Installationskunst

Den danske billedkunstner John Kørner (f. 1967) forener det klassiske landskabsmaleri med motiver fra en til tider brutal virkelighed i sin billedverden, hvor sociale og politiske emner materialiseres som problemer af både lokal og global karakter. I monografien fremhæves Kørner som multikunstner, der dog har fastholdt maleriet som den billedform, han viser en uforbeholden tillid til. Kørners farverige malerier, skulpturer, grafik og installationer bringer læseren helt ind i kunstnerens mangeårige oevre. I samtale med Marie Nipper, der kuraterede Kørners store retrospektive udstilling Altid mange problemer på Kunsthal Charlottenborg i 2017, fortæller Kørner om sin lyst til at formulere sig i rumlige installationer, der rækker ud over lærredets traditionelle grænser, og om de dramatiske højdepunkter og begivenheder, der til stadighed påvirker ham. Kurator Max Andrews (frieze) og kunstkritiker Oliver Basciano (ArtReview) reflekterer i de to essays “Kørner-problemet” og “Det gode med det onde” over Kørners mangeårige arbejde med `problemet´ som gennemgående figur. På både godt og ondt hører problemer med til det at være i verden. Problemer er vigtige, for både mennesket og kunsten.Monografien JOHN KØRNER er den mest omfattende udgivelse om kunstneren til dato.JOHN KØRNERHardcover280 siderGennemillustreretTekst parallelt på dansk og engelskUdgivet på Roulette Russe

I den gennemillustrerede Surrealisternes liv, med portrætter af kunstnerne og deres kendte kunstværker, giver Desmond Morris et personligt, rørende, humoristisk og først og fremmest vidende portræt af de 32 mest fremtrædende kunstnere i den surrealistiske kreds omkring André Breton i 20’erne, 30’erneog 40’erne. Wilhelm Freddie, Dalí, Man Ray, Max Ernst, Marcel Duchamp og Magritte er bare nogen af de kunstnere, som bliver portrætteret i bogen – en helt forrygende samling kunstnere, som var forenet om det samme projekt … at gøre hverdagen og kunsten lidt mere surrealistisk.Surrealismens kunst bliver mere og mere populær i disse år, og tusindvis af museumsgæster flokkes til udstillinger om Dalí, Magritte, Francis Bacon og Picasso. De syrede og smukke værker, som ofte har drømmeagtige landskaber, mærkelige væsener og bizarre sammensætninger, sælges for rekordbeløb verden over, og surrealismen indeholder formodentligt den mest intense samling kunstnere nogensinde i én isme.Kunstnere, der laver så syret kunst, har ofte en syret personlighed, og en stor del af bogen beskriver også surrealisternes outrerede seksuelle tilbøjeligheder, mærkelige happenings og generelt pudsige indfald. Surrealisternes liv – en meget, meget underholdende bog.

AKA HØEGH har sit helt særegne udtryk inden for grønlandsk og nordisk kunst – dybt forankret i Grønlands vældige natur og dramatiske sagnverden. Hun fastholder sit fokus på almenmenneskelige følelser og naturens ukrænkelighed i en tid med store samfundsmæssige omvæltninger. Hun skildrer mytiske landskaber, drømme og fremtidsvisioner i lyset af global opvarmning. Hun arbejder med vidt forskellige udtryk og materialer – fra pensel og akvarelblok til skulpturer i granit, fra stålnålens rids i zinken til malerier og store udsmykningsarbejder. Hun har udsmykket Folketingets Grønlandsværelse, udhugget en skulpturgruppe ved Rigshospitalet og illustreret Prins Henriks digtsamling Blå mærker i sjælen … blandt meget andet. AKA HØEGH indfanger Grønlands sjæl og deler den gavmildt med beskueren. Bogen om AKA HØEGH er gennemillustreret med et bredt udvalg af kunstnerens værker. Med sit store format, smukke og luftige grafiske design, lækre papir og høje kvalitet i tryk og bogbind er det en unik gavebog for alle, der interesserer sig for kunst og Grønland! Mai Misfeldt, cand.mag. i litteratur og kunsthistorie, er forfatter og billedredaktør.

