Konservering og restaurering af kunstværker

Da Notre-Dame brændte, blev Ken Follett så berørt, at hans straks rejste til Paris. Han blev af sin franske forlægger opfordret til at skrive denne lille bog om Notre-Dames historie og betydning, både faktuelt og kulturhistorisk. Ken Folletts kæmpe bestseller "Jordens søjler" handler om bygningen af en fiktiv katedral i England, og arbejdet med denne bog gjorde forfatteren til en slags ekspert i bygning af katedraler i Middelalderen. "Notre-Dame" fortæller om bygningen af den franske katedral, som på en måde aldrig er blevet færdigt, og den fortæller om Notre-Dames betydning i kulturhistorien, tænk bare "Klokkeren fra Notre-Dame". Bogen er gribende, morsom og vildt fascinerende - og alle Folletts honorarer går til genopbygningen.

Få kunstnere har oplevet samme bratte fald fra superstjerne til kunsthistorisk prygelknabe som Carl Bloch (1834-1890). Efter sin død blev han skrevet ud af kunsthistorien og hans billeder sat på magasin. Men uden for museerne vandt Blochs virtuose teknik og forførende fortællinger fortsat nye tilhængere.I Carl Bloch – Forført gives en række bud på, hvordan Bloch har formået at fastholde et bredt publikum ved at tale direkte til de store menneskelige følelser, kropsligt og psykologisk. Hvad formede fænomenet Carl Bloch, og hvordan forstår vi ham i dag? I denne bog revurderer både forskere og et nutidigt, kritisk publikum Carl Blochs komplekse livsværk: fra de religiøse billeder, komiske genremotiver og opbyggelige skæbnefortællinger til de Rembrandt-inspirerede raderinger og de suveræne portrætter af det moderne livs kvinder.

In a time of climate crisis and housing shortages, a bold, visionary call to replace current wasteful construction practices with an architecture of reuseAs climate change has escalated into a crisis, the reuse of existing structures is the only way to even begin to preserve our wood, sand, silicon, and iron, let alone stop belching carbon monoxide into the air. Our housing crisis means that we need usable buildings now more than ever, but architect and critic Aaron Betsky shows that new construction—often seeking to maximize profits rather than resources, often soulless in its feel—is not the answer. Whenever possible, it is better to repair, recycle, renovate, and reuse—not only from an environmental perspective, but culturally and artistically as well.Architectural reuse is as old as civilization itself. In the streets of Europe, you can find fragments from the Roman Empire. More recently, marginalized communities from New York to Detroit—queer people looking for places to gather or cruise, punks looking to make loud music, artists and displaced people looking for space to work and live—have taken over industrial spaces created then abandoned by capitalism, forging a unique style in the process. Their methods—from urban mining to dumpster diving—now inform architects transforming old structures today.Betsky shows us contemporary imaginative reuse throughout the world: the Mexican housing authority transforming concrete slums into well-serviced apartments; the MassMOCA museum, built out of old textile mills; the squatted city of Christiana in Copenhagen, fashioned from an old army base; Project Heidelberg in Detroit. All point towards a new circular economy of reuse, built from the ashes of the capitalist economy of consumption.

La 'piera da l'aga' (pietra dell'acqua) di Ciago di Meduno (PN) è la base pressoria di un torchio vinario di epoca romana - una leggenda popolare vuole che il grosso monolite giacesse un tempo in mezzo al prato e che, spostato tramite l'aiuto di una coppia di buoi, fosse ritrovato il giorno seguente al posto di partenza. Solo in seguito ad un nuovo tentativo il masso ri¬mase nella nuova collocazione.Una seconda leggenda racconta, invece, che Ciago è stata in passato una "grande città", protetta dai quattro castelli di Meduno, Toppo, Cavasso e Solimbergo. La credenza è stata originata dal frequente ritrovamento, nella pianura ad Ovest e a Sud del borgo, di fondamenta di antiche case e dei resti di numerose tombe di epoca romana.Una vecchia consuetudine locale voleva che l'acqua piovana raccoltasi nelle quattro coppelle fosse benefica alla vista; veniva perciò toc¬cata dalle contadine di passaggio prima di fare il segno della croce, mentre mormoravano una preghiera.

