Bøger udgivet af Hirmer Verlag

Geheimnisvoll schimmernde Mosaikbilder aus glitzernden Glassteinchen schmücken die ältesten Kirchen Roms und erzählen von Schönheit, Glauben und Handwerkskunst durch ein ganzes Jahrtausend. Der Band berichtet von ihrer Bedeutung, fängt ihre spirituelle Kraft ein, stellt sie in den historischen Kontext und erweckt damit Meisterwerke zum Leben.Zwölf Mosaikensembles in neun Kirchen entfalten ihre strahlende Pracht anhand von Detailaufnahmen, die die Autorin entschlüsselt. Licht als Erscheinungsform Gottes wird in ihnen nahezu greifbar. Die detailreichen Motive erzählen eindrucksvoll von einem idealisierten Rom, dessen Macht sich aus antikem Ruhm wie aus christlichem Erbe speist, von politischen Realitäten im Wandel und theologischen Hintergründen. Eine übersichtliche Karte weist den Weg zu den Kirchen und macht diesen Band zum perfekten Reisebegleiter.LISTE DER KIRCHENSANTA COSTANZA, SANTA PUDENZIANA, SANTA MARIA MAGGIORE, SANTI COSMA E DAMIANO, LATERANBASILIKA, SANTA PRASSEDE, SAN MARCO, SAN CLEMENTE, SANTA MARIA IN TRASTEVERE

Mit der National Library of Israel entsteht im Herzen von Jerusalem der neueste Bau der Stararchitekten Herzog & de Meuron. Das ikonische Gebäude, welches einem geöffnetem Buch gleicht, stellt einen physischen Speicher für israelische Literatur, Kultur und Geschichte dar. Die Publikation feiert die Architektur und zeigt die Bedeutung von Bibliotheken in unserem digitalen Zeitalter.Es ist die Krönung eines visionären 30-jährigen Projekts zur Erneuerung der israelischen Nationalbibliothek unter der Leitung von Yad Hanadiv (Rothschild-Stiftung): Der Band über Herzog & de Meurons architektonische Ikone nimmt den Leser mit auf eine Reise: Wie ensteht aus einem Entwurf, Mörtel und Stein ein öffentlicher Raum für kulturellen Austausch? Abbildungen aus den Bauabschnitten, Texte führender israelischer Autor:innen, Zeichnungen von Zoya Cherkassky und eine Graphic Novel von Rutu Modan lassen den bibliophilen Band zu einer einzigartigen Gebäudemonografie werden.

Mit der National Library of Israel entsteht im Herzen von Jerusalem der neueste Bau der Stararchitekten Herzog & de Meuron. Das ikonische Gebäude, welches einem geöffnetem Buch gleicht, stellt einen physischen Speicher für israelische Literatur, Kultur und Geschichte dar. Die Publikation feiert die Architektur und zeigt die Bedeutung von Bibliotheken in unserem digitalen Zeitalter.Es ist die Krönung eines visionären 30-jährigen Projekts zur Erneuerung der israelischen Nationalbibliothek unter der Leitung von Yad Hanadiv (Rothschild-Stiftung): Der Band über Herzog & de Meurons architektonische Ikone nimmt den Leser mit auf eine Reise: Wie ensteht aus einem Entwurf, Mörtel und Stein ein öffentlicher Raum für kulturellen Austausch? Abbildungen aus den Bauabschnitten, Texte führender israelischer Autor:innen, Zeichnungen von Zoya Cherkassky und eine Graphic Novel von Rutu Modan lassen den bibliophilen Band zu einer einzigartigen Gebäudemonografie werden.

