Sekulære emner og hverdagsliv i kunsten

”KBH Passion” graver dybt ned i den københavnske undergrund, og tager dig med på en unik rejse i fem forskellige subkulturelle miljøer. Et ellers lukket land for udefrakommende, hvor kun uskrevne regler hersker.Du vil komme ind under huden på Urban Explorere, der opsøger og udforsker forladte og svært tilgængelige steder i byen og dokumenterer det med flotte fotos. Du kommer med på, og uden for tribunen, når fodbold ultras kæmper for deres klub. Du kommer med rundt i byens skygger, når graffitimalerne sniger sig rundt for at skrive deres navne, mens de forsøger at undgå politi og vagter. Du er med, når skaterne bruger byrummet som deres legeplads, og når Dj´s fyrer op for nattelivet og dyrker musikken. Bogen er bygget op med stemningsbilleder, interviews og vilde beretninger. En håndfuld fremstående personer, fra hver af de subkulturelle miljøer, fortæller om deres passion, og hvorfor de brænder for den i den grad, at det ofte har udviklet sig til en livsstil. En livsstil, som adskiller sig markant fra de normer og værdier, der gør sig gældende i samfundet. Go` rejse.

Her kommer bogen, der hjælper dig til at forbedre dit sexliv. Du og din partner får her inspiration og værktøjer til at den optimale nydelse – gennem at fjerne hæmninger, og udvide jeres seksuelle repertoire!Her får du indblik i hvilke teknikker, der driller og behager, fantasierne, det sexede legetøj – og det frække festspil, der øger glæden og intimiteten. Alle teknikker præsenteres sammen med eksplicitte, erotiske fotografier, der vækker fantasien, sanserne og inspirerer til kreativitet.Bogen giver dig også opskriften på, hvordan du kan varme op til sex med en massage, der er fuld af overraskelser, og som ikke kun fokuserer på de åbenlyse erogene zoner, men giver dig og din partner mulighed for at opdage dele af hinanden, som I måske aldrig har udforsket før.Oplev hvordan du kan tænde din partner – med oral sex, massage med aromaterapi olier, sensuelt med bind for øjnene og tantrisk lykke. Eller hvad med sexet dans og lækker sex snak – kort sagt bogen der giver dig en banket af udsøgte muligheder!

NY ESSAYBOG AF CHARLOTTE WEITZE OM KLIMAET SOM EKSISTENTIEL TRUSSEL Som skønlitterær forfatter har Charlotte Weitze gennem sine seneste værker skildret vores forhold til naturen og klimakrisen. I sit første store essay undersøger hun med udgangspunkt i sit eget liv, hvordan vi i mødet med kunsten kan reflektere over alt det uforudsigelige og irrationelle ved klimaforandringerne.For Charlotte Weitze går vejen til et dybere og bredere engagement i klimakampen hverken gennem forskningens benhårde facts eller politikernes moralske formaninger. Weitze undersøger, hvordan kunsten kan være et eksistentielt refleksionsrum – et sted, hvor vi kan finde vores egen måde at involvere os i klimaforandringerne på – tilpas følsomt uden at blive grebet af angst.KLODENS KLIMA I KUNSTENS PERSPEKTIVVidenskabsfolk og politikere har sagt alt det rigtige, men uden den store effekt. Kunne det give mening at udtrykke sig ’forkert’ – i betydningen åbenlyst famlende, anderledes indfølende, kreativt undersøgende – og måske opnå en effekt ved at lade mennesker mærke efter og tænke selv? I en kunstners tilgang til klodens klima lægges der ikke skjul på al den tvivl, bekymring, angst og forvirring, der kendetegner et menneskes oplevelse af naturens voldsomme forandringer.ET FORSØG MED HUD OG HÅRMed essayet ser Weitze tilbage på sin barndoms oplevelse af naturen og frem til i dag, hvor hun sammen med sin familie har sat egne mål for et mere bæredygtigt liv. Det er en vandring gennem kunstværker fra 1970’ernes aktivisme til nutidens kunst, bl.a. af Olafur Eliasson og Karin Lorentzen. Forfatterens engagement er dog ikke privat, men personligt, i bogstaveligste forstand et forsøg på indlevelse med hud og hår. Charlotte Weitze er skønlitterær forfatter og dramatiker. Klimaaktivisme og en kunstnerisk interesse for natur løber som en rød tråd gennem hendes forfatterskab, i Rosarium (2021), i cli-fi-romanen Den afskyelige (2016) og ikke mindst her i hendes nye essay om Klimaet og kunstneren.

