Træskæring

Ernst Ludwig Kirchner og Emil Nolde er hovedskikkelser i den tyske ekspressionistiske bevægelse. De vendte sig bort fra det europæiske samfund og de etablerede normer i tidens borgerlige kultur og søgte i stedet inspiration i mennesker, livsformer og genstande fra andre dele af verden, især Afrika og Oceanien. I denne bog undersøges Noldes og Kirchners kunst på baggrund af deres historiske og ideologiske kontekst. Her afdækkes forbindelser mellem værkerne og den racetænkning og undertrykkelse, som også er en del af europæisk historie. Dermed afsløres en række mindre kendte og mere voldelige sider af ekspressionismen.Denne publikation er udgivet i anledning af udstillingerne om Nolde og Kirchners virke i 1910'erne, organiseret af SMK - Statens Museum for Kunst, København og Stedelijk Museum Amsterdam i samarbejde med Brücke-Museum, Berlin

“Kunsten er som et digt, der bliver sagt ud i rummet, og hvori alt tænkeligt kan få plads, i det store og i det små og på må og få. Digtet kan, som kunsten, indlejre sig i andre mennesker og få betydning der, hvor det tænkes ind, og for den, der behøver det. Digteren sætter ordet fri, ligesom kunstneren sætter forestillingen fri.” – Malene Landgreen Sideløbende med sin kunstneriske produktion har billedkunstner Malene Landgreen med et interval af 10 år udgivet et monografisk bogværk, der samler og formidler de forgangne år. Roulette Russe udgiver nu tredje bog i rækken Malene Landgreen 2011-2022 – WORKS / IN SITU / ABOUT. Bogen indledes af et manifest, skrevet af Malene Landgreen. Gennem efterfølgende tekstbidrag af digter Naja Marie Aidt, direktør ved Kunsthal Aarhus Diana Baldon, arkitekt og forfatter Cort Ross Dinesen samt kunsthistoriker Ditte Vilstrup Holm, bringes læseren ind i Malene Landgreens facetterede og undersøgende univers. Et oeuvre der dækker over en bred vifte af udstillinger og udsmykninger. I en årrække har Landgreen skabt en række udsmykninger in situ for både offentlige institutioner og private virksomheder. Bogen indeholder blandt andet et katalog over udsmykningsopgaverne på Det Nye Rigshospital, Nyborg Gymnasium, Kunstmuseet Brandts og Københavns Hovedbibliotek o.m.a. Om kunstneren Billedkunstner Malene Landgreen er født i Danmark i 1962 og arbejder mellem København og Berlin. Hun er uddannet fra Det Kongelige Danske Kunstakademi i 1984-1991 og Academy of Fine Arts i Budapest, Ungarn i 1987-1988. Landgreen udforsker i sin praksis farvers og rums potentiale for værdisættelse. Hun går efter sit eget udsagn på opdagelse og i dialog med alt, hun møder på sin vej. Dette afspejler sig i særdeleshed også på lærredet, når Landgreen blander, sammensætter og kontraststiller farver. For Landgreen er farverne og formerne lærredets vokabular, der i kombination med hinanden er som bogstaver på papir. Det bliver til et sprog, der kan læses og sanses af beskueren.

Med bogen ”Trædrejning med kant” vil jeg gerne inspirere trædrejere over hele Danmark til at prøve noget nyt og være mere kreative indenfor trædrejning.Jeg eksperimenterer hele tiden og udvikler nye idéer til Tempa Håndværks digitale magasin Hobby-Life. Mange efterlyser idéerne på tryk, så her er de samlet i denne bog sammen med nogle nye ting til inspiration.”Trædrejning med kant ” er min femte drejebog. Den lægger op til nye muligheder, så der sker en udvikling rent kreativt og alle kan blomstre ved drejebænken.I bogen anvendes hovedsageligt drejejern fra Robert Sorby som gennem 200 år har fremstillet kvalitets- værktøj i Sheffield i England.Jeg siger altid til mine kursister at der ikke kun er en måde at dreje på og at der er mange typer drejejern.Det vigtigste er at man kan udføre/dreje på en nem, god og sikker måde, så lysten bliver større og fastholdes. At skabe med sin hobby giver et FRIRUM og livsenergi. Mit håb er at kreativiteten vil blomstre.

