Litteraturstudier: fra 1600 til 1800

"In the late Romantic age, demands for political change converged with thinking about the end of the world. This book examines writings by Lord Byron, Mary Shelley and their circle that imagined the end, from poems by Byron that pictured fallen empires, sinking islands, and dying stars to the making and unmaking of populations in Frankenstein and The Last Man. These works intersected with and enclosed reflections upon brewing political changes. By imagining political dynasties, slavery, parliament, and English law reaching an end, writers challenged liberal visions of the political future that viewed the basis of governance as permanently settled. The prospect of volcanic eruptions and biblical deluges, meanwhile, pointed towards new political worlds, forged in the ruins of this one. These visions of coming to an end acquire added resonance in our own time, as political and planetary end-times converge once again. John Owen Havard is Assistant Professor of English at Binghamton University. He is the author of Disaffected Parties: Political Estrangement and the Making of English Literature, 1760-1830 (2019). His articles and essays on the Byron circle, party politics, political emotion, and the future of democracy have appeared in ELH, Nineteenth-Century Literature, The Byron Journal, The New Rambler and Public Books"--

Scent is both an essential and seemingly impossible-to-recover aspect of material culture. Scent is one of our strongest ties to memory, yet to remember a smell without external stimuli is almost impossible for most people. Moreover, human beings' (specifically Western humans) ability to smell has been diminished through a process of increased emphasis on odor-removal, hygienic practices that emphasize de-odorization (rather than the covering of one odor by another).While other intangibles of the human experience have been placed into the context of the eighteenth-century novel, scent has so far remained largely sidelined in favor of discussions of the visual, the aural, touch, and taste. The past decade has seen a great expansion of our understanding of how smell works physiologically, psychologically, and culturally, and there is no better moment than now to attempt to recover the traces of olfactory perceptions, descriptions, and assumptions. Reading Smell provides models for how to incorporate olfactory knowledge into new readings of the literary form central to our understanding of the eighteenth century and modernity in general: the novel. The multiplication and development of the novel overlaps strikingly with changes in personal and private hygienic practices that would alter the culture's relationship to smell. This book examines how far the novel can be understood through a reintroduction of olfactory information. After decades of reading for all kinds of racial, cultural, gendered, and other sorts of absences back into the novel, this book takes one step further: to consider how the recovery of forgotten or overlooked olfactory assumptions might reshape our understanding of these texts. Reading Smell includes wide-scale research and focused case studies of some of the most striking or prevalent uses of olfactory language in eighteenth-century British prose fiction. Highlighting scents with shifting meanings across the period: bodies, tobacco, smelling-bottles, and sulfur, Reading Smell not only provides new insights into canonical works by authors like Swift, Smollett, Richardson, Burney, Austen, and Lewis, but also sheds new light on the history of the British novel as a whole.

The Smallpox Report explores the Romantic-era medical and literary narratives that made vaccination plausible, available, and desirable.

Sagnet om Faust, der sælger sin sjæl til Djævelen, er blevet fortalt i forskellige afskygninger igennem århundreder og ligger også til grund for Goethes mesterværk af samme navn. Hensigten med Carl Kochs bog er at indføre læseren i Goethes Faust, således at denne opnår en dybere forståelse af værket og dets mange fortolkningsmuligheder og skjulte henvisninger.Carl Koch (1860-1925) var dansk præst og forfatter. Han blev uddannet cand.theol. i 1884 og arbejdede som lærer ved Birkerød Latinskole, før han blev kapellan og senere valgmenighedspræst. Carl Koch har skrevet en lang række bøger om blandt andet Goethe, Brorson, Kierkegaard og Jesu lignelser.

