Tekstilkunst

ikke alle ved, at den folkekære multikunster også har sit virke som kunstmaler. Thomas Ejes malerier vidner om hans farverige personlighed og lune. Man kan kun blive glad og trække på smilebåndet, når man ser på hans værker. Det er alt fra malerier til keramik, og alt der ellers kan males på.

Born in 1972 in Osaka, Japan, Chiharu Shiota has been living and working in Berlin since 1997.

Installed in a loosely chronological order, the exhibition will give an overview of Tapta's oeuvre, which is mainly divided into two "periods": the textile works made in the 1960s until the early 1980s and the works in neoprene from the 1980s to 1990s. The exhibition first focuses on Tapta's textile works, in which she steadily distanced herself from traditional weaving by applying experimental techniques such as twisting her woven pieces and, in particular, through the use of ropes, which she knotted and joined together into organic volumes. Her work protruded outwards from the wall, became more three-dimensional and increasingly interacted with the space and the viewer, who was invited to experience the works not only visually but also in a tactile and physical manner, stepping around and even inside them.In addition to about twenty original textile works, the exhibition will premiere the unique reconstruction recently made of Tapta's Forms for a Flexible Space (1974). This imposing installation made of cords, in which the visitor can enter and taka a seat, is-as far as is known-the only still existing environment of which Tapta created several in the early 1970s. However, since the original is in extremely poor condition, an exhibition copy was made last year during the Tapta exhibition at Wiels, Brussels, and will be shown in its entirety for the first time at Muzeum Susch. Tapta's activation of the viewer, as seen in the textile sculptures, also manifests itself in the black neoprene works that she began to make in the late 1980s and which-following an intermediate phase of experimenting with rubber and stretching ropes across the vaults of the exhibition spaces-marked a radical turn in her use of materials. Handcrafted rope sculptures now gave way to sculptures and installations from the industrially manufactured material, neoprene-further developing, however, her idea of flexible sculpture. Large black surfaces connected by metal bars and bolts form open structures, through or past which the viewer can walk. Sometimes, the different elements of the sculpture are connected by hinges, allowing their shape to be changed-according to the size of the space or the will of the visitor.Some of the archival documents that will be shown next to the scale models, feature Tapta as a professor at the La Cambre National School of Visual Arts in Brussels. From 1976 to 1990, she led the textile workshop there, renaming it Flexible Sculpture. This commitment as a teacher was as important to her as her artistic practice. Rather than instructing her students in a particular technique, she prioritised the development of an open and critical mind. Her students included Ann Veronica Janssens, Monica Droste and Marie-Jo Lafontaine. Tapta (the pseudonym of Maria Wierusz-Kowalska, born Maria Irena Boyé) was born in Poland in 1926 and came to Belgium as a political refugee with her husband, Krzysztof, after taking part in the Warsaw Uprising of 1944. She studied weaving at the La Cambre National School of Visual Arts, Brussels, from where she graduated in 1949. Shortly afterwards, the couple moved to the Belgian Congo (now Democratic Republic of the Congo), where they lived from 1950 to 1960. On their return to Belgium in 1960, until her sudden death in 1997, she worked in Brussels as an artist and-from 1976 until 1990-as a professor at La Cambre.