I denne bog viser Moa Brännström Ott, hvordan du kommer i gang med at snitte, hvordan du får fat i træ, og hvilke snittegreb du skal kunne. Trin for trin lærer du at snitte lige skeer, bøjede skeer, smørknive, spatler og kopper, du kan have med på tur. Du lærer også, hvordan du holder kniven skarp og plejer din økse. ”Når jeg snitter, bliver jeg rolig indeni. Det er min måde at slappe af på, og samtidig minder det mig om skoven – et sted, jeg altid savner, når jeg ikke er der. Skeer, grydeskeer og salatbestik er ting, jeg tit bruger i køkkenet, og hver gang minder de mig også om, hvor vigtigt det er for mig at skabe noget. Selv noget så beskedent som en smørkniv i birketræ,” fortæller forfatteren.

Charlie Prodger works across moving image, writing, sculpture, drawing and printmaking. Through the prism of queer subjectivity, her work explores intertwined relations between the body, landscape, language, technology and time. To accompany her exhibition and the presentation of the complete film trilogy-Stoneymollan Trail, BRIDGIT, and SaF05-a book with a substantial essay by Sarah Hayden is released in Secession's publication series. The London-based author and professor of literature and visual culture analyzes the significance of voice and voiceover in Prodger's video works. For the book, the artist has created a series of image pairings of production photos and video stills from the final part of the trilogy, SaF05.

Tremulations präsentiert Objekte aus dem Archiv des Swedenborg-Hauses sowie Schriften und Kunstwerke u.a. von Marcel Duchamp, Meret Oppenheim, Yayoi Kusama und Apichatpong Weerasethakul. Die Publikation stellt die Orthodoxien des institutionellen Kuratierens in Frage und nimmt dabei wenig Rücksicht auf die traditionellen Formen der Kategorisierung der Welt. Sie kombiniert Elemente aus dem Archiv des Swedenborg-Hauses, darunter die Ohrknochen des Mystikers Emanuel Swedenborg, mit Werken der modernen und zeitgenössischen Kunst und Literatur. Der Katalog ist nach Swedenborgs "Neun Regeln der Tremulation" gegliedert und wird in Kapiteln unterteilt, die sich im physischen, zeitlichen und virtuellen Raum des Swedenborg-Hauses manifestieren. Swedenborgs Regeln sind ein Schema, um historische und zeitgenössische Formen der Verbreitung und Übertragung zu erforschen: Spiegelbilder, Träume, Reflexionen, divinatorische Visionen, Phantasien, Erinnerungen, Prophezeiungen und Halluzinationen sowie filmische Projektionsformen, die sich älterer Vermittlungstechnologien als Fernsehen und Video bedienen, sowie postkinematische und virtuelle Formen: The Bridge von Mark Leckey; Hilma af Klint: The Temple und It will End in Stars von Nathalie Djurberg & Hans Berg.

The Anahuacalli Museum in Mexico City, a pyramid-shaped structure of volcanic stone, was intended to be the final mansion of Diego Rivera and his wife, Frida Kahlo. Today, it houses Rivera's vast collection of pre-Columbian art. Unlike typical museums, the building's galleries resemble religious or ceremonial chambers, and the corridors are dramatic and cavernous.In 2022, artist Robert Janitz (b. 1962 in Alsfeld, Germany), who had recently moved to Mexico City from New York, was invited to exhibit his work at Anahuacalli. This catalog documents this extraordinary dialogue between pre-Hispanic and contemporary aesthetics. As an outsider, Janitz was free to respond to what he found compelling at Anahuacalli: the colors, the textures, the visionary architecture. Throughout the museum's three floors, Janitz installed large-scale paintings on the walls, even the ceiling and floor, to amplify and distort Rivera's almost ubiquitous decorative program. His paintings of tubular structures, halfway between hieroglyphs and shapes, were spotlit against the heavy, dark stone walls, giving them a jewel-like luminosity and creating an almost metaphysical and spiritual experience. Conceptually and chromatically, Anahuacalli seemed the perfect home for Janitz's extravagantly colored silhouettes.

