollte und die kommerzielle Vermarktung seiner Arbeiten strikt ablehnte. So entwickelte sich um ihn herum ein lebendiges internationales Netzwerk, das die freie Zirkulation, Reproduktion und Wiederaufführung seiner Ton- und Bilderzeugnisse propagierte und realisierte. Das künstlerische Vermächtnis Schnitzlers soll nun gemeinsam mit der künstlerischen Gemeinschaft um Schnitzler herum erstmals institutionell gewürdigt werden.Ed.: Stefan Schneider, Alicia Holthausen

At the very least, this book is full to the brim with fun and entertainment:-The antics of the house dog, Winston.-The humorous side of ageing in Old Ain't for Sissies.-The fun and laughter shared with my best friend, at Scrabble, which only goes to show how "scrambled" our brains are!- The thrill and excitement of simulated sports contests.- Serendipity! Being Able to Spend Part and Parcel of Our Time Dwelling within the World of Rock Musical Manna from Heaven, a World where the Meaning of Sunny Day, Everything's A-ok, Has Never Been Forgotten!.At most, by incorporating good values into its lyrics, our thesis is that rock music becomes most powerful vehicle for popular education of young and old alike, because of the attractiveness of music, and esp. rock music, as packaging for education.Teaching great, often Christian type values, is one thing, seeing them implemented is an altogether different kettle of fish.Will rock music ever be able to spread its values beyond the idealistic young? Will the power of love ever rule the world? Will rock music enable/empower us to solve the world's problems? *I don't know the answer to these questions. But I do know that rock music, transformed my existence, into a life worth having. The inner world that opened up before my ears (and eyes), made me feel like a million bucks, and is the closest thing to heaven, ever to come my way! May we carry on this way, s'il vous plait!

Richard Nonas war einer der amerikanischen Künstler, die in den 1970er Jahren daran arbeiteten, dem etablierten Minimalismus etwas Neuartiges entgegenzusetzen. Zu dieser Gruppe gehörten nicht nur Bildhauer, sondern auch Musiker und Tänzerinnen. Der performative Aspekt der Kunst stand für sie im Vordergrund, die emotionelle Erfahrung und die energetische Aufladung des Raums. Nonas war als Nomade in den USA und in Europa unterwegs, um in Galerien und Museen, selbst an entlegenen Orten, seine Skulpturen aufzubauen, denn sein Interesse galt den wechselnden Kontexten, in denen er arbeitete. Diese erste Monographie zu Richard Nonas enthält eine chronologische Darstellung seines Werks, illustriert von Photographien der Skulpturen, die Nonas selbst aufgenommen hatte.Text: Fabien Faure, Richard Shiff, Dieter Schwarz.

Este libro quiere ayudar a entender la melodía musical y el contrapunto, para también poder aprender a componer, sea cual sea el estilo musical.Tradicionalmente, el contrapunto se ha enseñado usando el método de especies, basado en el cantus firmus.Pues bien, en este libro aprenderemos a sentir la melodía como el elemento universal de la música, sin atender a ningún periodo concreto ni a época, utilizando los consejos naturales y elementales para aprender disfrutando, evitando reglas abstractas que nos alejen de la sensibilidad musical. Todo ello sin abandonar el gran valor pedagógico tradicional del enfoque paso a paso (gradual) para las necesarias habilidades técnicas de composición. Este enfoque toma prestados varios conceptos de estudio del método de especies, por supuesto, pero manteniendo un enfoque en la tonalidad actual, moderna, y centrándose en el sonido de la música. Desde el descubrimiento de los sonidos en su estado más puro, se llegará a composiciones clásicas del periodo más tonal e imitativo dentro de la historia de la música. Así que este texto está diseñado para estudiantes y compositores, por supuesto, pero muy especialmente para músicos o curiosos que SIN SER COMPOSITORES NECESARIAMENTE, deseen conocer mejor, muy de cerca, la sensibilidad de la melodía y su combinación con otra superpuesta, igual o más bella, si cabe. Es decir, el CONTRAPUNTO.ESTE LIBRO ACERCARÁ AL LECTOR A CONOCER MUCHO MEJOR EL CORAZÓN TANTO DE UNA MELODÍA SOLA, COMO EL AMOR ENTRE DOS MELODÍAS JUNTAS.