Mit atemberaubender Virtuosität loten Viktor Horsting und Rolf Snoeren seit über 30 Jahren die Grenzen zwischen Couture und Kunst aus. Das Buch entführt in eine Welt spektakulärer Kreationen und spiegelt die Leidenschaften, die Obsessionen und die einzigartige Vision des Duos mit ihrem unkonventionellen Designansatz wider.Viktor&Rolfs Meisterwerke werden von Künstler:innen wie Madonna, Tilda Swinton, Lady Gaga, Doja Cat und Cardi B weltweit geschätzt oder in internationalen Opern- und Ballettproduktionen in Szene gesetzt. Reich bebildert sowie begleitet von einführenden Texten und einem Interview mit Viktor&Rolf präsentiert der Band rund 100 der gewagtesten Couture-Stücke des gleichermaßen visionären wie leidenschaftlichen Duos, ihre berühmten handgefertigten Porzellanpuppen in ikonischen Kreationen sowie Werke von renommierten Foto-Künstler:innen wie Ellen von Unwerth, Andreas Gursky, Inez&Vinoodh und Cindy Sherman.

Mit der National Library of Israel entsteht im Herzen von Jerusalem der neueste Bau der Stararchitekten Herzog & de Meuron. Das ikonische Gebäude, welches einem geöffnetem Buch gleicht, stellt einen physischen Speicher für israelische Literatur, Kultur und Geschichte dar. Die Publikation feiert die Architektur und zeigt die Bedeutung von Bibliotheken in unserem digitalen Zeitalter.Es ist die Krönung eines visionären 30-jährigen Projekts zur Erneuerung der israelischen Nationalbibliothek unter der Leitung von Yad Hanadiv (Rothschild-Stiftung): Der Band über Herzog & de Meurons architektonische Ikone nimmt den Leser mit auf eine Reise: Wie ensteht aus einem Entwurf, Mörtel und Stein ein öffentlicher Raum für kulturellen Austausch? Abbildungen aus den Bauabschnitten, Texte führender israelischer Autor:innen, Zeichnungen von Zoya Cherkassky und eine Graphic Novel von Rutu Modan lassen den bibliophilen Band zu einer einzigartigen Gebäudemonografie werden.

Oft sind Fundstücke aus Stahl für Hex (*1964) das Basismaterial seiner abstrakten Skulpturen. Mit Hilfe von Schweißgerät, Flex, Hammer und Poliermaschine schafft er formschöne und überaus beeindruckende Kunstwerke - mal kleine wie auch monumentale. Heute befinden sich Arbeiten von ihm in Sammlungen aber auch auf öffentlichen Plätzen weltweit. In diesem Buch wird ein Überblick über die Werke der letzten 10 Jahre gegeben.Bereits in jungen Jahren sah sich Hex als Bildhauer und verkaufte seine erste Skulptur mit nur 25 Jahren. Erfolgreiche Ausstellungen und Stipendien folgten, die Hex zu Arbeitsaufenthalten unter anderem nach Italien, England, Namibia, USA oder Kanada führten. Er wurde aufgenommen in die prestigeträchtige Royal Society of Sculptors und fand neben dem Stahl auch zu weiteren Werkstoffen wie Marmor und Bronze. Mit großformatigen Abbildungen führt die Publikation in das vielseitige OEuvre des prämierten Künstlers ein.

Antonio Canova erfand mit den Idealköpfen ein neues Genre. Ausdruck seiner Verbundenheit und Dankbarkeit, waren sie als Geschenke für enge Freunde und geschätzte Persönlichkeiten gedacht. Ausgehend von der berühmten Büste "La Riconoscenza" führt der prachtvolle Band im Überformat diese einzigartigen Freundschaftszeugnisse eindrucksvoll vor Augen.Canovas lange als verschollen geglaubtes Meisterwerk "La Riconocenza" (Die Dankbarkeit) ist eine Hommage an seinen wichtigsten Kritiker, den Kulturtheoretiker Quatremère de Quincy. In Auftrag gegeben wurde sie von der Künstlerin Marquise de Grollier, als Geschenk an den gemeinsamen Freund Quatremère. Anhand eines außergewöhnlichen Briefwechsels zwischen diesen drei illustren Persönlichkeiten, die das kulturelle Leben ihrer Zeit prägten, spürt der Autor der Entstehungsgeschichte der "Riconocenza" nach und ordnet sie in den Kontext von Canovas Teste "ideali" ein.