Eine Leseprobe finden Sie unter "https://verlag.sandstein.de/reader/98-766_Koepfe"Das menschliche Gesicht: Es spiegelt die Persönlichkeit, verrät Emotionen und Seelenzustände - manchmal gibt es auch Dinge preis, die man lieber verbergen möchte. Schminke oder Masken verfremden es, gestalten es um. In diesem Spannungsfeld von Zeigen, Verstecken und Verwandeln bewegen sich die zusammengetragenen Gemälde, Grafiken, Skulpturen und kunsthandwerklichen Objekte aus dem 14. Jahrhundert bis zur Gegenwart. Im Fokus stehen Werke internationaler Künstler und Künstlerinnen, die den menschlichen Kopf und das Gesicht erfassen, bearbeiten oder verformen. Alle haben eins gemeinsam: Sie sind Zeugen ihrer Zeit und zugleich zeitlos - das macht sie aktuell und berührend.Die Hintergründe dieser besonderen thematischen Ausrichtung der Privatsammlung stellt Christine Litz in ihrem Essay dar. Die unterschiedlichsten Facetten rund um Identität und Verfremdung werden in Form von Kurzinterviews mit dem Sammlerpaar Anna und Michael Haas ergänzt. Beide geben Einblicke in ihre Sammlertätigkeit sowie spannende Geschichten zu einzelnen Werken. Der Ursprung ihrer Faszination für die Köpfe und Masken liegt vor allem in der Elzacher Fasnet, zu deren Historie Bernd Fackler schreibt.

A key theme pervading the work of Alex Müller (*1969) is her investigation of the complex phenomenon of time. Again and again, the artist finds impressive images representing time - both its progress as well as its relative nature. For Kunsthalle Nürnberg, Alex Müller has developed an exhibition that combines biographical allusions, cultural and art historical references. In eight chapters, the exhibition takes us on a journey through the artist's universe.Numerous everyday objects become charged with a specific meaning in Alex Müller's oeuvre. Any material can become an artistic material in her work. The artist underlines the open narratives of her art by cleverly playing with the boundaries of painting, drawing, sculpture, installation, film, sound, and performance.Stories are hinted at, but never fully told. The titles evoke associations with specific people, books, films, or events. Alex Müller's art always suggests something unspoken, encouraging further thought, and represents the perpetual search for the self as well as a varied exploration of transience.

- This book is a multi-vocal, inter-disciplinary, examination of Baga culture and specifically the performance of the Serpent masquerade within that cultureThis study of the wooden Serpent figures/headdresses of the Baga people of Guinea is a collaboration by the author, as an art historian, with many contributions from diverse perspectives, including scientists preeminent in their fields, Robert J. Koestler, Roy Sieber, Dennis William Stevenson, Mark T. Wypyski, and Peter J. Zanzucchi. The text begins with a thorough exploration of the ethnological and art historical evidence for the Serpent masquerade among the Baga of Guinea, bearing an immense wooden serpent figure on top of the head representing a python. Never witnessed or photographed by an outsider, it disappeared in the 1950s along with most ritual performance after an Islamic jihad instated strict prohibitions against indigenous religions. The ritual context is followed by an in-depth analysis of the Serpent masquerade figures now extant in collections in Europe, the Americas, and Africa, as well as other representations of the python in the ritual art of the region. The final sections present the arguments, as a debate, between interested persons in the arts, including art historians, dealers, appraisers, collectors, and curators, and the scientific examinations by specialists in botany, chemistry, physics, entomology, and conservation concerning one particular Serpent figure in question.

