Konservering og restaurering af kunstværker

Da Notre-Dame brændte, blev Ken Follett så berørt, at hans straks rejste til Paris. Han blev af sin franske forlægger opfordret til at skrive denne lille bog om Notre-Dames historie og betydning, både faktuelt og kulturhistorisk. Ken Folletts kæmpe bestseller "Jordens søjler" handler om bygningen af en fiktiv katedral i England, og arbejdet med denne bog gjorde forfatteren til en slags ekspert i bygning af katedraler i Middelalderen. "Notre-Dame" fortæller om bygningen af den franske katedral, som på en måde aldrig er blevet færdigt, og den fortæller om Notre-Dames betydning i kulturhistorien, tænk bare "Klokkeren fra Notre-Dame". Bogen er gribende, morsom og vildt fascinerende - og alle Folletts honorarer går til genopbygningen.

Few artists have had such a rapid fall from superstar status to whipping boy as Carl Bloch (1834–90). After his death, he was written out of art history and his pictures placed in storage. But outside the museums, Bloch’s virtuoso technique and seductive narratives continued to win new followers.Carl Bloch – Seduced offers new perspectives on how Bloch has continued to attract a wide audience by speaking directly to the great human emotions. What shaped the phenomenon that is Carl Bloch and how do we perceive him today? In this book, scholars and contemporary audiences reassess Carl Bloch’s complex life’s work, right from his religious images, comic genre scenes and edifying fateful tales to his Rembrandt-inspired etchings and superb portraits of the women of modern life.

Få kunstnere har oplevet samme bratte fald fra superstjerne til kunsthistorisk prygelknabe som Carl Bloch (1834-1890). Efter sin død blev han skrevet ud af kunsthistorien og hans billeder sat på magasin. Men uden for museerne vandt Blochs virtuose teknik og forførende fortællinger fortsat nye tilhængere.I Carl Bloch – Forført gives en række bud på, hvordan Bloch har formået at fastholde et bredt publikum ved at tale direkte til de store menneskelige følelser, kropsligt og psykologisk. Hvad formede fænomenet Carl Bloch, og hvordan forstår vi ham i dag? I denne bog revurderer både forskere og et nutidigt, kritisk publikum Carl Blochs komplekse livsværk: fra de religiøse billeder, komiske genremotiver og opbyggelige skæbnefortællinger til de Rembrandt-inspirerede raderinger og de suveræne portrætter af det moderne livs kvinder.

Edited by Ann Temkin and Dorthe Aagesen Created in 1911, Henri Matisse’s The Red Studio would go on to become one of the most influential works in the history of modern art. The painting, which has hung in MoMA’s galleries since 1949, depicts the artist’s studio in the Parisian suburb of Issy-les-Moulineaux, filled with his artworks, furniture, and decorative objects. Matisse’s radical decision to blanket most of the work’s surface in red has fascinated generations of scholars and artists, yet much remained to be discovered about the painting’s genesis and history. Published in conjunction with an exhibition that reunites the artworks shown in The Red Studio for the first time since they left Matisse’s workspace, this copiously illustrated volume examines the paintings and sculptures depicted in it, from familiar works such as Le Luxe (II) (1907–08)—one of the three works seen in The Red Studio now in the collection of SMK – National Gallery of Denmark—to lesser-known pieces whose locations have only recently been discovered. A narrative essay by Ann Temkin, The Marie-Josée and Henry Kravis Chief Curator of Painting and Sculpture at The Museum of Modern Art, New York, and Dorthe Aagesen, Chief Curator and Senior Researcher at SMK in Copenhagen, traces the life of The Red Studio, from the initial commissioning of the work through its early history of exhibition and ownership to its arrival at MoMA. With its groundbreaking research and close reading of the work, Matisse: The Red Studio transforms our understanding of this landmark of twentieth-century art.