Take inspiration from nature and sew, create and craft all year round with best-selling author and textile artist Tilly Rose. Boost your creativity, develop mindfulness through making, and create your own unique textile treasures. Bursting from every page are ideas for unique and meaningful textile artworks, each with a story to tell. From eco-dyeing, cyanotype and weaving to collage, embroidery and slow stitching, Tilly harnesses many crafts to help her connect with Mother Earth in every season. She creates beautiful keepsakes that capture memories and encourage creativity with wild and natural materials. Discover how to: arrange nature mandalasmake your own natural paints and dyespress your own flowersenjoy slow stitchingexplore sun printingcreate botanical journalspreserve and display your work.Brimming with inspiration, this is a treasure trove of 12 simple-but-stunning seasonal projects that will draw you closer to nature and improve your well-being whatever your age or ability.Check out Tilly's Slow Stitch Café website: a friendly online community offering a tranquil space to explore slow stitching, make beautiful projects and learn valuable stitching and textile techniques. There are also video tutorials, livestreams and book reviews to help you embrace your own unique creativity. Visit: www.tillysslowstitchcafe.co.uk

Den danske billedkunstner John Kørner (f. 1967) forener det klassiske landskabsmaleri med motiver fra en til tider brutal virkelighed i sin billedverden, hvor sociale og politiske emner materialiseres som problemer af både lokal og global karakter. I monografien fremhæves Kørner som multikunstner, der dog har fastholdt maleriet som den billedform, han viser en uforbeholden tillid til. Kørners farverige malerier, skulpturer, grafik og installationer bringer læseren helt ind i kunstnerens mangeårige oevre. I samtale med Marie Nipper, der kuraterede Kørners store retrospektive udstilling Altid mange problemer på Kunsthal Charlottenborg i 2017, fortæller Kørner om sin lyst til at formulere sig i rumlige installationer, der rækker ud over lærredets traditionelle grænser, og om de dramatiske højdepunkter og begivenheder, der til stadighed påvirker ham. Kurator Max Andrews (frieze) og kunstkritiker Oliver Basciano (ArtReview) reflekterer i de to essays “Kørner-problemet” og “Det gode med det onde” over Kørners mangeårige arbejde med `problemet´ som gennemgående figur. På både godt og ondt hører problemer med til det at være i verden. Problemer er vigtige, for både mennesket og kunsten.Monografien JOHN KØRNER er den mest omfattende udgivelse om kunstneren til dato.JOHN KØRNERHardcover256 siderGennemillustreretTekst på engelskUdgivet på Roulette Russe

Despite its large and growing popularity — to say nothing of its near-ubiquity in the world’s art scenes and international exhibitions of contemporary art — installation art remains a form whose artistic vocabulary and conceptual basis have rarely been subjected to thorough critical examination.In Installation Art: Between Image and Stage, Anne Ring Petersen aims to change that. She begins by exploring how installation art developed into an interdisciplinary genre in the 1960s, and how its intertwining of the visual and the performative has acted as a catalyst for the generation of new artistic phenomena. She investigates how it became one of today's most widely used art forms, increasingly expanding into consumer, popular and urban cultures, where installation's often spectacular appearance ensures that it meets contemporary demands for sense-provoking and immersive cultural experiences.The main trajectory of the book is directed by a movement aimed at addressing a series of basic questions that get at the heart of what installation art is and how it is defined: How does installation structure time, space and representation? How does it address and engage its viewers? And how does it draw in the surrounding world to become part of the work? Featuring the work of such well-known artists as Bruce Nauman, Pipilotti Rist, Ilya Kabakov and many others, this book breaks crucial new ground in understanding the conceptual underpinnings of this multifacious art form.Anne Ring Petersen is associate professor in the Department of Arts and Cultural Studies at the University of Copenhagen and the editor of Contemporary Painting in Context.

Dette er 13. udgave af kunstårbogen – 101 kunstnere – der præsenterer værker af danske kunstnere på et højt kvalitetsniveau og dermed illustrerer, hvor udbredt billedkunsten er i dagens Danmark.Bogens vigtigste formål er at vise den mangfoldighed, der eksisterer i dansk kunst. Man kan finde god kunst overalt, bogstaveligt talt fra Gedser til Skagen og i alle mulige afskygninger. God kunst skabt af mennesker, der brænder for sagen, og som konstantarbejder målrettet på at blive bedre. Det er disse kunstnere, denne bog gerne vil hylde.Bogen er til alle – galleriejeren, bestyrelsesmedlemmet i en kunstforening og den almindelig kunstinteresserede borger – der vil lære kunsttalenter i alle aldre og fra alle dele af landet at kende og for at se, om der er noget, der fanger.Bogens redaktør, Tom Jørgensen, er kunsthistoriker og anmelder ved Kunstavisen og Jyllands-Posten samt kunstformidler, forfatter og foredragsholder.