Der Band widmet sich dem Material ¿Holz" anhand von geschnitzten Kästen aus dem späten 12. bis zum frühen 14. Jahrhundert. Nachvollzogen werden nicht nur Produktionstechniken, Materialpräferenzen und Rezeptionsästhetiken des Hoch- und Spätmittelalters. Im Fokus stehen auch die Frage, wie Material, Form und Technik interagieren und auf künstlerische Prozesse einwirken, sowie das Fazit, dass sie nicht getrennt voneinander verstanden werden können.

Swiss artist Rochus Lussi, born in 1965, examines the individual's existence in the mass. Issues of vulnerability, sensitivity, and defensibility are also key topics of his art, for which he mainly employs the mediums of sculpture and installation, but also drawings and performance. This first monograph on Lussi offers a broad survey of his work from thirty years, featuring small and multi-part installations, wood sculptures, works on paper, and photographs of his performance actions. The human figure is at the core of his early works, yet over time this begins to dissolve, and forms from everyday life, structures, draperies, surfaces of different body worlds come to the fore. The comprehensive visual presentation of Lussi's oeuvre is supplemented with essays contributed by art historians, curators, and art educators.

'The Nayika in her different moods animates ancient and medieval art, poetry and drama... Her desire for physical union with the lover is as strong as her anguish due to separation from him. Her passion is both generous and intense; she knows how to give pleasure, and she knows how to take it.' In this lovely book, a celebrated scholar of Indian art, aesthetics and pre-modern sexuality presents a selection of images that show the Nayika-the ideal romantic heroine of classical Indian literature.

Theatrum Mundi ("the theatre of the world¿) describes the diversity of masks and performances that originated from the violent struggles between European, Arabic and ¿New World¿ civilizations. This authoritative study celebrates over 500 years of Mexican and South American Indigenous dance dramas and explains how mask makers, religious practitioners, masqueraders and entrepreneurs have helped to continuously reinvent, revitalize and express the changing world around them.The culmination of four decades of research by Dr. Anthony Shelton, professor of art history and director of the Museum of Anthropology (MOA) at the University of British Columbia, the text is illustrated by field photographs and images from MOA and other notable mask collections

IF NOT NOW WHEN?Barthélémy Toguo (*1967) stellt in seiner künstlerischen Praxis hoch aktuelle Fragen zu Identität und gesellschaftlicher Zugehörigkeit und thematisiert Migration, Flucht, Vertreibung und jene Einschränkungen, die sich durch ­territoriale Grenzen und Hoheitspolitik ergeben. Vor dem Hintergrund seiner doppelten ­kame- runisch-französischen Staatsbürgerschaft nimmt er eine explizit anti-eurozentrische ­Haltung ein. Seine Aufmerksamkeit richtet sich auf die Ursachen ökologischer Verwerfungen und deren gesellschaftliche Konsequenzen. Stichworte in diesem Zusammenhang sind: Trink- und Brauch­wassermangel, Fehlentwicklungen in der Land­wirtschaft, Auswirkungen der Klimaveränderung, Korruption, Krieg, mangelnde ökonomische Entwicklungsperspektiven etc. In seinen Arbeiten, seien sie der Malerei, Zeichnung, Skulptur, Performance oder Installation zuzurechnen, verbindet er das Humane mit der ­Natur: »Was mich leitet, ist eine sich ständig weiterentwickelnde Ästhetik, aber auch ein Sinn für Ethik, der einen Unterschied macht und meinen gesamten Ansatz strukturiert.« Das Buch zeigt eigens für die Esslinger Ausstellung neu entstandene Werke, Remakes sowie adaptierte Installationen. Zudem präsentieren Buch und Ausstellung eine kleine retrospektive Übersicht zum Werk des Künstlers.Ausstellung:Villa Merkel Galerie der Stadt Esslingen, 7/8 - 23/10/2022