This book charts the personal and professional journey of Greg Doran, Artistic Director of the Royal Shakespeare Company from 2012 until 2022 and "one of the great Shakespearians of his generation" (Sunday Times). During his illustrious career, Doran has directed or produced all of the plays within Shakespeare's First Folio -- a milestone reached in the same year that the world celebrates the 400th anniversary of its original publication. Each chapter looks at a different play, considering the choices made and weaving in both autobiographical detail and background on the RSC, as well as giving insights into key collaborations, including those with actors such as Judi Dench, David Tennant, Harriet Walter, Patrick Stewart, Simon Russell Beale, Paterson Joseph and Doran's husband, the late Antony Sher, as well as seminal practitioners such as Cicely Berry, John Barton and Terry Hands. The book also includes 16 striking pages with stills from some of the RSC plays. Through Doran's account of this extraordinary journey, we see how Henry VIII, initially regarded as a poisoned chalice, became his lucky break; how the tragedy of 9/11 unfolded during a matinee of King John and how the language of the play went some way in helping to articulate the unfathomable; how a RSC supporter bequeathed their skull to the company to be used as Yorick in Hamlet; how meeting Nelson Mandela inspired the production of Julius Caesar; how Falstaff was introduced to China for the very first time; and how arachnophobia informed the production of Macbeth. This book uniquely captures the excitement, energy, surprises, joys and agonies of working on these greatest of plays; sheds new light on these plays through Doran's own research and discoveries made in the rehearsal room; and gives unprecedented access into the craft, life and loves of this exceptional director.

The essays in The Secret Life of Things approach it-narratives, a once popular form largely forgotten by readers and critics alike, from various theoretical and historical vantage points. While sketching the cultural biography of a neglected literary form, these wide-ranging essays both enrich and complicate the history of prose fiction in the second half of the eighteenth century.

This volume re-examines traditional interpretations of the rise of modern aesthetics in eighteenth-century Britain and Germany. It provides a new account that connects aesthetic experience with morality, science, and political society. In doing so, it challenges long-standing teleological narratives that emphasize disinterestedness and the separation of aesthetics from moral, cognitive, and political interests.The chapters are divided into three thematic parts. The chapters in Part I demonstrate the heteronomy of eighteenth-century British aesthetics. They chart the evolution of aesthetic concepts and discuss the ethical and political significance of the aesthetic theories of several key figures: namely, the third Earl of Shaftesbury, David Hume, and Adam Smith. Part II explores the ways in which eighteenth-century German, and German-oriented, thinkers examine aesthetic experience and moral concerns, and relate to the work of their British counterparts. The chapters here cover the work of Kant, Moses Mendelssohn, Alexander Gottlieb Baumgarten, and Madame de Staël. Finally, Part III explores the interrelation of science, aesthetics, and a new model of society in the work of Goethe, Johann Wilhelm Ritter, Friedrich Hölderlin, and William Hazlitt, among others.This volume develops unique discussions of the rise of aesthetic autonomy in the eighteenth century. In bringing together well-known scholars working on British and German eighteenth-century aesthetics, philosophy, and literature, it will appeal to scholars and advanced students in a range of disciplines who are interested in this topic.The Introduction and Chapters 2, 10, and 12 of this book are freely available as downloadable Open Access PDFs at http://www.taylorfrancis.com under a Creative Commons Attribution-Non Commercial-No Derivatives (CC-BY-NC-ND) 4.0 license.

Charting the early dissemination of Shakespeare in the Nordic countries in the 19th century, this opens up an area of global Shakespeare studies that has received little attention to date. With case studies exploring the earliest translations of Hamlet into Danish; the first translation of Macbeth and the differing translations of Hamlet into Swedish; adaptations into Finnish; Kierkegaard's re-working of King Lear, and the reception of the African-American actor Ira Aldridge's performances in Stockholm as Othello and Shylock, it will appeal to all those interested in the reception of Shakespeare and its relationship to the political and social conditions.The volume intervenes in the current discussion of global Shakespeare and more recent concepts like 'rhizome', which challenge the notion of an Anglocentric model of 'centre' versus 'periphery'. It offers a new assessment of these notions, revealing how the dissemination of Shakespeare is determined by a series of local and frequently interlocking centres and peripheries, such as the Finnish relation to Russia or the Norwegian relation with Sweden, rather than a matter of influence from the English Cultural Sphere.