I essaysamlingen Hvor kunst hører til besøger den amerikanske forfatter og filminstruktør Chris Kraus en række udstillinger, kunstnere, værker, fester, kyster og byer i en afsøgning af, hvad og hvor kunst kan være. Hvor kunst hører til er en invitation til snakke med hinanden om kunsten, tænke over den og spørge til den. Det er en bog, der betragter kunstverdenen som den pengemaskine, den (også) er, uden at afskrive den og som samtidig insisterer på håbet om, at kunsten stadigvæk spiller en rolle for vores fællesskaber. Ikke for de få, men for os alle sammen.Bogen er oversat af Nanna Friis og Emma Holten.”Det er muligt at være vildt intelligent og samtidig ikke have nogen viden. Denne tilstand – der som regel hænger sammen med ungdom eller forlænget pubertet – resulterer tit i kedsomhed, den eksistensielle stamfader til stort set alle væsentlige kunst- og kulturbevægelser.”

BOGEN om kunstneren Anne-Birthe Hove (1951-2012). Hun var en af Grønlands mest originale og anerkendte billedkunstnere i både ind- og udland. Anne-Birthe Hove arbejdede med mange medier og materialer – men først og sidst står hun tilbage som grafiker. Hun var en kunstner, der hele tiden udfordrede sig selv. Og dermed sit publikum. Denne bog er et tilbageblik på et kunstnerliv og en stor kunstnerisk produktivitet. Med bidrag fra mennesker, der stod Anne-Birthe Hove nær, professionelt og personligt – og ikke mindst gengivelser af en lang række af hendes værker. Tekst på dansk og grønlandsk. En smuk og gedigen bog med foliepræg på forside og ryg og ilagt kassette.

Ca. 400 siders illustreret gennemgang af den kunstpolitiske og kunstnerpolitiske faglige forenings historie, der viser, at Kvindelige Kunstneres Samfund (KKS) i næsten 100 år har kæmpet for at kunstnere bliver vurderet og anerkendt for deres kunnen, ikke deres køn. Inddelt i 20 artikler af varierende længde og forskellige temaer. Mange af artiklerne tager udgangspunkt i tiden før og omkring dannelsen af KKS. Temaer er fx fokus på kunstkritikkens modtagelse af KKS' udstillinger, ligestillingen i dag og museernes indkøb af mandlig/kvindelig kunst (fra Lektørudtalelsen).

I over et årti har Cisternerne modtaget stor anerkendelse i Danmark og udlandet for rækken af ambitiøse udstillinger af store internationale samtidskunstnere som Chiharu Shiota, Kimsooja, Tomás Saraceno, Superflex og Hiroshi Sambuichi. Denne bog fortæller historien om det helt unikke rum og de muligheder, det skaber for kunsten. Det tidligere vandreservoir i Søndermarken på Frederiksberg er blevet omdannet til en underjordisk kunsthal. Hvert år inviteres en kunstner til at lave et stedsspecifikt kunstprojekt med afsæt i Cisternernes underjordiske arkitektur, klima og historie, og der opstår en helt særlig altomfavnende og sanselig verden, som ikke kan opleves nogen andre steder.Bogen indeholder bidrag af Maria Gadegaard, direktør for Frederiksbergmuseerne, Astrid la Cour, tidligere direktør for Frederiksbergmuseerne og nu direktør for SMK - Statens Museum for Kunst, Carsten Thau, professor emeritus og arkitektur- og idehistoriker samt Minik Rosing, professor i geologi.

Denne bog illustrerer, hvordan kunstnere verden over på hver deres måde forsøger at bidrage til løsningen af den globale økologiske krise. Ralph Sanne (f. 1946) er cand.scient. i biologi, geografi og geologi.

♥ ♥ ♥ ♥ ♥Politiken "Ekstraordinær" Politiken "Fascinerende" Guardian Irske Sara Baume tog læserne med storm i sin umådeligt smukke debutroman vælde vokse vakle visne, og i hendes anden roman lever hun op til forventningerne, med en stadig sart og seismografisk, men denne gang også nærmest humoristisk-sarkastisk skrivestil. Linje trådt af trin er en roman om kreativitet og depression; en ganske ung kunsthistoriker opholder sig i sin afdøde mormors hus og prøver at finde ro til at finde ud af, hvad der er op og ned i tilværelsen.Hele tiden tester hun sin hukommelse ved at remse kunstværker af op, ligesom hun holder sig beskæftiget med bl.a. at fotografere døde dyr, alt imens hun undviger fra at se sig selv i spejlet, især i den mentale betydning.