Das Buch, das zugleich als Dokumentation der gleichnamigen Ausstellungspräsentation im Haus Mödrath dient, präsentiert frühe Arbeiten aus der Privatsammlung Wilhelm Otto Nachf. Gezeigt werden vor allem Werke solcher Künstlerinnen und Künstler, die in den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren im Rheinland arbeiteten, als Köln neben New York das weltweite Zentrum der zeitgenössischen Kunst war.Über die Jahre formte sich bis heute eine Sammlung, die einen subjektiven Einblick in die damalige Kölner Kunstlandschaft liefert und erstmalig in dieser Form in Haus Mödrath zu sehen ist.Ergänzt werden Ausstellung und Katalog um Künstler und Kunstwerke, die sich diesem Kölner Zeitabschnitt unmittelbar anschlossen und einen wichtigen Schwerpunkt der heutigen Sammlung bilden.Mit Arbeiten von: Albert Oehlen, Andreas Schulze, Anna und Bernhard Blume, Antony Gormley, Blalla W. Hallmann, Christopher Wool, Fischli/Weiss, Georg Herold, Gregor Schneider, Günther Förg, Hiroshi Sugimoto, Isa Genzken, Jochen Lempert, John Bock, Joseph Beuys, Jürgen Klauke, Kai Althoff, Katharina Sieverding, Marcel Odenbach, Peter Duka, Rob Scholte, Roman Signer, Rosemarie Trockel, Siegfried Anzinger, Sigmar Polke, Thomas Zipp, Walter Dahn

Seit Beginn seines Künstlerlebens hat Jürgen Köhler (* 1954) sich ganz auf das Zeichnen fokussiert. In seinen figurativen, situativen und gegenstandsfreien Bilderfindungen greift der Künstler regelmäßig auf einschlägige Motive der Kunstgeschichte und ihre ikonographischen Rahmenthemen zurück, um auf diese Weise sein Verhältnis zu Zeit und Welt zu illustrieren.Seine Zeichnungen ähneln in ihrem Fantasiereichtum häufig den Arbeiten von Kindern oder sogenannten Outsidern, auch wenn sie inhaltlich von Mythen, Religiosität, Erotik und Sexualität geprägt sind. Sie zeigen Zeichen, Figuren, eisige Natur und technoide Geometrien, beschwören unsere verborgenen und verschütteten Erinnerungen und Gedanken und eröffnen erratische Räume, gefüllt mit Metaphern und Allegorien.Seine Figuren kommen nicht ausschließlich aus dem europäischen Bildverständnis, sie kennen das faszinierende Fremde japanischer Holzschnitte, die Maskeraden geheimnisvoller Rituale oder Szenen aus dem uns unbegreiflichen No-Theater. Dabei haben seine Zeichnungen nichts Ideologisches, keine vorausgedachte Programmatik, keine Botschaft, sie sind den Abgründen des Unbewussten auch da noch verpflichtet, wo sie die sogenannte Wirklichkeit in den Blick nehmen.Der Katalog erscheint anlässlich der gleichnamigen Ausstellung im Leonhardi-Museum Dresden (20.01.-24.03.2024).