Natasza Niedziólkas faszinierende Werke bewegen sich an der Schnittstelle von Malerei, Zeichnung und Textilkunst. Die Leinwand bildet den Träger für ihre abstrakten, haptischen Stickereien. In repetitiver Manier bringt die polnische, in Berlin lebende, Künstlerin über das Material und seine Verwendung eine Leichtigkeit und einen meditativen Gestus in ihre formal kraftvollen und sinnlichen Arbeiten, die an Marcia Hafif oder Agnes Martin denken lassen.Der Katalog versammelt vier Werkgruppen, die in den letzten Jahren entstanden und deren eindrückliche Detailaufnahmen Niedziólkas Arbeitsprozess sichtbar und eine Ästhetik erfahrbar machen, die ihre Werke auszeichnen. Natasza Niedziólka sieht die Bearbeitung ihrer Bildflächen als produktiv herausfordernde Tätigkeit, der die Zeit des Arbeitens als erinnerte, im Werk konservierte Zeit eingeschrieben ist. Das Sticken präsentiert sich als ereignishafter Prozess, und auch das Textile wird nicht als Objekt, sondern als Ereignis verstanden, das sich im sehenden Betrachten immer wieder aufs Neue aktiviert. (Vanessa Joan Müller)

Looking at a photo, looking at it again, in a different way, refocusing it, reframing the image, re-vising its discourse, understanding it, taking it out of context... All of this is an exercise that I repeat a thousand times over. I think about time, about space; I imagine the moment and I continue looking, patiently. I look at encyclopedias, newspapers, magazines, albums, taking photos of all the photos; I analyse, look over the photographs, retracing them from my eyes to the image, imagining that the camera is a twenty-centimetre tunnel through time. (Astrid Jahnsen, 2017)

Det røde atelier, malet af den franske kunstner Henri Matisse i 1911, skulle vise sig at blive et af de mest indflydelsesrige værker i den moderne kunsts historie. Maleriet, som har tilhørt MoMA siden 1949, forestiller kunstnerens atelier i den parisiske forstad Issy-les-Moulineaux, fyldt med hans egne kunstværker, møbler og brugsgenstande. Matisses radikale beslutning om at male det meste af værkets flade over med rødt har fascineret generationer af forskere og kunstnere, men vi har stadig meget at lære om maleriets tilblivelse og historie. Denne rigt illustrerede bog er udgivet i forbindelse med udstillingen Matisse: Det røde atelier, der samler de malerier og skulpturer, man ser afbildet på maleriet, for første gang siden de forlod Matisses arbejdsrum. Bogen præsenterer os både for velkendte værker som Le Luxe (II) ( 1907-08) – et af de tre malerier fra SMK’s samling, der ses i Det røde atelier – og mindre kendte værker, hvis placering først for nylig er blevet opklaret. I et fortællende essay af Ann Temkin, The Marie-Josée and Henry Kravis Chief Curator of Painting and Sculpture ved The Museum of Modern Art, New York, og Dorthe Aagesen, Overinspektør og Seniorforsker ved SMK – Statens Museum for Kunst i København, spores Det røde ateliers historie, lige fra værket blev bestilt i 1910 over dets første udstillinger og ejere og frem til maleriets ankomst til MoMA. Gennem banebrydende forskning og nærlæsning af værket, ændrer Matisse: Det røde atelier vores forståelse af denne milepæl i det 20. århundredes kunst. Derudover rummer publikationen en artikel om konservatorernes opdagelser i forbindelse med tekniske undersøgelser af Det røde atelier og en detaljeret portfolio over de udstillede værkers historie og proveniens. Publikationen er udgivet i forbindelse med udstillingen Matisse: Det røde atelier, organiseret af The Museum of Modern Art, New York (1. maj –10. Sep., 2022), og SMK Statens Museum for Kunst, København (13. okt., 2022– 26. feb., 2023). Udstillingen er arrangeret af Ann Temkin og Dorthe Aagesen.