Im äußersten Osten Frankreichs, unweit der Grenze zu Deutschland und der Schweiz, liegt die historische Stadt Mulhouse. Im frühen 19. Jahrhundert wurde sie zu einem führenden Zentrum der Textilherstellung im Land. Heute ist hier das Musée de l'Impression sur Étoffes zu Hause - ein Museum, das sich voll und ganz der Geschichte des Textildrucks vom 17. Jahrhundert bis heute verschrieben hat. Nur wenige namhafte Modeschöpferinnen und Modeschöpfer haben diesen Tempel für Textilien nicht besucht. Mit den zwei Bänden halten Sie den Schlüssel zu seinen Gewölben in den Händen. Virtuos eingefangene Aufnahmen der textilen Sammlungen von vier Kontinenten erzählen auf großformatigen Seiten die Geschichte eines faszinierenden künstlerischen und technischen Abenteuers von den Anfängen in Indien bis zu den allerneuesten Kreationen. In zwei Bänden erwecken neun umfangreich bebilderte Kapitel die chronologisch und thematisch beispiellose Rückschau des Museums auf die Kunst des Textildrucks zu strahlendem Leben. Und diese Reise beginnt in Indien. Band eins geht den fernöstlichen Ursprüngen der Entwürfe nach, die den Textildruck berühmt gemacht haben, und folgt ihrem Weg in die Fabriken Europas. Hinzu kommen Geschichten und Bilder von der Entwicklung neuer Farbpaletten und künstlerischen Neuerungen wie der Toile de Jouy. Der zweite Band blickt zurück auf den unglaublichen Einfallsreichtum der Hersteller und ihrer Designer im 19. und 20. Jahrhundert. Entdecken Sie Kaschmirmotive, die ins Auge springen, und die intensive Leidenschaft für Natur und Blumen unter Napoleon III. in Frankreich, bevor künstlerische Avantgarden und die Moderne die kreative Gestaltung des Textildrucks grundlegend veränderten. Mit fast 900 Schaustücken, die in originalgetreu wiedergegeben sind, reisen Sie durch die außergewöhnliche Vielfalt der Motive und Farben, die dieses Buch für Textilfans jeglicher Couleur zu einer einzigartigen Quelle der Inspiration machen.

Giv nyt og dekorativt liv til dit tøj i stof, denim og strik Tidens helt store trend er at lappe og reparere sit tøj. Og reparationerne på tøjet må meget gerne være synlige, så de samtidig kan pynte på tøjet og være en udsmykning. I denne håndbog får du en samling af stingmønstre – organiseret efter niveau, fra begynder til ekspert – der alle giver liv til de synlige reparationer. Bog indeholder over 50 håndsyede og vævede eksempler, som du kan bruge i dine egne reparationer. Til hvert projekt er der billeder af det færdigsyede mønster og et trin for trin-diagram, der viser, hvordan udtrykket skabes. Bogen byder på inspirerende ideer til reparation af al slags tøj – lige fra geometriske gitterbaserede design til organiske natur-inspirerede mønstre. En praktisk bog for alle, der ønsker at lave synlige reparationer, der samtidig er dekorative, så tøjet kan få et længere liv.

Ny og inspirerende strikkebog fra Kristin Wiola Ødegård Lad dig inspirere af Kristin Wiola Ødegårds nye og legende modeller i denne smukke strikkebog. Her finder du trendy beklædningsgenstande, der er strikket på både store og små pinde og med garn i forskellige tykkelser og kvaliteter. Bogen byder på tøj med strukturstrik og glatstrik, nogle ensfarvede og nogle flerfarvede. Du får 22 opskrifter på lækre trøjer og jakker, bløde toppe, veste og nederdele, men også tilbehør som varme huer, sjaler og halsrør – og såmænd også en balaclava! Kristin Wiola Ødegårds stil er unik, og som ingen anden kombinerer hun farver med overraskende og charmerende detaljer. Hun opfordrer til, at du bruger rester fra dit garnlager i kombination med nyt garn og til at være kreativ og sætte dit eget præg på det færdige resultat. Alle de smukke billeder er igen taget af Sofie Ødegård.

Pensées et sentiment ! Louisa Clement s'intéresse dans son travail à la question de la présence humaine dans l'artificiel ou, le cas échéant, à la présence de l'artificiel dans l'humain. Elle a d'abord fait sensation avec son oeuvre « Représentantes » (Repräsentantinnen) (2021) où elle fait intervenir 10 clones robotisés qui, en plus d'une ressemblance parfaite avec elle, disposaient par le biais de la technologie d'un accès à toutes les informations et données personnelles la concernant. L'IA leur permettait d'imiter l'artiste et de la reproduire le plus fidèlement possible jusqu'à en devenir les revenants, pourtant dotés chacun d'une vie propre. Louisa Clement a aussitôt été élue à l'unanimité pour le prix d'art de la ville de Bonn 2023 : « Malgré sa jeunesse, l'artiste Louisa Clement a déjà créé une oeuvre à la force et la cohérence exceptionnelles... et a convaincu [le jury avec son] projet [inédit] qui se situe à la jonction de l'art et de la science, tout en traitant des sujets d'actualité brûlants tels que le rapport entre l'homme et l'intelligence artificielle, l'individu et l'algorithme, l'expérience et le flux de données. » Pour l'exposition au Kunstmuseum de Bonn (22.2-16.6.2024), elle développera et perfectionnera son travail actuel intitulé « Compression » (2023), une capsule métallique de 2 cm de haut qui contient un ADN synthétique généré à partir des jeux de données tirées de l'oeuvre complet de l'artiste jusqu'à aujourd'hui et doit le conserver pendant 1000 ans.