Ein Fisch wird zum Messer, ein Alligator zur Säge und der Künstler selbst zum Nokia-Telefon - John Martin ist einer der spannendsten schwarzen US-amerikanischen Künstler unserer Zeit. Der Band will zum besseren Verstehen und zur Wertschätzung seiner einzigartigen Bildsprache und seiner außerhalb der Kunstszene, aber auch außerhalb der Behindertengemeinschaft angesiedelten Arbeiten beitragen.John Martin wurde 1963 in Marks, Mississippi, geboren und lebt und arbeitet jetzt im Creative Growth Art Center in Oakland, Kalifornien. In seinen Zeichnungen, Keramiken und Holzarbeiten verknüpft er Erinnerungen an die Farm seiner Familie in Mississippi mit seinem heutigen Leben in Oakland. Meist bildet er Gegenstände aus seiner Sammlung von Objets trouvés ab, verleiht ihnen aber einen neuen Sinn, der ihre Funktion erkennen lässt, führt aber zugleich ihre Zweckmäßigkeit ad absurdum, indem er etwa skurrile Tiergestalten und überdimensionale Leatherman-Werkzeuge mit rätselhaften Textbruchstücken mixt. Mit schrägem Sinn für Humor übersetzen seine Kompositionen Bilder von Gebrauchsgegenständen in eine lebendige grafische Ästhetik.

Ob mit Silikonschläuchen, Farbe, Papier oder Faden - Monika Fioreschy findet in ihrem über 50-jährigen künstlerischen Schaffen immer wieder neue Ausdrucksformen in der Tradition der Webkunst. Neben den textilen Webstücken führt der Band durch weitere oftmals völlig heterogene Werkgruppen der Künstlerin und präsentiert dabei auch aktuelle aus älteren Werken upgecycelte Arbeiten.Stoff, der gewöhnlich Bildgrund für Gemälde ist, wird bei Monika Fioreschy zum Bildgegenstand. Ihre stets selbst gefärbten, gewebten und daher gerasterten Bildräume durchfließen horizontale Farbströmungen. Mal werden diese Abstraktionen durch Schlitze getaktet oder gewinnen wegen der - auch sinnträchtig mit Blut oder Pflanzenextrakt gefüllten - Silkonschläuche skulpturale Züge. Für ihre neuesten Arbeiten überführt sie ältere Werke mit Nagel und Faden zu etwas Neuem, zieht sie in den Erfahrungszustand von heute.

Welches Bild von China hatten japanische Künstler vom späten 17. Jahrhundert, als ihr Land sich gegen die Welt abschottete, bis zur Öffnung im Zuge der Modernisierung ab der Mitte des 19. Jahrhunderts? Der Band untersucht vorrangig Darstellungen in der japanischen Malerei vom späten 17. bis zum 20. Jahrhundert, die China als realen Ort ebenso wie als imaginäres gelobtes Land zeigen. In drei Essays renommierter japanischer Kunsthistoriker*innen und über fünfzig Katalogeinträgen zu außergewöhnlichen Werken werden die komplexen Reaktionen der Kunst Japans auf die chinesische Kunst, Geschichte und Kultur offenbar.Eine Handvoll wissenschaftlicher Studien hinterfragt in jüngerer Zeit das etablierte Narrativ, das moderne Japan habe sich allein am Westen orientiert. Diese verbreitete Vorstellung von einem ausschließlich westlich inspirierten heutigen Japan thematisiert "Toward Tomorrow". Mit einem nuancierteren Ansatz bemüht sich der Band, die schwierige Aussöhnung zwischen Alt und Neu im Zuge der Neuerfindung des modernen Nationalstaats Japan zu verstehen.