There is a long tradition of using wood as a distinct and ecologically sound building material. Wooden architecture conveys for today's world the breadth of knowledge held in Western and Eastern cultures about the creative use of this unique material. The typical technique of building with wood, joinery, requires that elements are connected only by the skillful interlocking of the constructive parts. In this book, the history of wooden architecture is described in detail using hundreds of examples from Japan, China and Europe. From a holistic understanding, a picture emerges that is informative for architects, and designers, reopens an almost lost world to builders, and will enthrall laypeople. Also available in a German edition (ISBN 978-3-0356-2479-3)

Das Black Mountain College (BMC) in North Carolina war Ende der 1940er-Jahre die führende Institution zur interdisziplinären künstlerischen Ausbildung. Unterrichtet wurde u. a. in den Fachrichtungen Bildende Kunst, Architektur, Theater sowie Ökonomie, Physik und Geschichte. Zu den Lehrenden gehörte eine Vielzahl der damals führenden Künstler:innen, Dichter:innen und Designer:innen Amerikas sowie zahlreiche Emigrant:innen aus Deutschland, die vom Bauhaus nach dessen Schließung durch die Nationalsozialisten an das Black Mountain College kamen. Ziel des BMC war die Etablierung eines demokratischen und entsprechend der reformpädagogischen Ideen des Philosophen John Dewey erfahrungsbasierten, fächerübergreifenden Lehrinstituts.Die Publikation untersucht erstmals das Bildungsmodell des BMC, seine philosophischen Ansätze und die Kunstphilosophie von John Dewey mit dem Ziel, das Erbe des BMC umfassend zu verstehen und wiederzubeleben, um es in einem partizipatorischen Sinn zu erneuern.Einen Schwerpunkt bildet dabei das Kunstprojekt "PERFORMING the Black Mountain ARCHIVE" von Arnold Dreyblatt, bei dem Studierende europäischer Kunstakademien eingeladen waren, ein von Dreyblatt zusammengestelltes Archiv zum Black Mountain College durch performative Interaktion in die Gegenwart zu übersetzen.

A global overview of the most contemporary and ingenious - and comfortable - former light-industrial spaces transformed into stylish modern residences. The love of warehouse buildings - often in attractive waterside locations - has become a global phenomenon, from London to New York, from Sydney to Florence. Drawing on her own experience of living in a Grade II listed mill, Sophie Bush has amassed a wealth of knowledge, contacts and understanding about which ingredients make a building fit for contemporary habitation. Warehouse Home is the ultimate resource for everything from how best to preserve and complement original architectural features to style ideas for adapting vintage and reclaimed pieces for modern living. The book has a practical structure, broken down into two key sections. 'Architectural Features' looks at how to make the most of a space while retaining its features, such as exposed brickwork, concrete floors and mezzanines. It also draws on examples of former industrial buildings across the world that have been renovated to create distinctive homes and workspaces, each selected for the originality or intelligence of its design. 'Decorative Details' provides tips on how to recreate the warehouse aesthetic in any home, from repurposing pallets and breeze blocks as furniture to transforming exhaust cones into unique lighting fixtures. A reference section includes ideas on where to source everything from furniture to finishes.

Discover the extraordinary stories behind the world's missing works of art.Travel back in time to discover works of art that have vanished from the record, as well as those that went missing and have since been reclaimed or recovered. From the treasures of Tutankhamun to the altarpiece of Ghent, a missing Fabergé egg, and Vincent van Gogh's majestic Sunset at Montmajour, numerous masterpieces have disappeared throughout history as a result of theft, looting, natural catastrophe, or conflict... And some have resurfaced decades or even centuries later!Lost Masterpieces examines the unique story of the most significant of these artworks, the artists who created them, and those thought to be involved in their loss. It explores the various means by which museum curators and international crime investigators have unearthed missing treasures. It highlights the moral dilemma of museums that have profited from looted works of art and examines the recent "heists" made by some nations in an effort to regain their nation's stolen works of art.This awe-inspiring art history book promises:- A selection of the most important "lost" cultural artefacts from ancient times to the present day- Features images of the artworks where available, or specially commissioned illustrations of them based on written accounts- Includes details of the ongoing debate about whether looted art should be returned to its country of originDelve into the mysteries of ancient Egyptian tombs, marvel at the hoards unearthed by archaeologists, and discover the skulduggery behind the disappearance of priceless Rembrandts and Vermeers, and see the world of art and antiquities in a whole new light! A must-have volume for adults and young adults with an interest in art, culture and history, whether you're an art or history student, a collector of art antiques, or you're simply a curious life-long learner, Lost Masterpieces is sure to delight.