Die Publikation "Training the Archive" fasst die Ergebnisse des gleichnamigen Forschungsprojekts am Ludwig Forum Aachen zusammen, das zwischen 2020 und 2023 in Zusammenarbeit stattfand. Das Buch beinhaltet Interviews mit Expert*innen aus dem Feld der Künstlichen Intelligenz, eine Materialsammlung in Form von Bildern, Informationen zu Prototypen und Dokumentationen der begleitenden Laborausstellung und Fachkonferenz. "Training the Archive" legt dabei Schwerpunkte auf eine Übertragung von maschinellen Lernverfahren auf die kuratorische Praxis und auf die Untersuchung, inwieweit algorithmische Modelle die Sammlungserschließung unterstützen können.Text: D. Bönisch, Nick Couldry, Elisa Giardina Papa, Adam Harvey, Mar Hicks, Mél Hogan, F. Hunger, Moritz Ibing, Maya Indira Ganesh, Leif Kobbelt, Isaak Lim, Ulises Mejias, Matteo Pasquinelli, Gabriel Pereira, Anna Ridler, Alexa Steinbrück, Giulia Taurino, Magda Tyzlik-Carver.

Tremulations präsentiert Objekte aus dem Archiv des Swedenborg-Hauses sowie Schriften und Kunstwerke u.a. von Marcel Duchamp, Meret Oppenheim, Yayoi Kusama und Apichatpong Weerasethakul. Die Publikation stellt die Orthodoxien des institutionellen Kuratierens in Frage und nimmt dabei wenig Rücksicht auf die traditionellen Formen der Kategorisierung der Welt. Sie kombiniert Elemente aus dem Archiv des Swedenborg-Hauses, darunter die Ohrknochen des Mystikers Emanuel Swedenborg, mit Werken der modernen und zeitgenössischen Kunst und Literatur. Der Katalog ist nach Swedenborgs "Neun Regeln der Tremulation" gegliedert und wird in Kapiteln unterteilt, die sich im physischen, zeitlichen und virtuellen Raum des Swedenborg-Hauses manifestieren. Swedenborgs Regeln sind ein Schema, um historische und zeitgenössische Formen der Verbreitung und Übertragung zu erforschen: Spiegelbilder, Träume, Reflexionen, divinatorische Visionen, Phantasien, Erinnerungen, Prophezeiungen und Halluzinationen sowie filmische Projektionsformen, die sich älterer Vermittlungstechnologien als Fernsehen und Video bedienen, sowie postkinematische und virtuelle Formen: The Bridge von Mark Leckey; Hilma af Klint: The Temple und It will End in Stars von Nathalie Djurberg & Hans Berg.

Planche's comprehensive survey of the history of British fashion is a masterpiece of costume history. Spanning two thousand years of British history, from the Roman occupation to the Victorian era, Planche traces the evolution of fashion and dress in exquisite detail. With illustrations and descriptions of clothing, headwear, and accessories through the ages, this book is an essential resource for costume designers, historians, and anyone interested in the history of fashion.This work has been selected by scholars as being culturally important, and is part of the knowledge base of civilization as we know it.This work is in the "public domain in the United States of America, and possibly other nations. Within the United States, you may freely copy and distribute this work, as no entity (individual or corporate) has a copyright on the body of the work.Scholars believe, and we concur, that this work is important enough to be preserved, reproduced, and made generally available to the public. We appreciate your support of the preservation process, and thank you for being an important part of keeping this knowledge alive and relevant.