Die antike römische Portlandvase aus Überfangglas gehört zu den Schätzen des Britischen Museums und ist zugleich eine globale »Marke«, die seit Jahrhunderten bei Kunsthandwerker:innen, Sammler:innen und Käufer:innen hoch im Kurs steht und unzählige Male kopiert und neu interpretiert wurde.Der Band geht der spannenden Frage nach, warum und auf welche Weise die einmalige antike Vase über Zeit und Raum hinweg zur legendären künstlerischen und kommerziellen Muse oder, wie man heute sagen würde, »Influencerin« für Kunstschaffende wie Josiah Wedgwood, Viola Frey, Chris Wight, Michael Eden, Nicole Cherubini, Clare Twomey und Roberto Lugo wurde. Anhand von mehr als 65 Werken und reich bebildert wird die Rolle von Marken in unserer Kultur untersucht und erklärt, warum klassische Traditionen den künstlerischen Kanon dominieren und wie diese Traditionen neu gedacht und revolutioniert werden können.

"In the Company of Artists" ist die erste umfassende Studie über die Skowhegan School of Painting & Sculpture, die inmitten der Wirren des Zweiten Weltkriegs von Künstler:innen für Künstler:innen gegründet wurde. Der Band befasst sich mit der Philosophie und Ausstrahlung der einflussreichen Sommerkunstschule und erweitert damit unser Bild von der amerikanischen Kunstproduktion und den alternativen Bildungsangeboten der Nachkriegszeit.Der umfangreiche Band stützt sich auf Primärquellen, darunter neue und unveröffentlichte Interviews und Diskussionsrunden mit aktuellen und ehemaligen Studierenden der Fakultät, Fotografien und Standbilder, Ephemera und Kunstwerke aus über siebzig Jahren. Augenzeugenberichte gewähren Einblick in diese sehr private Institution, die in Bezug auf Repräsentanz, Gleichberechtigung und Inklusion ihrer Zeit weit voraus war. Der Band umfasst zudem ein eigens in Auftrag gegebenes Portfolio mit Fotografien der gefeierten Künstlerin Elle Pérez.

Das Werk der österreichischen Roma-Schriftstellerin, Malerin, Aktivistin, Musikerin und Holocaust-Überlebenden Ceija Stojka (1933-2013) ist Thema dieses Bandes. Seit den 1980er-Jahren schuf sie über tausend Zeichnungen und Gemälde mit Sujets, die von Landschaften und Erinnerungen an ihr glückliches Vorkriegsleben als Teil einer großen Pferdehändlerfamilie bis zur zunehmenden Verfolgung der Roma unter dem Naziregime reichen.Stojka überlebte als Kind die drei Konzentrationslager Ravensbrück, Bergen-Belsen und Auschwitz. In ihren Werken schildert sie ihre persönlichen Erfahrungen mit Verhaftung, Vernichtung, Überleben und Befreiung, die Millionen Menschen teilten. 2023 jährt sich ihr Geburtstag zum 90. Mal und ihr Todestag zum 10. Mal. In diesem Jahr feiern wir zugleich den 30. Jahrestag der offiziellen Anerkennung der Roma als Volksgruppe in Österreich (1993), für die sich Ceija Stojka jahrelang gemeinsam mit anderen österreichischen Roma stark gemacht hatte, um endlich vollwertiger Teil der Gesellschaft zu sein.

Die pulsierende kubanische Hauptstadt begeistert immer wieder mit ihren bunten Fassaden, amerikanischen Oldtimern und karibischem Flair. Über die touristischen Hotspots Havannas hinaus lädt dieser Reiseführer ein zu einem Blick in die Hochburgen des angesagtesten Modedesigns und zu ausgewählten architektonischen Highlights, Bars und Läden, in denen der aktuelle Wandel der quirligen Stadt zur modernen Metropole hautnah spürbar ist.Re- und Upcycling gehören in Havanna seit Jahrzehnten zum Alltag dazu. Die aus der Not geborene Tradition hat jetzt eine junge Generation von Modedesigner*innen neu definiert und produziert kunstvolle Kleidung und Unikate zu erschwinglichen Preisen. Angesichts der drohenden Ressourcenverknappung und der zunehmenden Vermüllung unseres Planeten bietet die karibische Metropole inspirierende Gedankenanstöße für nachhaltige Mode ebenso wie für die sanfte Neugestaltung und Umnutzung historischer Gebäude. Mit Adressen ausgewählter Galerien, Museen, Modelabels, Bars und Trendshops.