Reste fordern die Institution des Museums heraus. Es sind Kippfiguren, die Zuschreibungen öffnen und damit an Überschreitungen der taxonomischen, disziplinären, architektonischen und institutionellen Grenzen des Museums mitarbeiten. Sie sind überall anzutreffen - im Ausstellungsraum genauso wie im Depot, im Labor genauso wie in der Verwaltung. In jedem dieser Kontexte stehen jeweils andere Formen des professionellen Selbstverständnisses, des Wissens und des praktischen Umgangs zur Verfügung, die den Status von Resten determinieren. Der Band trägt dazu bei, Begriffe wie Rest, Abfall, Spuren, Ränder im Kontext des Museums zu präzisieren und für Debatten in Konservierung, Kuration, Kunstgeschichte und Museumsanthropologie neu zu bewerten.

Protecting, healing, or punishing-people of various eras and origins have attributed such powers to the sculptures that are being presented together here for the first time: be it the sculpture of the Mangaaka from what is today the Republic of Congo, the protective goddess Mahamayuri from China, or the Maria on the globe from Southern Germany. Forty-five objects created between the fourth and the nineteenth century from two museums in Berlin provide a vivid testimony to the ever-present need for protection and orientation when dealing with individual or social crises. They represent the existence of an invisible world of gods, spirits, or ancestors, and create a connection between this world and a "different reality." As a result of how they are presented in museums, their context of use is, however, often lost-a situation that is reflected on by the authors of this book.

THE DISSIDENT GODDESSES' NETWORK is an interdisciplinary research project based on the important finds of female figurines from Lower Austria's early and prehistoric period. It identifies issues connected to these finds and examines them from today's perspective: What do these finds mean? Do they have an effect on the position of women today? What does the soil tell us, how are archaeology, economy and ecology interlinked? What recording systems could be used to map the things that the territory reveals? What future could be sketched out, what demands would have to be made? This book presents the results of a scientific-artistic research phase of the project that lasted several years, concluding with an exhibition at the State Gallery of Lower Austria in Krems entitled READING THE EARTH. A project by the Academy of Fine Arts Vienna in association with FORUM MORGEN

The Museum of Applied Arts (MAK) in Vienna holds a unique collection of Italian maiolica from the fifteenth to the eighteenthcentury, which is now being published almost in its entirety for the very first time. Maiolica tableware, Italy's luxury export,spread to the courts of northern Europe from the early sixteenth century. Today, the MAK's holdings from former imperial, ecclesiastical, aristocratic, and private ownership enter into a dialogue with maiolica from well-known Austrian and Central European collections. Timothy Wilson, professor emeritus at Balliol College Oxford and former Keeper of Western Art at the Ashmolean Museum in Oxford, and Rainald Franz, curator at MAK, together with other experts provide an extensive insight into the development of maiolica in its cultural and historical context. Thus a scholarly exploration of one of the best collections of maiolica in the world has thus now been scientifically examined for the very first time.