"Under Different Moons: African Art in Conversation shares--for the first time in print--the UBC Museum of Anthropology's extensive collection of brilliant objects from dozens of African cultures, gathered over nearly a century. These include masks from the Baule peoples of ôCte d'Ivoire, the Bijogos people of Guinea Bissau, and the Dogon peoples from Mali; three Bamana / Bozo puppet sets from Mali and Burkina Faso, with floats, cloth awnings and related animal masks; and Benin panels and castings, Makonde sculpture, and Yoruba thorn carvings that will make their public debut in the exhibition that this book accompanies. Throughout the book are beautiful photos of over 100 objects from the collection, as well as a dozen photos of contemporary artworks by Nigerian and Nigerian-Canadian artists. The first part of this book, by Anthony Alan Shelton, draws on an expansive ethnographic literature to contextualize MOA's collection within seven themes that reoccur in a wide number of societies across the African continent as well as in areas of Brazil and the Caribbean. In the second part, Titilope Salami focuses on contemporary Nigerian and diasporic artists to show the continued relevance of ritual practices in Nigerian artworks. And in the third part, Nuno Porto examines specific items in MOA's collection to reveal the social, historical, and market networks in which they once circulated and the changing significances ascribed them. Under Different Moons is part of a wider attempt to bring to public attention, especially that of African and diasporic Canadian communities, parts of an important cultural legacy, safeguarded in museums across the country, that can help empower new sectors and generations of citizens and widen the breadth and understanding of Canada's multi- and intercultural character."--

"Where the Power Is: Indigenous Perspectives on Northwest Coast Art brings together contemporary Indigenous knowledge holders with extraordinary works of historical Northwest Coast art that transcend the category of "art" or "artifact" and embody distinct ways of knowing and being in the world. Dozens of Indigenous artists and community members visited the Museum of Anthropology at the University of British Columbia to engage with these objects and learn from the hands of their ancestors. The photographs and their commentaries speak to the connections between tangible and intangible cultural belongings; how "art" remains part of Northwest Coast peoples' ongoing relationships to their territories and governance; Indigenous experiences of reconnection, reclamation, and return; and critical and necessary conversations around the role of museums."--

The Würzburg sculptor and woodcarver Tilman Riemenschneider (c.1460-1531) worked within established formal traditions, yet succeeded in creating works of a kind that had never been seen before. Against common practice, he left many of his sculptures unpainted. This turned them from life-like images of saints into works of art far removed from the everyday world of the beholder. To see the intricate, supremely carved details of Riemenschneider's sculptures, the play of light and shade on their glazed wooden surfaces, and the moving expressions of the figures' faces and gestures, is as fascinating today as it must have been when they were created. With the help of 217 black and white and 55 colour illustrations, both of complete works and of details, this book gives a representative survey of the ouevre. Unique in the book market, the catalogue part of the book includes all works unanimously attributed to Riemenschneider or his workshop.

Historien om Teodor Bòks flugt under den kolde krig fra Polen og hans udvikling som kunstner i Danmark.Helle & Michael Moesgaard Andersen har gennem en længere årrække interesseret sig for kunst og opbygget egne kunstsamlinger. De kom allerede i 1990’erne i Teodor Bòks atelier og havde samtaler om kunst med ham. De blev straks fascineret af hans niveau og egenart. Endvidere blev de bekendt med hans dramatiske flugt fra Polen. Deres interesse og viden kulminerer efter kildestudier og kunstnerisk gennemgang nu i en bog. Bogen påkalder sig på den ene side interesse med udgangspunkt i forfølgelser, storpolitik, flugt og efterfølgende dansk statsborgerskab. På anden side går bogen i dybden med det kunstneriske virke, Teodor Bòk får i Danmark med en produktion af værker, der ligger langt over det gennemsnitlige. Helle Moesgaard Andersen er cand.mag. og har mangeårig erfaring inden for formidling. Endvidere har Helle tidligere skrevet om kunstnere som Vibeke Tøjner, Kirstine Roepstorff og Astrid Svangren. Michael Moesgaard Andersen er cand.scient.pol. og adj. professor på CBS. Ved siden af erhvervsaktiviteter er Michael tillige aktiv inden for kunstverdenen på en række forskellige felter.