Die Kunst früherer Zeiten bildet in Los Angeles einen Schatz, der nur darauf wartet, endlich gehoben zu werden. Vor aller Augen und doch verborgen, findet man dort unkonventionelle und lyrische Werke einer ethnisch bunt gemischten Phalanx von Künstler*innen, die in den 1960er-Jahren fernab vom Mainstream in der Ceeje Gallery ausstellten - dem Wirklichkeit gewordenen Traum des schwulen Paares Cecil Hedrick und Jerry Jerome.Die Kunstszene von Los Angeles umfasste in den 1960er-Jahren bei weitem mehr als Ed Ruscha und Robert Irwin. Eine ganze Reihe weniger bekannter Künstler*innen veranschaulicht die sozialen und kulturellen Umwälzungen, die dieses flatterhafte Jahrzehnt prägten. Bei Ceeje stellten einige der ausgefallensten Kunstschaffenden aus. Die Galerie konzentrierte sich auf Malerinnen und Maler, die einen expressionistischen Stil mit mythischen Figuren und verblümten Narrativen verknüpften. Ceeje war für ihren integrativen Ansatz bekannt und lud Künstler*innen unterschiedlichster Couleur und Perspektive ein, ohne Rücksicht auf den kommerziellen Markt gemeinsam anspruchsvolle Kunst zu schaffen.

Ylla (1911-1955) widmete sich der Tierfotografie zu einer Zeit, als noch niemand daran dachte, ausschließlich Tiere zu fotografieren. Sie schuf etwas gänzlich Neues - sie hielt die individuellen Ausdrucksweisen und Persönlichkeiten der Tiere im Bild fest. Dieses Buch erzählt die spannende Geschichte einer selbstbewussten, abenteuerlustigen Frau, die als Pionierin der Tierfotografie Furore machte.Yllas bewegtes Leben führte sie von Belgrad über die surrealistischen Künstlerkreise von Paris, zu denen auch Brassaï, Kertesz und Moholy-Nagy gehörten, nach New York. Ihre ersten Aufnahmen machte sie im Studio und in Zoos, bevor sie schließlich nach Afrika und Indien reiste, wo sie bei einem tragischen Unfall während eines Wasserbüffelrennens ums Leben kam. Ihre Bücher Animals in Africa und Animals in India gehören zu den ersten dieses Themas. Ylla führte die Tierfotografie auch in die Kinderliteratur ein. Der kleine Löwe und Zwei kleine Bären gehören zu den Klassikern der Jugendliteratur.

Diese Publikation dokumentiert und kontextualisiert erstmals Udondians kreative Auseinandersetzung mit Textilien und wandelbaren kulturellen Identitäten innerhalb eines globalen Handelssystems, dessen Hauptmerkmal grenzüberschreitende Bewegungen von Waren und Menschen von einem Teil der Welt zu einem anderen ist.Die Arbeiten von Victoria-Idongesit Udondian werden bestimmt von ihrem Interesse an Textilien und dem identitätsstiftenden Potenzial unserer Kleidung, das geprägt ist von der Geschichte alltäglicher Materialien und den unbewusst in ihnen mitschwingenden Bedeutungen. Die aus solchen Werkstoffen entstehenden interdisziplinären Projekte hinterfragen die Konzepte kultureller Identität und postkolonialer Haltungen, die sie in ihrer Jugend in Nigeria kennenlernte und in ihrer transnationalen Praxis als Künstlerin mit Sitz in den USA erlebt. Ihre Werke untersuchen komplexe Themen wie Migration sowie ethnische und kulturelle Identität im globalen Kontext.