Which artistic works can and should we preserve for the future? What structural conditions are needed to ensure the scope for both preserving the old and enabling the new?With the sheer amount of art constantly increasing while space becomes ever scarcer, Austria's Bundesimmobiliengesellschaft (BIG) faces major challenges when it comes to preserving the artistic works in and around its properties. An interdisciplinary conference, organised by BIG in cooperation with the University of Applied Arts Vienna, served to bring together experts from a variety of fields and to illuminate the issue of the preservation and archiving of art in public spaces from different perspectives.This publication was published as a review and extension of the conference "The Archiving of the presence" about dealing with art in public spaces, that was held in November 2021 in Vienna.

"Kangaroos In a correctional facility: Exploring Hostage Conditions" is a convincing investigation into the perplexing universe of hostage kangaroos, unwinding the moral, logical, and preservation aspects that encompass these marsupials in repression. This book digs profound into the verifiable setting of kangaroo bondage, following its advancement from prior practices to latest things. It reveals insight into the reason for bondage for kangaroos, taking part in a basic assessment of the moral discussions that highlight the idea of keeping these famous Australian animals in jail. The account unfurls against the scenery of the kangaroo's normal environment and conduct, underlining the imperative job they play in biological systems. Dangers to wild kangaroo populaces are inspected, making way for an inside and out investigation of the difficulties looked by their hostage partners. Wellbeing and government assistance issues, mental effects, and regenerative difficulties are examined, offering a complete comprehension of the intricacies engaged with overseeing kangaroos in imprisonment. The book adopts a proactive strategy by presenting enhancement systems pointed toward upgrading the prosperity of hostage kangaroos. These techniques length physical, social, and mental aspects, giving a guide to mindful bondage rehearses. Past the bounds of walled in areas, the story reaches out to the more extensive jobs hostage kangaroos play in protection endeavors and instructive projects, situating them as ministers for untamed life conservation. Exploring the legitimate and moral scenes, the book dissects global and public guidelines administering hostage kangaroos, giving perusers the moral quandaries looked by those associated with their consideration. Contextual analyses enlighten both fruitful projects and the difficulties defied by hostage kangaroo offices, offering significant bits of knowledge and examples. "Kangaroos In a correctional facility" finishes up with a forward-looking viewpoint, imagining progresses in hostage kangaroo the board, the mix of innovation, and a fair way to deal with protection and moral contemplations. It remains as a source of inspiration, encouraging mindful practices for the government assistance and conservation of these exceptional animals in bondage.

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This richly illustrated book has been produced to highlight the plight of some of our most popular, yet endangered wild creatures.The lack of dedicated spaces, combined with polluted waterways, contaminated soil and receding hedgerows, points to a future when we will no longer be able to share our world with nature.

Melchior Lorck's works are fascinating. They have a special seductive quality not unlike contemporary advertisements. We are captivated by their well-executed compositions, their clarity, simplicity, and craftsmanship – their imagery. Melchior Lorck lived from 1526/27 to sometime after 1583 and is relatively unknown today. Who was he? And what were his works?Lorck was primarily a graphic artist and aimed to publish large, illustrated books. However, none of them were completed, and as a result, we only know a limited part of his ambitious artistic project. Its full extent and final expression can only be imagined. Nevertheless, a fascinating body of work remains. Research into Lorck's works has been limited compared to how pioneering an artist he was on the international stage. The seven articles in this book present new research that illuminates new aspects of Lorck's work and proposes new understandings and interpretations of it.