1906 wurde das Hotel Palace an der prominenten Luzerner Quai-Promenade nach Plänen von Heinrich Meili-Wapf - einem der wichtigsten Luzerner Architekten jener Zeit - erstellt. Das wie aus einem Guss entstandene mächtige Gebäude wurde sowohl aufgrund seiner fortschrittlichen Bau- und Gebäudetechnik als auch wegen seiner architektonischen Gestaltung zu einem der in der Schweiz wichtigsten Hotelbauten seiner Zeit. Nach mehreren zeittypischen Umbauten im Inneren wurde das Gebäude 2018-2022 durch den Luzerner Architekten Iwan Bühler einer umfassenden sorgfältigen denkmalpflegerischen Erneuerung unterzogen. Das Ergebnis zeichnet sich aus durch einen optimalen Erhalt der bestehenden Substanz, das Aufdecken und Wiederherstellen der vielmals differenzierten, feinsinnigen Qualitäten und des Reichtums des ursprünglichen Bauwerks sowie durch behutsame, nutzungsbedingte Erneuerungen einzelner Teile im und am Gebäude.Das Buch dokumentiert das Originalgebäude von 1906 anhand historischer Pläne und Fotografien, gibt einen Einblick in den Hotelbetrieb und das Hotelleben in den letzten Jahrzehnten und dokumentiert mit umfangreichem Plan- und Fotomaterial die Strategie und die Massnahmen des Architekten zur Erneuerung des architekturhistorischbedeutenden Gebäudes.Ergänzt wird die spannende Werkdarstellung durch erhellende Essays von Peter Omachen zur Entstehung und Bedeutung des originalen Hotelgebäudes sowie von Cony Grünenfelder, der kantonalen Denkmalpflegerin, die die Erneuerung fachkundig und einfühlsam begleitete.In 1906, the Hotel Palace was built along Lucerne's prominent Quai Promenade according to plans by Heinrich Meili-Wapf - one of the most important Lucerne architects of the time. The mighty building, which appears as if it were developed out of a single block, is regarded as one of the most important Swiss hotel developments of its time, both due to its pioneering construction and building technology, and due to its architectural design. After several interior conversions that were typical for the times of their implementation, the building was carefully and comprehensively renewed by the Lucerne-based architect Iwan Bühler between 2018 and 2022, taking aspects of monument preservation into account. This demanded ideally preserving the existing building fabric, while revealing and reproducing the building's often differentiated and subtle qualities, as well as the wealth of the original building. The work also included carefully renewing individual elements inside and outside the building to accommodate current utilisation. This book documents the original building from 1906 with historical plans and photographs, while shedding light on the hotel's activities and daily life in recent decades. The volume also presents extensive planning and photographic material to demonstrate the strategy and measures applied to the architecturally and historically import­ant building.The exciting project presentation includes illuminating essays by Peter Omachen on the foundation and importance of the original hotel, and by Cony Grünenfelder, Cantonal Monument Preservation Officer, who followed the refurbishment with an expert and insightful eye.

Rubens' Kreuzigung Petri hängt bis heute am Ort ihrer ersten Bestimmung, in der Pfarrkirche St. Peter in Köln. Die Kirche der Jesuiten ist zugleich Kunststation Sankt Peter Köln, deren Ursprünge in der Ankunft der Kreuzigung Petri liegen. Aus der Stiftung des Kölner Kaufmanns Eberhard III. Jabach und seiner Frau Anna Reuter schuf der Antwerpener Maler am Ende seines Lebens dieses letzte, sehr persönliche Bild für die Pfarrkirche seiner Kindheit und die Grabkirche seines Vaters. Bis heute wird die Kreuzigung Petri am Ort ihrer Bestimmung präsentiert. Anlass für die intensive, interdisziplinäre Beschäftigung mit diesem in jeder Hinsicht herausragenden Werk war eine Zustandsüberprüfung 2018, die zu den aktuellen Untersuchungen und der Restaurierung führte. Erstmals wird die Kreuzigung Petri von Peter Paul Rubens mit einer monografischen Studie gewürdigt, die die Erkenntnisse aus Geschichte, Ikonografie, kunsthistorischem Kontext und Werktechnik in deutscher und englischer Sprache zusammenfasst.

There is more to numbers than sums; they can also conceal histories, too. In this case, world-famous architectural history. For five years the renowned Neue Nationalgalerie (New National Gallery), designed by Ludwig Mies van der Rohe, was closed to the public for renovation. Nevertheless, the photographer Michael Wesely was able to accommodate "four guests" inside the iconic building: four cameras, each one pointing in a different direction, were installed on the ceiling. Every day they took between 360 and 730 pictures with an exposure time of 90 seconds each. Edited into bewitching montages, this fascinating synopsis allows readers to envision the building's metamorphosis as it was undergoing renovations. The long exposure time is an aesthetic coup, for ephemeral, restless, rapid movements contrast with the still, timeless quality of the architecture, presenting a sophisticated interplay of identity and change.This book is published on the occasion of the re-opening of the Neue Nationalgalerie, Berlin, August 2021. It is a slightly altered special edition of the original numbered edition of April 2021.The photographer MICHAEL WESELY (*1963) is a celebrated master of the long exposure. His precise approach to this photographic technique, tailored to each object, brought him world renown. His unique aesthetic can be found in numerous exhibitions and collections around the globe. He lives in Berlin.