Anna Thommesen (1908-2004) var en dansk kunstner og væver. Igennem mere end fem årtier vævede hun sine karakteristiske tæpper med geometriske mønstre, og har med dem efterladt et markant og unikt livsværk i dansk kunsthistorie. Hun var en respekteret kunstner og udførte flere store op­gaver, heriblandt udsmykningen til alteret i Roskilde Dom­kirke og de meget store tæpper til Landstingssalen på Christians­borg. Alligevel er det kun få, der har forsøgt at sige noget ­substantielt om Anna Thommesens kunst. Som tekstilkunstner og kvinde er hendes værk primært blevet set som kunsthåndværk og har ikke fået den fortjente kunsthistoriske opmærksomhed. Med denne bog søger forfatteren at komme ­dybere ned i Anna Thommesens værk. Det centrale i bogen er værkoversigten, som for første gang dokumenterer hele Anna Thommesens imponerende produktion. I bogens første afsnit præsenteres læseren for Anna Thommesens liv og arbejde. I den sidste del diskuteres mod­tagelsen af Anna Thommesens værk, og forfatteren afdækker nye forbindelser mellem hendes værk og værker af andre kunstnere i hendes samtid. Forfatteren Philip Pihl er cand.mag. i kunsthistorie. Han er uddannet på Københavns Universitet og Ludwig­-Maximilians-Universität i München. Bogen om Anna Thommesen er indbundet i shirtingbind.Udgivet i samarbejde med Syddansk Universitetsforlag.

The story of Fleur Wood's journey from corporate world to creative life woven with generous doses of the practical ways you can bring more creativity into your own life. Taking cues from the natural world we wander through Fleur's contemporary fiber art practice to encourage and support you to find your own creative path. With beautiful imagery showcasing Fleur's enchanting stitch work and the surrounding landscape, this is a creative guide that invites you into her art studio based in rural New Zealand. Her practice is as untamed as the New Zealand landscape that inspires her, free of rules, guided by intuition and joy in the process. Together we explore color, texture, flora, textiles and stitch alongside the magic moments, happy accidents, perfect coincidences and ridiculous randomness of the creative process. Chapters include Fleur's inspiring backstory, through to inspiration she takes from nature to create her art, to more practical chapters showcasing her favorite stitches, steps on fabric dyeing, and advice on threads, needles and fabrics to use. Embracing the slow, contemplative nature of stitch we can reconnect our creative spirits to reimagine embroidery as a contemporary tool for mark making. This book wraps you in a warm blanket of nostalgia, grounds you in nature and inspires your senses to allow you to travel down your own creative path gathering all the precious little details meant for you along the way.

Die international renommierte Textilkünstlerin und Forscherin Noémi Speiser beschäftigt sich seit 1948 mit textilen Techniken. In diesem Buch veröffentlicht sie ihre lange erwartete Klassifikation der textilen Techniken, welche sie in drei Hauptkategorien einteilt: "Die Arbeit mit einem Faden", "Das Verarbeiten eines Fadensatzes" und "Das Einarbeiten von Fäden in einen vorbereiteten Fadensatz". Der Fokus von Noémi Speiser liegt dabei auf dem Arbeitsprozess, also der Herstellung der textilen Struktur.Von Hand gezeichnete Illustrationen der Autorin begleiten die Systematik mit ihren zahlreichen Subkategorien und vermitteln einen profunden Überblick über die Vielfalt der textilen Techniken.

With her first comprehensive monograph Infinite Walk, Katharina Lehmann (b. 1984) invites the reader on an individual artistic journey through her impressive oeuvre. The process of creating her works involve the artist walking back and forth using her unique thread-drip painting technique to create a fabric made up of hundreds of thousands of kilometres of yarn and acrylic paint which Lehmann then uses in a multitude of ways to create spatial installations, objects and pictures. Like a journey, the book also has several stages. In a total of eight chapters, the publication illuminates the artist's most significant creative phases to date. Beginning with 2014, which Katharina Lehmann described as her personal 'ground zero', the presentation extends to the present day and provides an outlook to new horizons.