Melchior Lorcks værker fascinerer. De har en særlig forførende karakter ikke ulig nutidens reklamer. Vi betages af deres gennemførte kompositioner, deres klarhed, enkelhed og håndværksmæssige niveau – deres billedkraft. Melchior Lorck levede fra 1526/27 til engang efter 1583 og er i dag relativt ukendt. Hvem var han? Og hvad ville hans værker?Lorck var frem for alt grafiker og ville udgive store, illustrerede bogværker. Ingen af dem blev dog færdige, og derfor kender vi kun til en begrænset del af hans ambitiøse, kunstneriske projekt. Dets fulde omfang og endelige udtryk kan vi kun forestille os. Trods dette står et fascinerende livsværk tilbage. Forskningen i Lorcks værker har været begrænset i forhold til, hvor internationalt banebrydende en kunstner han var. Denne bogs syv artikler præsenterer ny forskning, der belyser nye aspekter af Lorcks værk og foreslår nye forståelser og tolkninger af det.

In 1921, an Italian immigrant named Sabato Rodia purchased a property in Watts, California, and started building a series of sculptures and decorative features in his backyard, including three open, pyramidal-shaped towers - two of which are nearly 100 feet tall. Though Rodia referred to his creation as Nuestro Pueblo (Our Town), today, it is known collectively as the Watts Towers. Constructed over 35 years, Watts Towers remains a marvel of structural engineering and architecture and is widely recognized as one of the finest examples of "outsider art" or "land-based" art in the United States. Rodia abandoned his property in 1954 never to return. Over the years Watts Towers has experienced a long history of vandalism and neglect punctuated by major conservation campaigns and interventions. This book describes in great detail the history of these preservation efforts with a view to collecting and synthesizing all available information into one coherent study.

WSK Schriftlinguistik ist ein alphabetisches bilingualisiertes Fachwörterbuch, das zum Wörterbuchtyp des fachlichen Lern- und Konsultationswörterbuchs gehört. WSK Schriftlinguistik enthält über 2300 Fachwörterbuchartikel, die von Experten in den jeweiligen Themengebieten der Schriftlinguistik verfasst sind. Das Fachwörterbuch kann auch als Einführung in das Fachgebiet Schriftlinguistik eingesetzt werden, weil die Systematische Einführung einen guten Einstieg in das Fach bietet und mit den Wörterbuchartikeln verknüpft ist. Zahlreiche Register ermöglichen verschiedene Zugriffsmöglichkeiten auf den Einführungstext und die Wörterbuchartikel. Die Adressaten sind die Studierenden und Lehrenden der philologischen und linguistischen Fächer im In- und Ausland sowie sämtliche am Fachgebiet der Schriftlinguistik interessierten Personen. Die Wörterbuchartikel sind bei einem besseren Verstehen von Fachtexten behilflich, unterstützen das Informationsbedürfnis im Fachgebiet und helfen bei der Übersetzung von Fachtermini und Fachwissen.

Deutsch-englische Ausgabe Jean Dubuffet veränderte den Kunstbegriff des 20. Jahrhunderts als Künstler und ebenso als Theoretiker und Sammler der Art brut. Ihre Definition lieferte er 1949: "Wir verstehen darunter Werke von Personen, die von der künstlerischen Kultur unversehrt geblieben sind [...]." Zu ihnen zählen Gaston Chaissac, Louis Soutter, Adolf Wölfli, Madge Gill und Margarethe Held. Auf seinem eigenen künstlerischen Weg waren Autodidakt/-innen und gesellschaftliche Außenseiter/-innen inspirierende Katalysator/-innen; sie setzten die immense Experimentierfreude in Dubuffet frei, die für sein von antikulturellen und antiästhetischen Vorstellungen geprägtes Werk so charakteristisch ist. Das Buch präsentiert eine spezifische Auswahl an Werken aus dem umfangreichen Bestand der Sammlung Klewan. Jean Dubuffet und die Art brut - sechs künstlerische Positionen im Fokus Ausstellung: 16.09.2023-25.02.2024, Gutshaus Steglitz, Berlin