This volume offers a fresh perspective on teaching, re-reading, and expanding the Romantic canon by shedding light on the period from a distinctively Cultural Studies point of view. The discourses reflected in this range of contributions open a window into the social inequalities of the late 18th and early 19th centuries, be they in generational, class, gender, sexual or ethnic terms, as well as intersections thereof.We see a significant parallel between the ethics and literary activism of Romantic writers and the 'wokeness' of activists in Western contemporary cultures, especially given the criticism surrounding their works which either celebrates their progressive impetus or unveils the underlying shortcomings of their performative activism and intrinsic close-mindedness. The essays reveal that Romantic ideas echo into contemporary controversies surrounding questions of white privilege, gender and sexual inequalities, human rights, and the increasing marginalisation of vulnerable groups in the face of global crises.

This rhetorical study of the persuasive practice of English Puritan preachers and writers demonstrates how they appeal to both reason and imagination in order to persuade their hearers and readers towards conversion, assurance of salvation and godly living. Examining works from a diverse range of preacher-writers such as William Perkins, Richard Sibbes, Richard Baxter and John Bunyan, this book maps out continuities and contrasts in the theory and practice of persuasion.Tracing the emergence of Puritan allegory as an alternative, imaginative mode of rhetoric, it sheds new light on the paradoxical question of how allegories such as John Bunyan's The Pilgrim's Progress came to be among the most significant contributions of Puritanism to the English literary canon, despite the suspicions of allegory and imagination that were endemic in Puritan culture. Concluding with reflections on how Milton deploys similar strategies to persuade his readers towards his idiosyncratic brand of godly faith, this book makes an original contribution to current scholarly conversations around the textual culture of Puritanism, the history of rhetoric, and the rhetorical character of theology.

Globalisierung ist kein modernes Phänomen, sondern so alt wie die Menschheit selbst. Die Begegnung mit anderen Kulturen spielt dabei eine zentrale Rolle: Die Art und Weise, wie Individuen und Gesellschaften darauf reagieren, ermöglicht uns nicht nur tiefe Einblicke darin, wie andere Kulturen wahrgenommen werden, sondern auch in das eigene Selbstverständnis.Die vorliegende Dissertation untersucht genau diese interkulturellen Begegnungen in einer Zeit, die als eine der einflussreichsten Epochen der Globalisierung im modernen Sinn gilt: die Frühe Neuzeit in England. Am Beispiel von sechs ausgewählten Stücken William Shakespeares (Titus Andronicus, A Midsummer Night's Dream, The Merchant of Venice, Othello, Cymbeline und The Tempest) wird die Entwicklung der Darstellung dieser Begegnungen in drei Phasen nachgezeichnet, die durch die Ausrichtung der zentralen Grenzüberschreitung (transgression, presence und inversion) definiert wird. Diese Entwicklung reflektiert, so die Leitthese der Arbeit, die soziokulturellen Diskurse der Entstehungszeit der Stücke, welche zu verstehen helfen, wie Prozesse der frühneuzeitlichen Globalisierung aufgegriffen, fort- und umgeschrieben sowie mitgestaltet wurden.

A collection of essays by scholars of eighteenth-century literature, sharing their experiences as both producers and users of explanatory annotations.

"Death and the Body in the Eighteenth-Century Novel demonstrates that archives continually speak to the period's rising funeral and mourning culture, as well as the increasing commodification of death and mourning typically associated with nineteenth-century practices. By drawing on a variety of historical discourses-such as wills, undertaking histories, medical treatises and textbooks, anatomical studies, philosophical treatises, and religious tracts and sermons-this study contributes to a fuller understanding of the history of death in the Enlightenment and its narrative transformation. As of yet, no single study has collected copious material and literary examples of death and mourning in the period"--