For snart 100 år siden rullede den første pølsevogn ud på gaden, og Danmarks nationale gadekøkken var født. Siden har pølsemænd serveret en ristet med det hele, når danskerne skulle stille den lille sult. Denne bog er en hyldest til pølsevognens plads i danskernes kulinariske hjerter – med et omfangsrigt billedmateriale og interviews med forfattere, kokke, billedkunstnere, forskere og ikke mindst pølsemænd og -damer. Hvordan har madkultur, industriel udvikling og arkitektur påvirket pølsevognen – fra 1920’ernes kogte pølse med rundstykke til 2010’ernes økologiske ristede med rodfrugtmos? Der er sket lidt af hvert, men er der alligevel sket for lidt nyt til at redde vores allesammens pølsevogn? Pølsevognen, som vi kender den, er døende, og endnu har ingen beskrevet dette unikke klenodie så gennemført som denne bog. Du står nu med en del af Danmarkshistorien i hånden.

The publication IF THE SNAKE guides you through the 18 exhibiting artists and collaborative projects behind the Okayama Art Summit 2019 convened by Pierre Huyghe as artistic director. The book distinguishes itself as an artist book with concept, text, and photography by Pierre Huyghe, guiding the reader into the state of being at the exhibition in Okayama.Including works by: Tarek Atoui, Matthew Barney, Etienne Chambaud, Paul Chan, Ian Cheng, Melissa Dubbin & Aaron S. Davidson, John Gerrard, Fabien Giraud & Raphaël Siboni, Glass Bead, Elizabeth Hénaff, Eva L’Hoest, Fernando Ortega, Sean Raspet, Lili Reynaud-Dewar, Pamela Rosenkranz, Tino Sehgal, Mika Tajima

In her sculptures, installations, films, and interventions in public spaces, Croatian artist Luiza Margan explores the disparity between officially recorded history and history which is invisible. She questions the ways in which power structures and ideological systems are etched into the public sphere and interwoven into collective memory.The installation Cache, created in the course of the Artist-in-Residence-Program of the ZF Kunststiftung, examines the traces of National Socialist rule left in the city of Friedrichshafen. The title alludes to a hidden location, a concealed storehouse for information.

The artist duo Michael Elmgreen & Ingar Dragset continues to devise new ways of presenting and perceiving art through their subversive and versatile work. The updated and expanded edition of Elmgreen & Dragset: Sculptures is the most comprehensive study to date of the duo's sculptures from the mid-1990s to the present day. Visually designed to reflect the aesthetic and concep-tual working methods developed by the artist duo over the course of their careers, the book features detailed photographic documentation as well as four seminalessays on the artist duo's oeuvre. MICHAEL ELMGREEN (*Denmark) and INGAR DRAGSET (*Norway) have been working together since 1995. Their work explores socio-cultural and political themes such as the challenges of growing up, queer issues, the construction of identity, consumer culture, and the privatization of public space. The artist duo has received numerous prizes, including the Preis der Nationalgalerie in Berlin (2002) and a Special Mention at the Venice Biennale (2009).

This publication gives a comprehensive overview of the work of Italian artist Alberto Garutti. His innovative oeuvre, consisting primarily of sculptures, installations, and works in public space, explores site-specificity along with its social realities and historical contexts. With the artistic and methodological strategies he has employed since the 1990s, he has revolutionized the vocabulary of public and site-specific art. ALBERTO GARUTTI (1948-2023) has been a key figure on the Italian and European contemporary art scene of the last forty years. Since the early 1990s, Garutti's practice has evolved into a radical manifesto for public art. His works in the urban context-commissioned by cities and institutions around the world-are meant to be open devices for reimaging. As a practitioner of public art and a teacher at the Academy of Brera in Milan and at the IUAV in Venice who has influenced many generations of Italian artists, Alberto Garutti is considered one of the most influential Italian artists of his generation.