Eine kunsthistorisch relevante, noch dazu innovative Fragestellung ausgehend von einem zentralen Objekt zu entwickeln, ist eine komplexe Angelegenheit. Mit jeder fokussierten Betrachtung erschließt sich nicht nur Fachwissen, sondern es eröffnet sich zugleich der intensive Einblick in ein lebendiges Stück Kunstgeschichte. In diesem Spannungsfeld vereint der vorliegende Band über 40 Beiträge internationaler Autorinnen und Autoren, die in konzertierter Form Objekte der Frankfurter Sammlungen aus dem Städel Museum und der Liebieghaus Skulpturensammlung mit verschiedenen methodischen Ansätzen einer Analyse unterziehen. An in ihrem Facettenreichtum kaleidoskopartig ausgebreiteten Werken vom Mittelalter bis in die Gegenwart werden Einzelfragen entwickelt und pointierte Kunstgeschichte(n) erzählt. Jochen Sander, der mit beiden Sammlungen eng verbunden ist, hat die objektzentrierte Forschung in zahlreichen Publikationen vorangetrieben und methodisch neue Wege beschritten. Ihm ist dieses Buch gewidmet. Künstler-/innen: Max Beckmann, Sebald Beham, Gerrit Berckheyde, Mary Ellen Best, Jan de Bisschop, Arnold Böcklin, Gustave Courbet, Carlo Crivelli, Gerard David, Albrecht Dürer, Adam Elsheimer, Conrad Faber von Kreuznach, Georg Flegel, Hugo van der Goes, Pieter Janssens Elinga, Jan Kupezky, Quentin Massys, Alexander McQueen, Michiel van Mierevelt, Johann Ludwig Ernst Morgenstern, Giovanni Battista Moroni, Hans Multscher, Walter Pichler, Rembrandt van Rijn, Peter Roehr, Peter Paul Rubens, Roelant Savery, Daniel Soreau, Johann Heinrich Tischbein d. Ä., Werner Tübke, Rogier van der Weyden Highlights aus der Sammlung des Städel Museums und der Liebieghaus Skulpturensammlung vom Mittelalter bis in die Gegenwart

The America we have today stands as a consequence of his policies. Our prominence is the direct result of his people first outlook. He is the reason we are who we are on the world's stage.This book is derived from the evidence of his own words and deciphered from his actions. It begins with his childhood and then quickly uncovers the major events that shaped his spirit and America's soul. The premise of this book is to be the light that shines on his thoughts and words. It is to understand him so that we may understand America better. Here is a preview of what you'll learn...A passion for nature: the life of theodore rooseveltAmerica's national parksProtect nature foreverHow nature influenced his way of thinking10 things to love about americaGovernor and vice presidentPresidencyPost-presidencyElection of 1912 and final yearsThis was a man who did many things and did them outstandingly well. Roosevelt's willingness to go the extra mile, to put fear in the back seat, were qualities that he saw in his beloved country as well. America is a better place for having known Theodore Roosevelt.

Der Mann mit dem Schlapphut von Frans Hals gehört zu den bekanntesten Meisterwerken der Kasseler Gemäldegalerie. Schon Lovis Corinth bekannte 1907 bei seinem Besuch: "der Franz Hals hat genau so gemalt wie ich. [...] Ich brauche mich gar nicht zu verstellen." Das Ergebnis war eine schöpferische Kopie nach dem Gemälde, welche - bei aller Unterschiedlichkeit - die Seelenverwandtschaft beider Künstler offenbart. Erstmals sind beide Werke in Schloss Wilhelmshöhe gemeinsam zu sehen. Ergänzt werden sie durch eine moderne Paraphrase von Slawomir Elsner, die vom Museumsverein Kassel e. V. erworben wurde. Auch sie belegt: Frans Hals inspiriert bis heute! Frans Hals «Der Mann mit dem Schlapphut» Lovis Corinth Slawomir Elsner