This book investigates men and quiltmaking, an under-researched part of theU.S.-American quilt world. It analyzes the connection between the genderedness ofmaterial practice and White masculinity concepts in the U.S.-American mainstream.The examination of the construct of masculinity in two quilt novel series from the2010s aims to answer the question of whether the characters¿ attitudes towardsquiltmaking and quilts as objects provide information about change in heterosexualgender relations and whether the fictional masculinities in Wanda E. Brunstetter¿s orAnn Hazelwood¿s novels promote new approaches to manhood. Due to the paucity ofscholarly work on contemporary quilt fiction, this book also contributes to the studyof a hybrid genre.

Volume 2 of James Byar's "1/2 An Autobiography" adds significantly to the existing scholarship on the life and work of the artist and completes a lasting monograph of his complex oeuvre. This volume shows the full scope of the artist's work with 125 sculptures, costumes, performable paper works, films, ink paintings, correspondence, ephemera, live performances, documents and previously unpublished material.Text: Magalí Arriola, Peter Eleey, Ana Janevski, Shinobu Sakagami and Pan Wendt. Conversation between Jocelyn Miller, Robert Landsman and Sandra Lang-Landsman,

Benoît Piérons künstlerische Praxis ist durch seine lebenslange Erfahrung mit Krankheit sowie eine Kindheit geprägt, die er größtenteils im Krankenhaus verbrachte. Er beschäftigt sich mit dem medizinischen und gesellschaftlichen Umgang mit kranken Körpern, mit Erfahrungen des Wartens und der Ungewissheit. Mit Objekten aus Krankenhauslaken Decken, Flaggen, Kissen und Plüschtier-Fledermäusen treten an die Stelle der rigiden Infrastruktur des Krankenhauses sinnliche Körper, die, so der Künstler, der Krankheit "Plastizität" verleihen. Indem er Parallelen zwischen Haut und Stoff, zwischen medizinischen Stichen und dem Nähen herstellt, erschafft Piéron aus individuellen Schicksalen künstlerische Objekte und erobert den kranken Körper aus den Händen der Medizin zurück. Mit der Medizin teilt Piéron die "kindliche Neugier", wissen zu wollen, was unter seiner Haut vor sich geht. Ihm geht es allerdings nicht um die "Reparatur" eines als krank verstandenen Körpers, sondern darum, jenen institutionellen und gesellschaftlichen Kräften Widerstand zu leisten, die seinen Körper als "krank" einstufen. So verwandelt Piéron seine Krankheit in eine Kunst des Überlebens.Text: Élisabeth Lebovici. Benoît Piéron im Gespräch mit Manuela Ammer

Füsun Onur ist eine der bedeutendsten Künstlerinnen der Türkei. 2022 hat sie den Türkischen Pavillon auf der Biennale von Venedig bespielt. Zwar ist ihr beeindruckendes und vielseitiges Werk durch regelmäßige Beteiligungen an Gruppenausstellungen einem internationalen Publikum kontinuierlich zugänglich gewesen, hat aber bislang keine ausreichende Würdigung erfahren. Der Katalog zur Retrospektive stellt Arbeiten aus den 1960er Jahren bis heute vor.Text: Merve Yesilada Çaglar, Yilmaz Dziewior, Barbara Engelbach und Emre Baykal, Süreyyya Evren, Füsun Onur, Nilüfer Sasmazer.