Adaptive reuse is a design practice where changes in the building structure go along with new programs and functions. Many concerns of the day that are the hallmark of current social discourse can equally be communicated through the vocabulary of design and reuse. Six common themes mirroring those of society in the new millennium are discernable in the current adaptive reuse practice: appropriation, ecology, equity, memory & redemption, identity and authenticity. Selected articles from the IntAR Interventions and Adaptive Reuse Journal of the last ten years speak to the social issues of the recent decade. The introductory essay positions shifting norms of working from home or remote learning in the light of their revision through adaptive reuse, for example the post-pandemic repercussions on office towers and the classroom.

As focus shifts to "no net land take" city regeneration approaches one of the main traditional elements of architecture-the roof-is gaining renewed prominence. This book provides a survey of worldwide experiences of city rooftop re-use strategies such as building-on and integrating new volumes within the existing buildings. Twenty-four case studies illustrate a multiplicity of projects that innovate on traditional typologies by offering multiple ways of living, working and using public services in the city. They all share a symbiotic method that exploits the extraordinariness of the "top condition" offered by the roof to foster a subtle change in the whole building's urban identity. They test new technologies for light and quick construction methods in order to deal with structural constraints and the needs of inhabitants. City roofscape redesign belongs to an adaptive attitude based on knowledge of the dynamic process of transformation of the physical realm, far removed from regressive preservation-only behavior. It represents a remarkable way of coping with urban regeneration issues.

Das Gewandhaus zeigt seine SammlungDas Gewandhaus zu Leipzig ist nicht nur die Spielstätte des weltberühmten Gewandhausorchesters, sondern auch Ausstellungsort einer besonderen Kunstsammlung. Im dritten Gewandhausbau, 1981 als einziger Konzerthausneubau der DDR eröffnet, vereinen sich die in den Foyers präsentierten Gemälde, Skulpturen und Plastiken mit der extravaganten Architektur des Baus und der musikalischen Klasse des Orchesters zu einem Gesamtkunstwerk aus Form, Farbe und Klang. Allgegenwärtig ist die Musik, die sich inhaltlich oder motivisch in den Kunstwerken widerspiegelt. Anlässlich der Eröffnung des Neuen Gewandhauses entstanden zahlreiche Auftragswerke von bedeutenden Künstlern der DDR - u.a. Sighard Gille, Volker Stelzmann, Arno Rink, Susanne Kandt-Horn und Nuria Quevedo. Zudem umfasst die Sammlung Skulpturen und Plastiken, die berühmte Komponisten, Dirigenten und Gewandhauskapellmeister ehren. In Bronze oder Marmor sind etwa Felix Mendelssohn Bartholdy, Ludwig van Beethoven, Wolfgang Amadeus Mozart, Robert Schumann, Arthur Nikisch, Václav Neumann oder Kurt Masur dargestellt.Das Buch in wertiger Ausstattung bietet einen Einblick in die Entstehungsgeschichte der musikalischen Kunstsammlung.Mit geprägtem Leinen: das passende Geschenk für alle Kunst- und MusikfansÜber 40 Kunstwerke nationaler und internationaler KünstlerReich bebildert: großformatige Werkaufnahmen und doppelseitige AusstellungsansichtenMit Werkkommentaren und einleitendem EssayMit Arbeiten von Sitte, Gille, Barlach, Heisig und RinkDie Entstehung einer musikalischen KunstsammlungDer zusammenfassende Essay von Sigrid Hofer, Professorin für Kunstgeschichte an der Philipps-Universität Marburg und Gründerin des "Arbeitskreises Kunst in der DDR", beschreibt die Genese der Kunstsammlung des dritten Gewandhausbaus. Biografien und Kommentare zu den einzelnen Werken bieten weitere Einblicke und Informationen zu den ausgestellten Arbeiten und den dargestellten Motiven.Mendelssohn, Bach, Mozart, Beethoven - anschaulich und modern präsentiertReproduktionen der einzelnen Werke bilden die Strahlkraft und Intensität der Gemälde und die meisterliche Bearbeitung der Skulpturen ab. Raumaufnahmen vermitteln ein Gefühl für die Ausstellungssituation. Die Abbildungen zeigen die Präsentationsorte der Kunstwerke in den Foyers des Gewandhauses. Das Durchblättern des Buches kommt einem Rundgang durch das ehrwürdige Konzerthaus gleich. Edel ausgestattet und modern gestaltet besticht die Publikation mit informationsreichen Texten und visuellem Genuss.

