Performancekunst

Walking as Artistic Practice lays out foundational information about the history of walking and its development as an artistic practice, making it accessible to readers of all backgrounds. It also provides guidance on how to analyze and discuss walking artworks, with vocabulary support, over three hundred examples, and over seventy-five exercises. The chapters offer a variety of topical approaches, allowing readers and instructors to craft an experience most suited to their interests and needs. Themes include observational and sensory experience, leading versus following, who walks where (identity and positionality), rituals, place, activism, connections to drawing, and embodiment. Appendices include information on documentation, sample syllabi, readings and resources, brainstorming tips, community engagement guidance, and tips for travel-based study. Instructors will appreciate this text because it has so many resources to direct students to when they have questions about analysis, history, community engagement, or documentation approaches. It's the type of book that students will hang onto long after the course is done because it is so practical and useful.

Platforms of Reality is a multi-layered analysis and interpretationof Heaven Baek's work, which explores how individualsand society interact both in reality and on stage.It ranges from the artist's early works to her most recentpractice, in which she questions the reality of video timelines,instant realities, and collective memories. Her wellscriptedperformances are spatial visualizations of theflood of real information that has somehow lost its purposeand meaning.The book is divided into four chapters, each exploring adifferent sense of reality and bringing together her artisticapproaches. The metaphor of the platform can beimagined as stages for her work, where trains depart fromdifferent tracks with different destinations, crossing pathsas they meet continuously. Baek attempts to permeatesocial collectives with her research and artistic methods-from drawing to video to installation.HEAVEN BAEK (*1984, Busan, South Korea) studied Media Arts in Melbourne, and received her Master's degree from the Glasgow School of Art. She uses staged reality to bring her videos and installations to fruition, magnifying mechanisms of society and social interaction. She lives and works in Seoul and Berlin.

Die Publikation begleitet die erste Mid-Career-Retrospektive einer Künstlerin, die es versteht, visuell zu verführen und zugleich inhaltlich zu berühren. Dabei nutzt sie die Wirkungsmacht von inhaltlich aufgeladenen Farben, Licht und Materialien, um globale Geschichte(n) aus neuen Perspektiven zu erzählen.Text: Julie Pellegrin, Uta Ruhkamp, Veronika Mehlhart, Dino Steinhof.

Una mujer camina a solas por un espacio urbano mientras los transeúntes son testigos de su paso por la ciudad. La cámara, los cuerpos, también lo son. Precisamente de esos cuerpos, esa cámara, ese ojo hablan los fotogramas reunidos en este libro. Salir a la calle y sacar el cuerpo de uno a pasear suena sencillo, pero todo se juega allí. Los gestos de Paola Martínez Fiterre cuestionan los límites entre lo público y lo privado, la vida biológica y la vida social, lo vulnerable y lo inmune. ¿Cómo reaccionar ante la presencia de una mujer vestida con almohadillas sanitarias o "íntimas"? ¿Puede convertirse una en voyeur o aceptar una redefinición de lo que se considera público y privado? Precisamente de esos cuerpos, esa cámara, ese ojo hablan los fotogramas reunidos en este libro, donde se testimonian las performances Pensamientos sobre el silencio (Agua) (2018), Pensamientos sobre el silencio (El Museo del Barrio) (2019) y Líos de falda (2019) de Paola Martínez Fiterre (La Habana, 1992). Exestudiante de la Universidad de las Artes (ISA) en La Habana y graduada por el International Center of Photography en Nueva York (2019), Paola explora prácticas fotográficas expandidas a través de la fotografía analógica, la ficción, la pintura y -como es el caso aquí- la performance. El registro fotográfico en este libro muestra el (des)encuentro entre el "adentro" de una mujer y su entorno. Entorno que viene a ser la mirada de un gran otro: el aglomerado de viandantes.