Sonya Kelliher-Combs wuchs in Nome im Nordwesten Alaskas auf. In zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen stellt sie ihre Arbeiten in Alaska, USA-weit und international aus. Ihre Mixed-Media-Gemälde und Skulpturen dokumentieren das anhaltende Ringen der Menschen in Alaska um Eigendefinition und Identität.Sonya Kelliher-Combs wuchs in Nome im Nordwesten Alaskas auf. In zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen stellt sie ihre Arbeiten in Alaska, USA-weit und international aus. Ihre Mixed-Media-Gemälde und Skulpturen dokumentieren das anhaltende Ringen der Menschen in Alaska um Eigendefinition und Identität.

Der deutsche Expressionismus mit seinen Vertretern Klee, Dix, Kirchner, Feininger, Modersohn-Becker und Kandinsky zählt zu den entscheidenden Bewegungen der Moderne. Eine der größten und renommiertesten Sammlungen Nordamerikas dieser Stilrichtung beherbergt das Saint Louis Art Museum. Die Publikation erzählt die Geschichte des deutschen Expressionismus und seiner Protagonisten anhand der Meisterwerke der Sammlung.Während und nach dem Zweiten Weltkrieg kam eine Vielzahl an Werken des deutschen Expressionismus in die Vereinigten Staaten. Frühzeitig erkannte die Direktion des Saint Louis Art Museums den Stellenwert der Kunst und erweiterte gezielt den Bestand. Erstmalig stellt der Band die Sammlung des Hauses vor: Insgesamt werden Meisterwerke von 25 Künstlern großformatig reproduziert und im Detail betrachtet. Dabei wird sowohl ihre Entstehung als auch der Weg bis zur Ankunft im Museum nachvollzogen. Der Autorin Melissa Venator gelingt die lebhafte Darstellung einer entscheidenden Ära der modernen Kunst.Künster*innen:Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Lovis Corinth, Otto Dix, Josef Eberz, Lyonel Feininger, Walter Gramatté, George Grosz, Erich Heckel, Karl Hofer, Alexei Jawlensky, Vasily Kandinksy, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee, Oskar Kokoschka, August Macke, Franz Marc, Ludwig Meidner, Paula Modersohn-Becker, Otto Mueller, Gabriele Münter, Emil Nolde, Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff, Georg Tappert

Otto Piene (1928-2014) verfolgte mit seiner Kunst hochgesteckte Ziele: Nicht nur erweiterte er seinen künstlerischen Schaffensbereich mit schwebender Sky Art und medialen Projektionen buchstäblich bis in den Himmel; auch sollten seine Werke einen Beitrag zu einer harmonischeren, friedlicheren und nachhaltigeren Welt leisten.Der reich illustrierte Band zeichnet Pienes Vision anhand seiner wichtigsten Projekte und Werkserien aus seiner Zeit in Deutschland und den USA nach. Dabei stehen Werke unterschiedlicher medialer Gattungen, wie kinetische Skulptur, Film, Malerei oder Performance, miteinander und insbesondere mit seiner stetigen Praxis des Zeichnens und Skizzierens im Dialog. Mit Texten von Piene-Expertinnen aus Europa und den USA bietet der Band einen ebenso umfassenden wie frischen Blick auf das Schaffen des vielseitigen Künstlers.