Quelles perspectives la rencontre de la muséologie, de l¿histoire de l¿art et dela sociologie nous livre-t-elle sur les problématiques de recherche en cours au musée ? À partirde trois thématiques ¿ la collection, la gouvernance et les archives ¿, des personnalités issuesde la recherche, de la conservation, des archives, de l¿analyse économique ou de l¿administrationlivrent dans cet ouvrage leurs analyses et témoignages, nourris par des années d¿expérienceset de pratiques partagées. Réunies autour d¿un lieu qui les rassemble, le Louvre, leurs échangesfont apparaître des outils nouveaux pour s¿interroger sur les définitions individuelles,communautaires, historiques, sociétales ou encore politiques des musées.

Deutsch-englische Ausgabe Nan Hoover, Anneliese Hager und Maria Lassnig sind Künstlerinnen, die sich experimentierfreudig und innovativ in unterschiedlichen Medien äußerten. Es ging ihnen um Verfremdungseffekte, Körperwahrnehmung und die Reflexion über Zeit und Raum. Alle drei setzten sich früh mit dem Surrealismus auseinander und fanden auf unterschiedliche Weise zu einer individuellen Bildsprache: Das verbindende Moment ist die Beschäftigung mit Licht, Raum und Körper sowie die existenzielle Frage nach der Selbstwahrnehmung und der Verortung in der Welt. Während die US-Amerikanerin Hoover zu den Pionierinnen der internationalen Licht-, Video- und Performancekunst gehörte und auch ein überraschendes malerisches, der Popart nahestehendes Frühwerk aufweist, ist Hager, die zu den interessantesten Fotografinnen des 20. Jahrhunderts gehört, praktisch unbekannt geblieben, Die österreichische Malerin Lassnig zählt heute zu den bedeutendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts, schaffte jedoch erst spät, in den 1980er-Jahren, den internationalen Durchbruch. Mit dieser Publikation, drei Büchern im Paket, können diese drei Künstlerinnen wieder oder sogar ganz neu entdeckt werden. Nan Hoover (1931-2008), Licht-, Video- und Performancekünstlerin Anneliese Hager (1904-1997), Fotokünstlerin, Dichterin Maria Lassnig (1919-2014), Malerin, Grafikerin Kunst, Körper, (Selbst-)wahrnehmung - ein fokussierter und konzentrierter Einstieg in Werk und Biografie dreier Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts Ausstellung: 10. November 2023 bis 11. Februar 2024, Kunsthalle Mannheim

Die Beiträge in diesem Band beleuchten die Entstehung von bedeutenden Zeichnungssammlungen in Wien und Mitteleuropa, die heute vielfach den Grundstock der großen Kabinette etwa in Wien, Berlin, Dresden und Hamburg bilden. Sie fragen nach den Akteuren, ihren internationalen Verflechtungen und ihren Motivationen, nach besonderen Sammlungsschwerpunkten und Erwerbungsstrategien wie nach Aufbewahrung und Ordnungssystemen. Die mediale Verbreitung der Sammlungen im Reproduktionsstich oder durch Katalogwerke kommt ebenso zur Sprache wie Strukturen des Kunst- und Aktionshandels und das Zusammenspiel von Sammeln, Kennerschaft und Zeichnungswissenschaft. Der Band zeigt dabei auch, wie stark Zeichnungssammlungen vor allem im 18. und 19. Jahrhundert die Kunstgeschichte und die methodische Entwicklung des Fachs geprägt haben.