El presente libro se centra en la creatividad artística, más concretamente, en el proceso de creación que lleva a cabo el actor/actriz desde su entrenamiento hasta la representación. El estudio conjuga la práctica actoral con el pensamiento científico, planteando la comprensión del trabajo interpretativo desde los avances que nos proporcionan las neurociencias y las ciencias cognitivas. A lo largo del texto se va desgranando qué nos aportan los descubrimientos actuales desde el ámbito neurocientífico y cómo pueden provocar una relectura innovadora respecto a los procesos y mecanismos que el actor/actriz pone en funcionamiento a la hora de interpretar.

When the group Rrose Irwin Sélavy was founded in Yugoslavia in 1983, its members DuSan Mandic (1954, Ljubljana), Miran Mohar (1958, Novo Mesto), Andrej Savski (1961, Ljubljana), Roman Uranjek (1961, Trbovlje, +2022, Ljubljana) and Borut Vogelnik (*1959, Kranj) were aged between 22 and 29. They all came from the punk and graffiti scene of Ljubljana. Together with the music group Laibach, the theater of the sisters Scipio Nasicas, and the designers from Neuer Kollektivismus (New Collectivism), IRWIN is still one of the main groups of the artists' collective Neue Slowenische Kunst (New Slovenian Art), founded in 1984.This volume is published to mark the 40th anniversary of the artists' collective and to accompany the exhibition at HMKV Dortmund. Since 1983, IRWIN has been investigating the art history of Eastern Europe, especially the ambivalent legacy of the historical avant-garde and its totalitarian successors, i.e. the dialectic of avant-garde and totalitarianism. Since the 1990s, the focus of the group has been on challenging the art history of "Western Modernism" in a critical and iconoclastic way. The artists playfully and darkly contrast it with the "retro avant-garde" and an "Eastern Modernism".The book, which can be read from both sides, is made up of two parts: the first chapter explores the black humor that is a consistent element in IRWIN's work. The second chapter examines issues relating to the state - and how IRWIN uses them to comment on current topics such as migration.

A key theme pervading the work of Alex Müller (*1969) is her investigation of the complex phenomenon of time. Again and again, the artist finds impressive images representing time - both its progress as well as its relative nature. For Kunsthalle Nürnberg, Alex Müller has developed an exhibition that combines biographical allusions, cultural and art historical references. In eight chapters, the exhibition takes us on a journey through the artist's universe.Numerous everyday objects become charged with a specific meaning in Alex Müller's oeuvre. Any material can become an artistic material in her work. The artist underlines the open narratives of her art by cleverly playing with the boundaries of painting, drawing, sculpture, installation, film, sound, and performance.Stories are hinted at, but never fully told. The titles evoke associations with specific people, books, films, or events. Alex Müller's art always suggests something unspoken, encouraging further thought, and represents the perpetual search for the self as well as a varied exploration of transience.

Winner of the Heldt Prize for Best Book in Slavic, East European, and Eurasian Women's and Gender Studies 2021There was a discontent among Russian men in the nineteenth century that sometimes did not stem from poverty, loss, or the threat of war, but instead arose from trying to negotiate the paradoxical prescriptions for masculinity which characterized the era. Picturing Russia's Men takes a vital new approach to this topic within masculinity and art historical studies by investigating the dissatisfaction that developed from the breakdown in prevailing conceptions of manhood outside of the usual Western European and American contexts. By exploring how Russian painters depicted gender norms as they were evolving over the course of the century, each chapter shows how artworks provide unique insight into not only those qualities that were supposed to predominate, but actually did in lived practice. Drawing on a wide variety of source material, including previously untranslated letters, journals, and contemporary criticism, the book explores the deep structures of masculinity to reveal the conflicting desires and aspirations of men in the period. In so doing, readers are introduced to Russian artists such as Karl Briullov, Pavel Fedotov, Alexander Ivanov, Ivan Kramskoi, and Ilia Repin, all of whom produced masterpieces of realist art in dialogue with paintings made in Western European artistic centers. The result is a more culturally discursive account of art-making in the nineteenth century, one that challenges some of the enduring myths of masculinity and provides a fresh interpretive history of what constitutes modernism in the history of art.