This book is the latest iteration of the Ghost Part collaboration between the two artists, begun in 2016. Ghost Party revolves around a cast of "ghosts" who have affected both their practices, from Lygia Clark to Pier Paolo Pasolini. Conversations highlight key artistic and political questions addressed in the works, notably questions around the voice, divergent strands of modernisms and ecological urgencies.Text: Fabian Flückiger, Ailton Krenak, Latifa Laâbissi, Olivier Marboeuf, Laila Melchior, Laurens Otto, Suely Rolnik

Mandy El-Sayeghs künstlerische Praxis bezieht sich unter anderem auf eine langjährige Recherche, die ihre Arbeit in ihrer Vielfalt an Formen und Medien durchdringt - die des Körpers in seinen zahlreichen Facetten: in der Gesellschaft, in der Wissenschaft, in der Erotik, als Metapher, als Pathologie, als widerspenstiges Objekt. Die in Malaysia geborene Künstlerin ist fasziniert von dem Status und der Autorität, die verschiedenen Körpern verliehen werden - nicht zuletzt manifestiert durch ihre Herkunft und den damit einhergehenden jeweiligen kulturellen und soziologischen Einschreibungen. Ebenso betrachtet El-Sayegh ihre einzelnen Kunstwerke als Körper, die jeweils aus disparaten Fragmente bestehen, wobei ihre Aufgabe darin liegt, diese immer zu einem kohärenten Ganzen zusammenzufügen. Dabei schöpft sie ihr Material aus einem umfangreichen Archiv, eine wesentliche Grundvoraussetzung für Ihre raumbezogene, auf zahlreiche Medien, wie Skulptur, Malerei und Performance ausgerichtete Arbeit. Mandy El-Sayegh war 2017 für den Max Mara Art Prize for Woman nominiert.Text: Gareth Longstaff, Anna Pigott, Oliver ZybokInterview mit der Künstlerin / and an interview with the artist by von Hans Ulrich Obrist

Tusind borgerhaikuer indeholder ganske bogstaveligt tusind haikutekster, dvs. at hver tekst består af tre dele efter stavelsesskemaet 5-7-5. Haiku er en japansk digtform, der opstod i 1600-tallet, og som i moderne tid er blevet almindeligt udbredt og nærmest ‘demokratiseret ihjel’ som en slags altædende skabelon. I Tusind borgerhaikuer fremskrives komplekse forbindelser mellem forskellige figurer, der i større eller mindre grad afspejler nutidens politisk-kulturelle virkelighedsbillede, på en sådan måde, at hver tekst i sig selv virker som en ultrakoncentreret tankebevægelse, der ud fra sine begrænsede præmisser synes at drage en åben, men alligevel specifik konklusion. Hver haiku indledes med et nummer samt et borgernavn anført med versaler, hvilket skaber følelsen af, at den efterfølgende haiku er ‘funktionelt personaliseret’, som om en algoritme havde ‘oprettet’ haikuen i en given borgers navn og dermed skabt en form for indholdsmatch. Et eksempel: “0263. Borger MØLMAND / Kromosomtrompet // Sæt sfinksen i / stinkskabet // Spænd kyskhedsbæltet”. Men hvis læseren lader blikket glide hen over bogens sider, viser det sig, at borgernavnene alle er frembragt via en ‘borgergenerator’, der arbitrært kombinerer hhv. et forled og et bagled af ‘typisk dansk’ herkomst: ABILDGREN, DAMSBALLE, ABILDBALLE osv. Der findes ingen sen-navne eller navne, der afslører ‘anden etnisk herkomst’. Åbenbart er der gennem et filter skabt et navnenes ekkokammer, en slags incestuøs boble, der synes at indramme haikuernes udsagn.

Jørgen Michaelsens Cockroach er en sangbog på engelsk. En sang det ville tage mere end fire timer at afsynge. Melodien som er komponeret af kunstneren, er meget enkel ogbringes indledningsvis som notation med becifring, sådan at der læggesop til musikalsk inklusion: fællessang. Cockroach er genereret ud fra stramme principper: Hver strofe består af firelinjer, hvis enderim udgør strukturen ABAB, sådan at linjerne har hhv. 6 og 5 stavelser. Endvidere påbegyndes hver linje med ordet “Cockroach”,der på den måde bliver en ‘overtydelig’, obskøn omdrejningsfigur. Eteksempel: “Cockroach needs reactor / Cockroach needs repair / Cockroachflaky factor / Cockroach nudist stare”. Cockroach udgør en syntetisk-strukturel ‘boreprøve’, hvor samtidens forestillingsunivers og vokabular udsættes for syntetisk sondering.Udgivet i forbindelse med udstillingen Cyber versus Buddha, Holstebro Kunstmuseum, 2023-24.