In her works, Nina Annabelle Märkl (b. 1979) develops permeable viewing spaces that lie at the interface between drawing, object, and installation. The viewers move through landscape-like settings in modular spatial installations, entering into various dialogues with the works. In addition, through the shift in perspective, they can experience the possibility of seeing themselves in their own observations and can question the structures of their perception.The monograph Scapes unites various strands of Nina Annabelle Märkl's work in the diversity of their links and leaps between drawing and spatiality, which follow on from one another in the diversity of manifestation or interpenetrate one another in individual arrangements.

Überleben ist eine gemeinschaftliche Praxis. Wir können es nicht allein tun; wir brauchen einander. Wir brauchen Werkzeuge und Praktiken, die uns helfen, uns zu verbinden, zu verstehen, gemeinsam zu bauen, zu überleben in diesem Zeitalter der Klimakrise, des technologischen Umbruchs, des existenziellen Schmerzes. Wir brauchen Worte, Werte und Ideen, die über den menschlichen Raum hinausgehen. Wir müssen lernen; und wir müssen verlernen. Wir brauchen ein Handbuch fürs Überleben.Die Kunst in diesem Buch setzt sich mit der Natur auseinander, mit den planetarischen, transzendentalen Fragen der globalen Zusammenhänge sowie mit der Gemeinschaft, dem Sinn für das Spielerische, der Zusammengehörigkeit und den gemeinsamen Erfahrungen durch die Kultur. Ein hochwertiges und reich bebildertes Buch mit innovativen Texten, die der Idee folgen, dass wir lernen müssen, in Widersprüchen zu leben und zu denken, ohne uns selbst zu verlieren.Künstler*innen:Panteha Abareshi, Yalda Afsah, Abbas Akhavan, Assemble, Mohammed Bourouissa, Andrea Bowers, James Bridle, Sam Chermayeff, Edith Dekyndt, Simon Denny, Cao Fei, Liam Gillick, Lawrence Abu Hamdan, Lubiana Himid, Leon Kahane, Kablusiak, Paul Kolling, Carolyn Lazard, Sharon Lockhart, Taus Makhacheva, Shaun Motsi, Goshka Macuga, Jota Mombaça, New Red Order (NRO), Olaf Nicolai, Christelle Oyiri, Celine Pages & Christine Marchal, Trevor Paglen, Grayson Perry, Bruno Serralongue, Jeremy Shaw, Charles Stankievech, Ron Terada, Syrus Marcus Ware, Emmanuel Van der Auwera, u.a.

Conceived as an archive, the book brings together the experiences of Frequencies, a global participatory project initiated by multimedia artist Oscar Murillo in 2013. Part of the artist's multimedia practice, Frequencies addresses the notion of community through the lens of its making. For over a decade, it has involved members of Murillo's family, studio team and collaborators, visiting schools around the globe, fixing raw canvas onto classroom desks, and inviting the students to freely mark, write and draw on them for a period of approximately six months. Murillo has collected an archive of canvases, which he presented in various interactive exhibitions. OSCAR MURILLO (*1986, La Paila, Colombia) has developed a multi-faceted and ambitious practice that spans painting, collaborative projects, video, sound and installation. He received his MFA from the Royal College of Art in 2012 and was one of four artists to collectively win the prestigious Turner Prize in 2019.

This book is a comprehensive tribute to the Polish-Belgian artist Tapta (Maria Wierusz-Kowalska). Her work transcends traditional artistic boundaries, captivating audiences with her innovative exploration of fluid spaces and dynamic interactions. Her work, an important contribution to twentieth century sculpture, is essentially divided into two major sections: the textile works of the 1960s to 1980s and the subsequent neoprene works of the last years of her life. Her practice moved away from traditional weaving through experimental techniques and evolved into three-dimensional works-first made of cords, then of neoprene sheets-that interacted with the space and the viewer. TAPTA (*1926-1997) was born in Poland and came to Belgium as a political refugee with her husband, Krzysztof Wierusz-Kowalski, after taking part in the Warsaw Uprising of 1944. She studied weaving at the La Cambre National School of Visual Arts, Brussels, from where she graduated in 1949. Shortly afterwards, the couple moved to the Belgian Congo (now Democratic Republic of the Congo), where they lived from 1950 to 1960. On their return to Belgium in 1960, until her sudden death in 1997, she worked in Brussels as an artist and-from 1976 until 1990-as a professor at La Cambre.