A beautiful in-depth, practical guide to the exquisite textile art of renowned embroiderer, Chloe Giordano, now expanded with fresh insights and three inspiring new artworks. "Utterly amazing! The embroidery work of Chloe Giordano is delicate, tiny, beautiful, realistic, adorable, detailed, perfect - there are so many adjectives you could use to describe her work!" - Mary Corbet, Needle 'n Thread Take a walk through the stunning stitched world of renowned embroiderer Chloe Giordano, and discover not only her unique way of working with sewing thread but also a sublime collection of her exquisite textile art, inspired by her love of the natural world. This expanded paperback edition gives fresh insight into the ways Chloe's style is evolving and developing, and contains three new artworks, each containing insights into her creative process. Taking one project from conception through to completion, see how Chloe plans her designs, chooses colours, selects threads, blends colours and finally stitches her designs in order to create her beautifully detailed embroideries. Packed with Chloe's guidance on every aspect of the process, including hooping and framing, this book will inspire you to create stunning thread paintings of your own. In the second part of the book, wend your way through a beautiful gallery of Chloe's work showcasing her popular, intricate embroideries that celebrate wildlife both big and small - from foxes, fawns through to hares, rabbits, mice and more. All are accompanied by the back story and inspiration behind the piece, offering a fascinating and exclusive look into Chloe's creative process. For needle-painting that will astound you with its lifelike, delicate beauty pick up this book and get lost in the magical woodland art of Chloe Giordano.

Die vorliegende Publikation begleitet die erste Einzelausstellung der international renommierten Künstlerin Mercedes Azpilicueta (*1981 in La Plata, Argentinien) in Deutschland. Das Werk der in Amsterdam lebenden Künstlerin umfasst Performance, Skulptur, Zeichnung, Textilarbeiten, Videokunst und Installation. Darin kommen queere, feministische oder marginalisierte Figuren zu Wort. In fließenden, assoziativen Verbindungen konterkariert sie starre Geschichtsnarrative und versucht, diese zu dekonstruieren und Raum für affektive und abweichende Stimmen zu schaffen. Ihre Arbeiten sind inspiriert von spekulativer und fiktionaler lateinamerikanischer Literatur, (neo)barocker Kunstgeschichte, Dekolonialismus, zeitgenössischer Populärkultur und verschiedenen Aspekten der Handwerkstechnik und der Textilproduktion.Mercedes Azpilicuetas jüngste künstlerische Forschung konzentriert sich auf die Erkundung der Identitäten von Figuren aus der Vergangenheit, die sich außerhalb des Gewöhnlichen bewegten. Anhand von Bildern Artemisia Gentileschis, einer Nacherzählung der obskuren Geschichte vom ¿Nonnen-Leutnant¿, welche*r im 17. Jahrhundert lebte, barocken Kleidungsstücken wie beispielsweise der Schamkapsel sowie neobarocken Gespenstern rekonstruiert Azpilicueta die Vergangenheit, indem sie deren Anachronismus wiederherstellt und Geschichten mit Imagination und Erinnerung belebt. In ihren Arbeiten verbindet sie auf diese Weise barocke Stilelemente mit dem schillernden, queeren Nachtleben, der Bondage-Kultur und anderen Aspekten, die sich mit der Geschlechtsidentität und den dem Körper auferlegten Zwängen befassen.

With the Danner Prize, four further honorary awards, and an exceptional exhibition in Landshut's Heiliggeistkirche, the Danner Foundation acclaims outstanding arts and crafts achievements in 2023 for the fourteenth time. The artists and objects are the epitome of artisanal perfection and new design-based ideas. They are presented in the catalogue in expansive photographs and informative concept descriptions, while the significance and evolution of the arts and crafts are examined from various angles by authors of renown.

Over 50 full-color images cover a span of over 100 years of textiles, from the 1800s through the 1900s. Featured images derive from prints, paintings, illustrations and photographs, and illustrate the arts of sewing, needlework and quilting.

A comprehensive how-to reference that teaches dry textile surface design techniques for making custom cloth, including appliqué, embroidery, layering, and more.

An introductory guide to identifying, dating, and pricing antique and vintage Japanese kimono

Who does not know the thread of life, the common or silken thread? This book deals with the symbolic meanings that thread holds for human life, as already evident in the myths of antiquity: the thread of Ariadne in the labyrinth; the young woman, Arachne, transformed into a spider; and the three Moirai who spin the thread of human life. To this day, these stories touch on existential questions such as individuality and collectivity, power and powerlessness, doubt and certainty, fate and responsibility. Works of contemporary art and historical graphics, presented in both image and text, create spaces for thought and association-inviting us to engage with the openness of the meaning of threads, and to interweave them with personal thoughts and experiences.Text: Birte Hinrichsen, Dr. Corinna Otto, Dr. Maria Spitz.