What is it that makes a place distinctive? A kind of stubbornness perhaps? How can this quality be accessed through text and artistic research?These questions are explored by Tobias Becker, Elisabeth Brun, Stefanie Bürkle, Knut Ebeling, Alex Gross, Carla Hinrichs, David Karl, Lars Ostenfeld, Ulrike Ottinger, Lola Randl, Emily Strange, Zsuzsanna Toth, Katrin Wegemann, Lawson Wood and Dong Zhou, who bring their varied disciplines to bear on the matter.

This study explores the history of Portuguese performance art, in its various "speculative" and "performative" forms.

This book highlights the linkages between politics and governance and the arts. The essays in the volume show how visual and performative arts have challenged those in power to stir up national fervour and found themselves at the receiving end of political censure.

Breaking Down Joker offers a compelling, multi-disciplinary examination of a landmark film and media event that was simultaneously both celebrated and derided, and which arrived at a time of unprecedented social malaise. The collection breaks down Joker to explore its aesthetic and ideological representations within the social and cultural context in which it was released.An international team of authors explore Joker's sightlines and subtexts, the affective relationships, corrosive ideologies, and damning, if ambivalent, messages of this film. The chapters address such themes as white masculinity, identity and perversion, social class and mobility, urban loneliness, movement and music, and questions of reception and activism.With contributions from scholars from screen studies, theatre and performance studies, psychology and psychoanalysis, geography, cultural studies, and sociology, this fully interdisciplinary collection offers a uniquely multiple operational cross-examination of this pivotal film text and will be of great importance to scholars, students, and researchers in these areas.

The book is the first study to investigate the ways in which the creative use of anachronism in historical fictions can allow us to rethink the relationship between past and present.

Lazar Lyutakov eignet sich in seinen Werken alltägliche Produkte unserer modernen Massenkultur und einfache Industrieerzeugnisse an, um über Werte, Produktivität, Qualität und Nutzen in einer postkapitalistischen industrialisierten Welt zu reflektieren. In seiner Ausstellung 1 Million Random Numbers arrangiert er über hundert verschiedene Lavalampen auf Laborrahmen und Gestellen. Diese Publikation beinhaltet zahlreiche Ansichten der spektakulären Installation und zwei Essays: Kristian Vistrup Madsen unternimmt eine kritische Reflexion der Lavalampe als Projektionsfläche für disparate Emotionen und zeigt dabei zahlreiche Parallelen zur Ideengeschichte der Kunst im 20. Jahrhundert auf, während Stephen Zepke bei der Nutzung von Lavalampen als Zufallsgenerator in der Internetverschlüsselung ansetzt und die historischen und politischen Narrative von der Gegenkultur der 1960er Jahre zur technischen Utopie des Silikon Valley und dem damit verbundenen digitalen Kapitalismus beleuchtet.Zusätzlich liegt dem Buch ein vom Künstler gestaltetes 12-seitiges Leporello mit Entwurfszeichnungen der Werkserie 1 Million Random Numbers (Secession Frieze) bei.

A key theme pervading the work of Alex Müller (*1969) is her investigation of the complex phenomenon of time. Again and again, the artist finds impressive images representing time - both its progress as well as its relative nature. For Kunsthalle Nürnberg, Alex Müller has developed an exhibition that combines biographical allusions, cultural and art historical references. In eight chapters, the exhibition takes us on a journey through the artist's universe.Numerous everyday objects become charged with a specific meaning in Alex Müller's oeuvre. Any material can become an artistic material in her work. The artist underlines the open narratives of her art by cleverly playing with the boundaries of painting, drawing, sculpture, installation, film, sound, and performance.Stories are hinted at, but never fully told. The titles evoke associations with specific people, books, films, or events. Alex Müller's art always suggests something unspoken, encouraging further thought, and represents the perpetual search for the self as well as a varied exploration of transience.

Potenziale nicht-institutioneller Ansätze auslotend, hat der Zu¿rcher Ku¿nstler Lukas Hofkunst seit den 1980er-Jahren ein vielschichtiges und eigenständiges OEuvre geschaffen. Er entwickelt und realisiert seine kraftvollen Interventionen dezidiert abseits des traditionellen Kunstbetriebs und verknu¿pft sie mit unterschiedlichsten gesellschaftlichen Kontexten. Seine Skulpturen, Interventionen, Bilder und Performances haben - lange bevor es wieder salonfähig wurde - auf gesellschaftlichen «purpose» gesetzt. Hofkunsts Werke sind im besten Sinne integrativ; sie mischen sich subtil und glaubwu¿rdig ein in dringliche, gesellschaftliche Fragestellungen.