One of the great experimental composers of our time, Phill Niblock has during his sixty-year career produced minimalist music, structural cinema, dance performance, improvised theater, systematic art, and ethnographic photography. Since 1985, Niblock has served as director of Experimental Intermedia, a foundation for avant-garde music based in New York, and curator of the foundation's record label XI.This catalogue is devoted to Niblock's wide intermedia art, including his masterpieces the Six Films (1966-69), the Environments (1968-72) and The Movement of People Working (1973-91). A thorough publication that includes Charles Mingus, Billy Strayhorn and Duke Ellington, Elaine Summers, Yoko Ono, Sun Ra, The Open Theatre, Muna Tseng and Arthur Russell.

This book was originally made available to attendees of Doomsday 11 in May 2022. Doomsday is the world's premier annual gathering to celebrate the mysterious world of Bizarre Magic, Storytelling Magic and paranormal high-strangeness. Making Dark Magicks contains:A foreword by Ashton CarterMy 'Making Dark Magicks' lecture in fullTwo illustrated articles on two of the shows I discuss in my lectureThe full illustrated script of 'Phantasmagoria: Stories To Be Told Out' (which includes 13 mini scripts for effects, including the needle swallow script I talked about in the lecture)A write up of my propless storytelling effect 'The Gift of Hermes' which leaves your audience with a little bit of magical thinking to take with them after your show.I hope it will be useful to you when making your own magicks.

Latin American female writers and artists use their work to voice dissent against social issues including neo-liberal consumerism, environmental degradation, mass migration and gender violence.

Wanwu I beschäftigt sich mit dem in Hongkong lebenden Künstler Zheng Bo, der sich den Lebewesen sehr verbunden fühlt, mit denen wir Menschen die Erde teilen, insbesondere mit den Pflanzen. Der Band erforscht Ästhetik, Erotik, Politik und Ökosensibilität des pflanzlichen Lebens, aber auch die Möglichkeiten, die integrativen, kollaborativen Qualitäten von Wanwu - was "zehntausend Dinge", "unzählige Ereignisse" oder "mehr als menschlich" bedeutet - sowohl in den Alltag als auch in Kunstinstitutionen zu integrieren. DiInterviews: Matthias Rillig, Phillip E. Bloom, Annie Sprinkle und Beth Stevens.

Als Pionierin von sowohl Videokunst als auch computergestütztem Videotanz erforscht die brasilianische Künstlerin, Tänzerin und Choreografin Analivia Cordeiro (*1954) seit den frühen 1970er-Jahren die Beziehungen zwischen Körper, Bewegung, visueller und audiovisueller Kunst sowie Medienkunst."Egal welches Alter, egal wie viel Tanzerfahrung, jeder kann durch Bewegung lernen." (A. Cordeiro)Analivia Cordeiro prägt seit den frühen 1970er-Jahren als eine der ersten Videokünstlerinnen die gesamte Medienkunst Südamerikas. Die Publikation präsentiert das Gesamtwerk der Künstlerin bis zur Gegenwart. Neben einem einführenden Text der Herausgeberin enthält sie ein Interview mit der Künstlerin und eine Auswahl von Texten verschiedener Autor:innen und der Künstlerin selbst. Ein umfangreicher Werkteil mit vielen Abbildungen, historischen Dokumenten und Fotografien sowie einer ausführlichen Biografie und Bibliografie vervollständigen das Buch.

Die Publikation "Set and Setting: Kerim Seiler 1997-2022" dokumentiert das Arbeiten und Wirken des Künstlers Kerim Seiler von den Anfängen seiner Karriere bis hin zu den vielgestaltigen Grossprojekten, die er in öffentlichen Räumen realisiert hat. Neben dem Werkdokumentarischen Charakter liegt der Fokus des Buches auf der kunsthistorischen Wissensvermittlung, denn anhand von Seilers Oeuvre lassen sich Diskurse und Theoreme erläutern, die die Entwicklung der Bildenden Kunst in den letzten 60 Jahren entscheidend prägten. Von installativen und performativen Werkkonzeptionen über das situative Kunstverständnis bis hin zur Site-specific Art - Seilers Kunst setzt sich mit diesen und weiteren kunsttheoretischen Methoden und Ansätzen auseinander, reflektiert ihre Herkunft und führt sie in einer eigenen Sprache und Ästhetik weiter.Text: Anne Vieth, Stefan Zweifel.