Marco Stanke (*1987) wurde 60 Jahre nach Alf Lechner (1925-2017) geboren. Trotzdem weisen ihre künstlerischen Positionen vielschichtige Bezüge auf. In Stankes Malereien ist die Leinwand nicht bloß ein Bildträger. Seine Arbeiten sind vielmehr räumliche Gebilde aus Nessel, Keilrahmen und Farbe. Stanke faltet, schneidet, biegt, stapelt und durchbohrt die Leinwände und erprobt die körperlichen Grenzen des Bildes, das er in den Raum ausdehnt. Seine Werke sind teils Bild, teils Relief oder Skulptur, und erst im Zusammenspiel dieser unterschiedlichen "Teile", wie Stanke selbst sie nennt, ergibt sich am Ende das vollständige Bild.Hierin besteht die vordergründigste Verbindung zu Lechner, dessen Skulpturen ebenfalls als Fragmente eines kontinuierlichen Arbeitsprozesses betrachtet werden müssen. Zentral hierfür ist seine Praxis der Teilung, in deren Folge räumliche Beziehungen zwischen den Fragmenten und den Betrachter*innen erforscht und materialbezogene Herstellungsprozesse offengelegt werden können, ganz im Sinne seiner Maxime: "Durch Teilen ist es möglich, mehr über das Ganze zu erfahren."Dieser Ansatz klingt im Titel der Kataloges teil's teil's wider, der als Aufforderung zu verstehen ist, tiefer in Materien einzutauchen. Darüber hinaus suggeriert der Titel auch, dass etwas nicht klar zuordbar ist und verweist so auf die Zusammenstellung von Stankes und Lechners Arbeiten und die gemischte Natur des Ausstellungskonzepts.

Die Publikation präsentiert Skulpturen, Videos, Leinwände und Teppiche von Halil Altindere und erscheint anlässlich seiner Einzelausstellung in der Pilot Galerie in Istanbul (23.11.2023 - 20.01.2024).Halil Altindere (*1971 in Mardin/Türkei, lebt und arbeitet in Istanbul) setzt sich in seinen Arbeiten häufig mit konkreten politischen Inhalten auseinander, auch mit Bezug auf seine kurdischen Wurzeln und der Multikulturalität in der türkischen Gesellschaft. In seinen Werken beschäftigt er sich mit einer Vielzahl an Fragestellungen und beleuchtet Methoden des Widerstands gegen Macht und Unterdrückung, wobei er sich mit Themen wie Subkulturen, Geschlechterrollen, Popkultur oder der Struktur und Macht von Kunst- und Finanzsystemen beschäftigt.Die Publikation versammelt Arbeiten der letzten drei Jahre, in denen zunehmend die Grenzen zwischen Kunst und Leben Altinderes verschwimmen. Die Folgen der Pandemie, die die Welt erschütterte, finden ebenso Widerhall in seinen Werken wie die neue Vater-Rolle des Künstlers. Darüber hinaus macht Altindere zunehmend von den Möglichkeiten künstlicher Intelligenz Gebrauch und setzt KI-Technologie als eine Art persönlichen Assistenten ein, der eine aktive Rolle im Produktionsprozess seiner Werke einnimmt.

"The first catalogue raisonnâe on influential artist Tony Smith, to be released with a companion book of critical commentary: Against Reason, a new model expanding the conventional catalogue raisonnâe"--

Kann Kunst heilen? Die Welt zu einem besseren Ort machen? Zenita Komad möchte mit ihrer Arbeit genau das. Sie wendet sich mit außergewöhnlichen grafischen und skulpturalen Werken, Objektbildern, Installationen und Inszenierungen, mit klaren oder rätselhaften, kraftvollen, tiefgründigen, poetischen und oft auch witzigen Botschaften an die Menschen, um auf der Basis einer Verständigung zwischen unterschiedlichen Überzeugungen, Weltanschauungen und interreligiöser Spiritualität für eine gemeinsame Verantwortung für die Welt zu werben - denn alles steht mit allem in Verbindung.NIE WIEDER KRIEG! (Ausstellung im KULTUMuseum Graz, 3.2. bis 26.5. 2024) DER KRIEG IST AUS! (Ausstellung im MMKK Klagenfurt, 8.2. bis 19.5.2024)DIE WAFFEN NIEDER! (Installation, Land-Art-Projekt Die Grube/The Pit von Peter Noever, Breitenbrunn bis September 2024)So lauten drei aktuelle Groß-Projekte von Komad zum Thema Frieden und Gerechtigkeit. Sie laufen gut drei Monate lang parallel in drei Bundesländern. Open-Air-Installationen machen die titelgebenden Imperative der Zeit nach den Weltkriegen aus der Vogelperspektive lesbar und verbinden die Projekte zu einer Trilogie.Die Monografie zeigt sehr aktuelle Werke und solche aus den vergangenen Jahrzehnten, ergänzt dazu eine ausführliche Einführung von Johannes Rauchenberger, ein Gespräch der Künstlerin mit Chris­tine Wetzlinger-Grundnig, ein vollständniges Verzeichnis der gezeigten Arbeiten sowie die Vita von Zenita Komad.