Die Studie befasst sich mit dem Zusammenhang von Sinneswahrnehmung und Exotismus in der deutschsprachigen, französischen und britischen Literatur vom späten 18. bis zum frühen 20. Jahrhundert. Sie geht von der These aus, dass sich der Exotismus als ein westeuropäischer Diskurs beschreiben lässt, der tatsächlichen oder imaginierten Elementen einer fremden, zumeist außereuropäischen Region eine außergewöhnliche sinnliche Dimension verleiht. Dabei erscheint das Exotische in eskapistisch-zivilisationsmüden Phantasien als etwas Befreiendes; als etwas, das die Rehabilitation der im Zuge der zunehmenden abendländischen Modernisierungsprozesse verkümmerten Sinne verspricht.Obgleich sich die Forschung bereits eingehend mit dem Exotismus befasst hat, liegen bislang keine Studien vor, die sich seiner dezidiert sensorischen Dimension widmen. Dieses Desiderat wird die Studie füllen, indem sie - der poetischen wie referentiellen Funktion eines Textes gleichermaßen gerecht werdend - sowohl die dezidiert literarischen Verfahrensweisen untersucht, welche die ausgewählten Texte im Umgang mit der sensorischen Dimension des Exotismus entwickeln, als auch die Involviertheit von Texten in breitere kulturelle Kontexte berücksichtigt. Damit beschreitet die Studie einen neuen Weg der Exotismusforschung und leistet einen innovativen Beitrag zu Debatten um Interkulturalität und (Post-)Kolonialismus.

Studienarbeit aus dem Jahr 2019 im Fachbereich Germanistik - Neuere Deutsche Literatur, Note: 2,3, Friedrich-Schiller-Universität Jena (Germanistische Literaturwissenschaft), Veranstaltung: Hier sind Helden, Sprache: Deutsch, Abstract: Wilhelm Tell ist das letzte vollendete Schauspiel Friedrich Schillers. Er beginnt 1801 mit dem Verfassen des dramatischen Werks und nutzt hierzu verschiedene historische Quellen, um es dann am 18. Februar 1804 abzuschließen. Es wird noch im selben Jahr am Hoftheater in Weimar unter Goethes Leitung uraufgeführt. Der Stoff Wilhelm Tells ist ein intensives Thema für Schiller. Über viele Jahre hinweg kann sich Schiller zunächst keineswegs für den ¿Schweizer Helden¿ und dessen Geisteshaltung begeistern. Er plant entgegen Goethes Vorstellungen jedoch kein Versepos, sondern ein Drama.Sich mit Schillers Werken zu beschäftigen bedeutet eine disziplinäre Grenzüberschreitung, da sie durch seine Interessen auch auf den Gebieten der Philosophie, Geschichte und Medizin und Kunst beeinflusst werden. Zahlreiche literarische und dramatische Bearbeitung der Moderne dokumentieren die ungebrochene Lebendigkeit Schillers letzten vollendeten Werks. Schiller liebte die Freiheit und das Leben und die Frauen. ...

Studienarbeit aus dem Jahr 2018 im Fachbereich Germanistik - Neuere Deutsche Literatur, Note: 1,3, Ludwig-Maximilians-Universität München, Sprache: Deutsch, Abstract: Diese Arbeit untersucht die Schlussszenen in "Emilia Galotti" von Gotthold Ephraim Lessing. Obwohl Gotthold Ephraim Lessings "Emilia Galotti" vor mehr als 240 Jahren seine Uraufführung am Braunschweiger Hoftheater feierte, zählt es bis in die Gegenwart zu den meist aufgeführten Bühnenstücken im deutschsprachigen Raum. Die simple, aber stetig vorwärtsdrängende Handlung im Zusammenhang mit seinen komplexen Figuren stellen das moderne Publikum bis heute vor eine willkommene, aber nicht ganz einfache Herausforderung. Denn obwohl die Gattung des Trauerspiels lange Zeit mit einer kalkulierten, vorhersehbaren Dramatik etikettiert wurde, kann Lessings "Emilia Galotti" dieser Kritik vor allem durch ein zweites Hinsehen standhalten und offenbart dabei zahlreiche Doppelböden, offene Fragen und Widersprüche.Vor allem der Schluss des Trauerspiels entzieht sich mit Emilias Ermordung durch ihren Vater Odoardo, trotz intensiver Forschungsarbeit, einer allumfassenden Deutung. Ohne daher Anspruch auf Vollständigkeit zu erheben, sollen in der vorliegenden Arbeit die viel diskutierten Schlussszenen analysiert werden. Als Ausgangspunkt wird dabei zunächst kurz auf die Lesart des Bürgerlichen Trauerspiels eingegangen, um darauf aufbauend die Voraussetzungen des Handelns exemplarisch zu beleuchten. Die neu gewonnenen Erkenntnisse sollen im weiterführendem Hauptteil mit einbezogen werden und ein besseres Verständnis für die Verstrickungen der einzelnen Figuren in Hinblick auf Emilias tödliches Ende ermöglichen. In einem Fazit werden die gemachten Ergebnisse zusammengetragen und kritisch reflektiert.Das Kernstück dieser Arbeit, die Analyse der Schlussszenen von Lessings Trauerspiel "Emilia Galotti", stellt einen kurzen Einblick in die komplexe Konstellation der Figuren im Stück dar. So legt die vorliegende Szenenanalyse abhängig von der jeweiligen Figurenperspektive zwar überraschende Zusammenhänge frei, ermöglicht jedoch keine Bündelung der verschiedenen Deutungstendenzen zu einer allumfassenden Interpretationsthese, die dem Werk gerecht werden würde. Bemerkenswert ist hierbei vor allem, dass, ähnlich einer Sisyphusarbeit, mit jeder neu gewonnenen Erkenntnis auch gleichzeitig neue Fragen aufgewirbelt werden.