"Moving Pictures" beleuchtet die Hollywood-Karriere des bahnbrechenden Künstlers Karl Struss (1886-1981), der gleichermaßen mit unbewegten und bewegten Bilder zu Starruhm gelangte. Anhand von Fotografien, Filmen und Archivmaterial erzählt der Band seine multimediale Geschichte und zeichnet nach, wie der gefeierte Fotokünstler Struss zu einem der führenden Kameramänner Hollywoods wurde.In den 1920er-Jahren wandte sich Struss vorwiegend bewegten Bildern zu und stand bei Filmen wie "Ben Hur" (1925) und "Sonnenaufgang - Lied von zwei Menschen" (1927) hinter der Kamera. Im Laufe seiner Karriere arbeitete er mit den berühmtesten Leinwandstars und Regisseuren seiner Zeit wie Charlie Chaplin, Mary Pickford, Mae West, D.W. Griffith und Walter Murnau. Vor allem sein technischer und künstlerischer Beitrag zu "Sonnenaufgang" war revolutionär. Bis heute gilt der Film als ein Höhepunkt der Stummfilmkunst, und zu Recht erhielten Struss und sein Kollege an der Kamera, Charles Rosher, für "Sonnenaufgang" den ersten je vergebenen Oscar für die beste Kamera. Erstmals seit dreißig Jahren bietet mit "Moving Pictures" nun eine Monografie ein Gesamtbild von Struss' Schaffen.

Max Beckmann (1884-1950), der herausragende Maler des Expressionismus, zählt zu den wichtigsten Künstlern des 20. Jahrhunderts. Seine figurenstarken und farbintensiven Werke, die voller symbolreicher Botschaften, geheimnisvoll und zeitkritisch sind, zeugen von Beckmanns Ringen um existenzielle Fragen und seiner steten Suche nach der Wahrheit.Max Beckmann ist einer der faszinierendsten Maler der Moderne, der wie kaum ein anderer in seinen zahlreichen Werken und nicht zuletzt durch seine umfangreiche Korrespondenz und Tagebücher die gesellschaftlichen Umbrüche seiner Zeit spiegelte. Der Beobachter, der Gentleman, der Einzelgänger, der reflektierende Zeitzeuge, der Sinnsucher und selbstkritische Zweifler: Besonders in seinen ausdrucksstarken Selbstporträts glaubt man, Beckmanns facettenreichem Wesen ein Stück näher zu kommen und dadurch sein gesamtes metaphernreiches Werk besser verstehen zu können. Sein künstlerischer Werdegang sowie die wichtigsten biografischen Stationen, von den Jahren in Berlin und Frankfurt über das Exil in Amsterdam und Amerika, werden in diesem Band von einer der renommiertesten BeckmannSpezialistinnen, Dr. Christiane Zeiller, nachgezeichnet. Aus dem einzigartigen Max Beckmann Archiv mit seinen umfangreichen Nachlässen, das die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen in München beheimaten, wird in der Publikation bislang nicht veröffentlichtes Material gezeigt - private Fotos ebenso wie Gegenstände aus dem Besitz des Malers.

Der Begriff Secession steht Ende des 19. Jahrhunderts für den künstlerischen Aufbruch in die Moderne. Die Kunst drängt nach Freiheit. Avantgardistische Künstler:innen zeigen ihr neuartiges Schaffen auf Secessionsausstellungen. Damit präsentieren sie dem Publikum innovative Kunstströmungen und verhelfen etwa dem Impressionismus oder Symbolismus im deutschsprachigen Raum zum Durchbruch.Die neuartigen Zusammenschlüsse von Künstler:innen in Secessionen bedeuteten die Abkehr von althergebrachten Künstlervereinigungen und überkommenen Strukturen hin zu neuer künstlerischer Freiheit. Die bedeutendsten Secessionen im deutschsprachigen Raum entstanden 1892 in München, 1897 in Wien und 1899 in Berlin und sind bis heute mit ihren prägenden Figuren Franz von Stuck, Gustav Klimt und Max Liebermann verbunden. Der Band veranschaulicht die künstlerische Vielfalt in über 200 Werken von rund 80 Künstler:innen der Secessionen in Wien, München und Berlin sowie von internationalen Gästen wie Hodler, Munch, Rodin, Segantini oder Toorop.