Vi nærmer os afslutningen – på demokratiet, på liberalismen, på kapitalismen, på en sund planet og på civilisationen, som vi kender den. Men hvad kommer efter verdens undergangRadikale futurismer er en undersøgelse af, hvad der følger efter undergangsfortællingerne, og hvordan vi derfor bør organisere os. Med udgangspunkt i eksempler på eksperimentel visuel kultur, nye medier og sociale bevægelser fremkalder kunsthistorikeren T. J. Demos visioner for retfærdige fremtider og argumenterer for, at det er lige så vigtigt at bekæmpe nihilistisk sortsyn som kapitalismens greenwashing og algoritmiske herredømme.T. J. Demos (f. 1966) er kunsthistoriker og professor i visuel kultur ved University of California. Han har vundet flere priser for sine bøger om samtidskunst, international politik og økologi. "Radikale futurismer" er hans første bog på dansk.Bogen er del af Bibliotek for ny kunstteori. Tidligere bøger i serien: "Kunstner i arbejde" af Bojana Kunst, "Retsteknisk arkitektur" af Eyal Weizman, "Den frigjorte beskuer og Det sanseliges deling" af Jacques Rancière, "Vores æstetiske kategorier" af Sianne Ngai, "Toldfri kunst" af Hito Steyerl og "Samtidskunstens teorier" af Juliane Rebentisch.

Seit über 35 Jahren versendet der Maler Tom Drake Bennett zu Beginn eines jeden neuen Jahres an seine Freundinnen und Freunde und an seine Sammlerinnen und Sammler - in diesem Jahr an über 100 Adressaten - kleine, etwa 2-3 mm dicke und ca. 10,4 x 14,5 cm große, auf Karton gemalte, collagierte, farbige Neujahrsgrüße. Anfangs waren die "Kunstkarten" direkt mit Adresse, Absender, Briefmarke und dem Poststempel versehen. Heute werden sie zur Sicherheit im Briefumschlag verschickt, da jede Karte ein wertvolles Unikat ist. Diese kleinen Tafeln bilden eine eigene Werkreihe und sind persönliches Zeugnis für den Kontakt und Austausch mit Freunden. Mit seinen "Kunstkarten" knüpft Tom Drake Bennet an die Tradition der "Künstler-Postkarte" an, wie sie zu Beginn des 20. Jahrhunderts unter Künstlern zu einer beliebten Kommunikationsform geworden war. "Arte Postale - Bilderbriefe, Künstlerpostkarten, Mail Art" nannte sich beispielsweise eine Ausstellung der Akademie der Künste Berlin im Jahr 2013.Im vorliegenden Buch werden über 60 Arbeiten aus den letzten Jahrzehnten bis zum Jahr 2022 gezeigt. Verschiedene Kompositionsweisen, unterschiedliche malerische und collagierte Oberflächengestaltungen überzeugen den Betrachter von der Vielfalt und der Entwicklung dieses interessanten "Tafelwerkes" im Oeuvre von Tom Drake Bennett.

Forvandlinger – Skræk, lyst og død i religion undersøger i en række vidt forgrenede essays religion som en ”forvandlingsmaskine”, der lader mennesker overskride fysiske, mentale og åndelige grænser. Bogen anlægger overraskende perspektiver på religionernes betydning for den menneskelige eksistens med eksempler hentet fra historiske kilder, ritualer, myter, kunst, musik, tegneserier og film. Refleksionerne over forvandlingstematikken udspiller sig i en vibrerende kulturhistorisk spænding mellem fortid og nutid, og således peger bogen også på, hvordan de grænseoverskridelser, vi er vidne til i nutidens religiøsitet, lægger sig i forlængelse af en lang historisk tradition. Christian Munch-Hansen (f. 1969) er cand.mag. i religion og musik, underviser og freelance musikskribent. Ole Bjørn Petersen (f. 1953) er cand.mag. et art. i historie, religion og filosofi, underviser og har en tillægsuddannelse i journalistik. Begge er forfattere til flere bøger.