The permanent exhibition in the north wing of Dresden's Royal Palace presents the surviving, magnificent vestments from the possessions of the Saxon electors, dating from around 1550 to 1650. This unique treasure trove of European fashion and textile history from the Renaissance and early Baroque has now been re-opened to the public after more than 80 years in storage and many years of conservation and restoration measures. This exhibition guide is the first work to do justice to a collection rich in silk, gold and silver. It covers all the rulers' robes on display, including complete costume ensembles, suits with doublet and trousers, ladies' dresses, and individual garments. There are also introductions to the many portraits, accessories and sumptuous armoury on display. Clothes make the man - clothes make politics: rulers' costumes and haute couture from the period 1550 to 1650

Barok inviterer os med tilbage til 1600-tallets Europa og denkunsthistoriske periode, vi under ét kalder for barokken.På Statens Museum for Kunst findes rige samlinger af kunstfra denne tid. Særligt hollandsk og flamsk maleri, tegnekunst og grafik erfyldigt repræsenteret, men der findes også væsentlige italienske, franske ogspanske værker. Mange af værkerne var engang del af Det kgl. danskeKunstkammer, som blev dannet midt i 1600-tallet med indførelsen af enevælden.Kunstkammeret var grundlaget for de senere nationale museer i Danmark, herunderSMK. Kunstmuseets egne eksperter præsenterer os her for både kendte og ukendtebarokværker fra museets samlinger og giver deres bud på, hvordan de er blevettil og hvordan vi kan forstå dem i dag.

Der Maler Rudolf Levy (1875-1944) war eine zentrale Figur der Münchner und Pariser Avantgarde und feierte mit seinen farbkräftigen Bildnissen, Landschaften und Stillleben auch im Berlin der 1920er-Jahre große Erfolge, unter anderem in der legendären Flechtheim-Galerie. Die Machtergreifung der Nationalsozialisten führte zu einem jähen Karriereende. Nach einer Flucht-Odyssee konnte Levy sich schließlich in Florenz niederlassen, wo sein Schaffen bis zur Deportation und Ermordung im Konzentrationslager Auschwitz einen letzten eindrucksvollen Höhepunkt erlebte. Als erstes deutsches Ausstellungshaus widmet sich das Museum Pfalzgalerie Kaiserslautern in einer Retrospektive nun Werk und Leben von Rudolf Levy. Der Katalog öffnet den Blick auf einen Künstler europäischen Ranges, dessen reiche Bildwelt immer wieder neu zu entdecken ist. Beiträge namhafter Autorinnen und Autoren beleuchten Levys Schicksal als verfolgter Künstler und als verfolgter Jude, das künstlerische Kaleidoskop seiner Zeit, die Jahre im Florentiner Exil sowie die Rezeption und Re-Kanonisierung seiner Kunst in der jungen Bundesrepublik. Wiederentdeckung eines großen Klassikers der Moderne anlässlich einer ersten Retrospektive in Deutschland - Internationales Kooperationsprojekt mit den Uffizien in Florenz Standardwerk zu Rudolf Levy in deutscher Sprache Mit einem zeitgenössischen Kunst- und Wortbeitrag von Edmund de Waal Ausstellung, Museum Pfalzgalerie Kaiserslautern, 28. Oktober 2023 bis 11. Februar 2024 (Schirmherrschaft Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier)

At the beginning of the 20th century, a group of artists around Henri Matisse and André Derain were carrying out revolutionary colour experiments. The art critic Louis Vauxcelles gave them their name in 1905: the "Fauves". Translated into English, this means something like "beasts" or "wild animals". This catalogue is being published for the first survey exhibition on the Fauves staged in Switzerland for decades. It presents the expressive painting style and unusual colour combinations employed by Matisse, Derain and their companions in the years 1904 to 1908, situating them in the aesthetic and socio-political debates of that time. The male connotation of the term Fauves already suggests the exclusion of women artists on a conceptual level. The exhibition and catalogue challenge this traditional view and draw attention to female protagonists on the Paris art scene. Richly illustrated and supplemented by new art-historical research contributions, the publication offers an insight into the diversity of the colourful painting by the "beasts". Fauvism - the first avantgarde movement of the 20th century Brilliant colour experiments in a break with academic conventions Exhibition: 02.09.2023-21.01.2024, Kunstmuseum Basel, New Building