Akademische Arbeit aus dem Jahr 2013 im Fachbereich Germanistik - Literaturgeschichte, Epochen, Note: 1,7, Albert-Ludwigs-Universität Freiburg, Veranstaltung: Techniken und Methoden der Literaturwissenschaft, Sprache: Deutsch, Abstract: In dieser Arbeit soll gezeigt werden, wie Lessing speziell in seinen Werken Minna von Barnhelm und Emilia Galotti seine Frauengestalten konzipierte. Es gilt, herauszufinden, ob Lessing eine Geschlechtertrennung vornimmt und somit als Vertreter seiner Zeit zu sehen ist, oder ob er als aufklärerischer Denker die Frauen als Individuum in seinen Stücken präsentiert und ihnen eine Rolle zuschreibt, die für die Bühne seiner Zeit völlig neu ist.Näen und spinen flicken und butzen, kochen und reiben ist ein Arbeit für die Weiber. Ackeren und öcken, säen und schneiden gehört für die Männer, welche das Brod in das Haus sambt anderer Nothdurfft verschaffen sollen¿ haben also die Weiber das Brod von Männern, die Männer Hau und Leinwad, Kost und Suppen von Weiberen zuempfangen. (1701)Treffend beschreibt Christoph Selhamer als Zeitgenosse die Ansicht der Rollenverteilung von Mann und Frau im angehenden 18. Jahrhundert. Dieses Zitat verkörpert exakt die damalige Wirklichkeit. Die Aufgaben der Frau bestanden demnach darin, sich um Haushalt und Hof zu kümmern, die Erziehung der Kinder zu tätigen und dem Ehemann eine gute Frau zu sein. Die Wahl der Ehemänner fand dabei nicht aus eigenem Willen statt. Die Frauen hatten sich streng nach den Wünschen ihrer Eltern zu richten und mussten den zum Mann nehmen, den diese für sie aussuchten. Nach der Hochzeit war das größte Befugnis der jungen Ehefrau, Kinder zu bekommen und dieses Wohl zu erziehen. Der Vater, welcher als Oberhaupt der Familie galt, hatte das komplette Sagen. Nach seiner Autorität hatten sich Frau und Kinder zu richten. Die Frau des 18. Jahrhunderts war also dem Mann untergeordnet und hatte sich dessen Willen zu fügen. Ihr selbst war es nicht vermacht, Verantwortung zu übernehmen oder sich ihres eigenen Verstandes zu bedienen. Daraus resultiert eine große Abhängigkeit, in vielerlei Hinsicht, der Frauen von den Männern. Finanziell abhängig war die Frau gegenüber dem Mann vor allem aufgrund der Tatsache, dass es der Frau untersagt war zu arbeiten. Der Mann galt als Alleinverdiener der Familie und ihm war die Rolle zugeteilt, diese zu ernähren. Aber auch ideologisch war die Frau vom Mann abhängig. Bis auf Klöster und Pensionen gab es für Frauen keinen Weg zur Bildung, wohingegen für Männer die Türen der Universitäten und Schulen offen standen.