Der vorliegende Band ist eine Ergänzung zum Standardwerk "Vom Färben des Holzes" und der Folgepublikation "Quellentexte zum Färben des Holzes". Restauratoren und Naturwissenschaftler aus Deutschland, England, den USA und den Niederlanden beschreiben in vierzehn Fallstudien aktuelle Ergebnisse zur Erforschung der ursprünglichen Farbenpracht historischer Möbel und Holzausstattungen. Thematisiert werden die Farbveränderungen an gebeizten und gefärbten Hölzern der Intarsien und Marketerien sowie die Färbemittel und die Farbpalette der großen europäischen Ebenisten des 18. Jahrhunderts Oeben, Riesener, Chippendale, Spindler und Roentgen. Der Rekonstruktion des ehemaligen farbigen Erscheinungsbildes historischer Möbel und der Erhaltung der Marketeriefarbigkeit durch geeignete transparente Überzüge sind weitere Aufsätze gewidmet. Hinzu kommen technologische Studien zu Herstellungsverfahren für farbige Steinimitationen aus Holz, zu historischen Durchfärbepraktiken an saftfrischem Holz und zur Verwendung pilzverfärbter Hölzer als farbiges Gestaltungsmittel im Kunsthandwerk der Gegenwart. Die Rekonstruktion und Analyse synthetischer Farbstoffbeizen sowie die neuesten Möglichkeiten naturwissenschaftlicher Untersuchungsmethoden zur Identifizierung von Farbstoffen werden veranschaulicht.

Das Handbuch beleuchtet erstmals umfassend Geschichte, Theorie und Praxis ethnografischer Sammlungen und ethnologischer Museen im deutschsprachigen Raum und reflektiert diese vor dem Hintergrund aktueller internationaler Entwicklungen und Debatten.Die Autor_innen kommen sowohl aus dem musealen und kuratorischen Bereich wie aus dem universitären Feld - so verbinden sich im Buch Theorie und Praxis. Deutschsprachige Positionen werden durch internationale ergänzt, um Potenziale und Desiderate im globalen Vergleich aufzuzeigen. Ausführliche Überblicksartikel wechseln sich mit kurzen Objektportraits ab, die einen Einblick in die Materialitätund Diversität der Sammlungen bieten.

Über drei Jahrtausende war die Keilschrift das dominierende Schriftsystem. Mehr als eine halbe Million Keilschrift-Tafeln sind erhalten. Sie lagern in Museen und Sammlungen, teilweise ohne je übersetzt worden zu sein. Finden konnte man sie bislang - wenn überhaupt - nur dank Bildersuche. Das ändert sich mit der Aufnahm der digitalen Keilschrift in den Unicode. Jetzt können Altertumsforscher einander mit Textnachrichten beim Entschlüsseln helfen. Das interessiert Sie als Gestalter nicht? Dann entdecken Sie die ungeahnt modernen jahrtausendealten Zeichenformen und tauchen ein in die antiken Hochkulturen - und wenn Sie das nächste Mal im Louvre sind, kann es sein, dass Sie plötzlich an die 544 Seiten mit allen 1.063 bekannten Keilschriftzeichen denken, von Mesopotamisch über Babylonisch bis Altpersisch und ahnen: Sie haben da einen Schatz erobert ... Sie werden erkennen, dass es 5.000 Jahre alte Piktogramme gibt Die Erfindung der Kulturtechnik Schrift ist eine der größten Errungenschaften des Menschen. Seit mehr als 200.000 Jahren läuft der Homo Sapiens über die Erde; seit ca. 100.000 Jahren verwendet er das Medium Sprache - aber grade erst vor ca. 5.300 Jahren erfindet er das Reflexionsmedium schlechthin: die Schrift. Die Wiederentdeckung der alten Kulturen im 19. Jahrhundert führte zu einer Goldgräberstimmung unter europäischen Forschern. Mit der digitalen Keilschrift erobert diese Stimmung Ihren Mac ...