This volume is the first in the Museum Ludwig's new series "In their own words." The series is dedicated to contemporary artists who, in addition to their visual oeuvre, have produced texts that take an independent approach to the concerns of their times and presents, above all, approaches that have proved influential and continue to inform current debates. VALIE EXPORT is regarded as one of the most important international pioneers of conceptual media art, performance, and experimental film. In the late 1960s, her often provocative installations, films, and actions caused an uproar. From the outset, VALIE EXPORT has written not only detailed concepts for her projects but also theoretical essays, poems, notes, and lectures. A large number of her published texts have been made accessible here in one book, along with a selection of printed interviews and unpublished notes and lectures created between 1967 and 2020.

Die Publikation überblickt das künstlerische Schaffen Matt Mullican der vergangenen fünfzig Jahre. Der US-amerikanische Künstler gilt als einer der wegweisenden Vertreter der so genannten Pictures Generation, die Mitte der 1970er Jahre den Einfluss massenmedialer Bilder in der alltäglichen Wahrnehmung untersuchten und sie somit als festen Bestandteil künstlerischer Auseinandersetzungen deklarierten. Er arbeitet seit Jahrzehnten an einer künstlerischen Systematisierung seiner Weltsicht, die er in medial vielfältigen und raumgreifenden Installationen zu erfassen versucht. Sein Werk ist vielschichtig angelegt, es reicht von Malerei über verschiedene druckgrafische Techniken bis hin zu bildhauerischen Arbeiten und Performances; seine Ausstellungen interagieren stets mit den räumlichen Begebenheiten.Text: Max Schön, Bernd Schwarze, Marianne Wagner, Hans Wißkirchen,

Swiss artist Rochus Lussi, born in 1965, examines the individual's existence in the mass. Issues of vulnerability, sensitivity, and defensibility are also key topics of his art, for which he mainly employs the mediums of sculpture and installation, but also drawings and performance. This first monograph on Lussi offers a broad survey of his work from thirty years, featuring small and multi-part installations, wood sculptures, works on paper, and photographs of his performance actions. The human figure is at the core of his early works, yet over time this begins to dissolve, and forms from everyday life, structures, draperies, surfaces of different body worlds come to the fore. The comprehensive visual presentation of Lussi's oeuvre is supplemented with essays contributed by art historians, curators, and art educators.

Gaëlle Choisne (*1985, lebt und arbeitet in Paris und Berlin) behandelt in ihren Arbeiten die Komplexität der Welt mit ihren zahlreichen politischen und kulturellen Krisen - etwa der Raubbau an Natur und natürlichen Ressourcen oder die Folgen und Spuren der Kolonialgeschichte. Ihre Werke sind oft als kooperative Projekte konzipiert, die sich über Jahre weiterentwickeln und an wechselnden Standorten sowie mit unterschiedlichen Mitwirkenden immer wieder neu definieren.Choisnes Langzeitprojekt Temple of love - To hide orientiert sich an der Idee von Selbstheilung durch Erfahrungsaustausch, an einer Verbundenheit mit den Vorfahren, dem Respekt vor dem historischen Erbe und innerer körperlicher Ausgeglichenheit. In mehreren Interviews befragte sie weibliche und transfeminine Personen zu ihrer Situation als rassifizierte Frauen in der heutigen Gesellschaft, darunter mehrere Frauen, die Fähigkeiten entwickelt haben, durch verschiedene Methoden und Techniken zu "heilen": etwa durch Gründung von Gemeinschaften, in der Familienfürsorge, durch Musik oder mit "alternativer" Medizin.Ihre aus Videoprojektionen und Objekten bestehende Installation präsentiert sich als Safe Space, in dem es um Selbstfürsorge und das Sorgen für andere geht. Besucher:innen sind eingeladen, an einem energetischen Heilungsprozess teilzunehmen oder beseelende Getränke zu sich zu nehmen.

Vocal Traditions: Training in the Performing Arts explores the 18 most influential voice training techniques and methodologies of the past 100 years. This extensive international collection highlights historically important voice teachers, contemporary leaders in the field, and rising schools of thought.

Transcultural Theater outlines the idea of a transcultural theater as enabling an approximation to and an interaction with the foreign and the alien. This book is for scholars and students as well as for all those working in the cultural field, especially in the field of cultural transfer.