GREEK SCULPTUREBy Estelle M. HurllA short introduction to Ancient Greek sculpture by Estelle M. Hurll, including many famous works of carving from the ancient world, such as the Winged Victory in the Louvre, the Parthenon Frieze, the Venus de Milo, the Disk-thrower, the Bust of Hera (Juno), the Faun by Praxiteles, and the Belvedere Apollo. Fully illustrated, with works discussed in the study. With a full colour cover. Painters Series. Bibliography and notes. www.crmoon.com

Das Buch, das zugleich als Dokumentation der gleichnamigen Ausstellungspräsentation im Haus Mödrath dient, präsentiert frühe Arbeiten aus der Privatsammlung Wilhelm Otto Nachf. Gezeigt werden vor allem Werke solcher Künstlerinnen und Künstler, die in den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren im Rheinland arbeiteten, als Köln neben New York das weltweite Zentrum der zeitgenössischen Kunst war.Über die Jahre formte sich bis heute eine Sammlung, die einen subjektiven Einblick in die damalige Kölner Kunstlandschaft liefert und erstmalig in dieser Form in Haus Mödrath zu sehen ist.Ergänzt werden Ausstellung und Katalog um Künstler und Kunstwerke, die sich diesem Kölner Zeitabschnitt unmittelbar anschlossen und einen wichtigen Schwerpunkt der heutigen Sammlung bilden.Mit Arbeiten von: Albert Oehlen, Andreas Schulze, Anna und Bernhard Blume, Antony Gormley, Blalla W. Hallmann, Christopher Wool, Fischli/Weiss, Georg Herold, Gregor Schneider, Günther Förg, Hiroshi Sugimoto, Isa Genzken, Jochen Lempert, John Bock, Joseph Beuys, Jürgen Klauke, Kai Althoff, Katharina Sieverding, Marcel Odenbach, Peter Duka, Rob Scholte, Roman Signer, Rosemarie Trockel, Siegfried Anzinger, Sigmar Polke, Thomas Zipp, Walter Dahn

an Flavin began work with fluorescent light tubes from the early 1960s on; arranged in so-called 'situations', he would then further develop them into series and large-scale installations. The colours and dimensions of the materials he used were prescribed by industrial production. Flooded in light, viewers themselves become part of the works: The space, along with the objects within it, are set in relation to each other and thus become immersive experiences of art triggering sensual, almost spiritual experiences. Flavin liberated colour from the two-dimensionality of painting. The catalogue places emphasis on looking at Flavin's oeuvre in a less familiar setting: His pieces, although initially without clearly recognisable signature, frequently make reference in their titles to concrete events, such as wartime atrocities or police violence, or are dedicated to other artists - as in the work untitled.Text: Text: Aden Kumler, Simon Baier, Elena Degen, Jules Pelta Feldman, Josef Helfenstein, Aden Kumler, Daniel Kurjakovic, Arthur Fink, Olga Osadtschy, Mechtild Widrich.

Aldo Mozzini. Casematte is the first major book on the work of Swiss artist Aldo Mozzini. Published in conjunction with an exhibition at Museo Casa Rusca in Locarno, Switzerland, it features his energetic art through more than 300 illustrations along with texts by distinguished Swiss curators. A conversation with the artist rounds off the volume, which highlights Mozzini's contribution to the contemporary art scene in Switzerland. Born in Locarno in 1956, Aldo Mozzini has lived and worked in Zurich since the 1980s. Galleries and museums in Switzerland, Italy, and France have shown his works in solo and group exhibitions, and he has won the Swiss Art Award twice, in 2012 and 2019. His oeuvre comprises drawing, painting, objects, photography, sculpture, and installation, moving restlessly from one form of expression to another. The book reviews 40 years of Mozzini's career and explores various aspects of his humorous and poetic art. The impressive body of his paintings and graphic works is closely linked to the sculptures and installations that remain Aldo Mozzini's preferred media.