Es werden 31 (meist) neu konzipierte Werke gezeigt - u.a. von Louise Bourgeois, VALIE EXPORT, Dan Graham, Thomas Houseago, Alfred Hrdlicka, Iman Issa, Anna Jermolaewa / Manfred Grübl, Kapwani Kiwanga, Goshka Macuga, Hans Op de Beeck, Kara Walker, Lois Weinberger, Franz West, Fritz Wotruba, Heimo Zobernig.Text: Joanna Warsza, Christiane Erharter, Miroslav Halák, Sergey Harutoonian, Sabine Knierbein / Alexandra Ullmann, Axel Köhne, Andrea Kopranovic, Georg Lechner, Stella Rollig, Claudia Slanar, Mechtild Widrich, Luisa Ziaja.

The film Trash The Musical (2023), from which the exhibition also takes its name, was elaboratedby Loretta Fahrenholz over the last two years in collaboration with performance artist Alicia McDaid. Assembled into a wild post-cinematic collage by Fahrenholz, McDaid's performances are a radical exploration of personal anxieties and questions of aging, unfulfilled dreams, ghosting, and the difference between art and trash. Two new image series, Once Upon a Time in Enemy-Occupied France and i make mistakes just to learn who i am (both 2023), are a continuation of Fahrenholz's interest in the processes of digital imagery.Ed.: Markus Hannebauer. Text: Felix Bernstein, Magnus Schaefer.

Wir ist Zukunft. Visionen neuer Gemeinschaften kreist um die Sehnsucht nach einer idealen Gemeinschaft, eines harmonischen Lebens mit der Natur und miteinander. Das Buch blickt in sechs Kapiteln auf 120 Jahre künstlerische Visionen des Zusammenlebens: Ausgehend von der Lebensreformbewegung um 1900, über die visionären Architekturentwürfe von Bruno Taut oder Wenzel Hablik zu Constants Stadtutopie New Babylon, in deren Zentrum der spielerische Mensch stehen sollte; vom Hippie-Modernismus der 1960er-Jahre, über den Afrofuturismus bis zu zeitgenössischen Positionen, die eine Symbiose aller Lebewesen in und mit der Natur anregen. Die vorgestellten Werke sind Ausdruck eines Strebens nach neuen Lebensentwürfen in Gegenwart und Zukunft. Die künstlerische Perspektive wird in der Publikation durch wissenschaftliche und persönliche Beiträge und ein Künstlerinterview erweitert. In seiner nachhaltigen Gestaltung ist der Katalog ebenfalls einem Ideal auf der Spur.

My Body is a Battlefield offers a comprehensive insight into the work of the Ukrainian artist Maria Kulikovska, born in Crimea in 1988. Already in her early works she deals with patriarchal structures and the absence of female subjectivity in Ukrainian art. With the annexation of Crimea and the ensuing war, questions of identity and belonging and the themes of border and violence become leitmotifs of her artistic practice. Kulikovska's sculptures are exact copies of her body or individual body parts. Made of unusual materials such as ballistic soap, grease, or epoxy resin, the casts are subject to processes of aging and decay, are modified, transformed, and deconstructed. In her watercolors and drawings, created as series, for example on medical reports and authority forms, she designs bodies that resist the markings and boundaries of the paper as much as the bureaucratic constraints and gender fixations formulated there. Her ceramics-molds of severed limbs and replicas of bodily fluids-are forms of rage and despair in the face of the brutality and horrors of war.Kulikovska shows her body as a site of conflicting emotions and traumatic memories, as a contested arena of ideological attributions and warlike aggression; she asserts herself, drastically and dramatically, against gender and sexual norming, against violence and subjugation.The illustrated book was published on the occasion of the exhibition of the same name at the Francisco Carolinum in Linz, the artist's first solo exhibition in the German-speaking world.

Plattform der Post-Clubszene und Hub für interdisziplinäre Kunst Gegründet von Daniela Seitz und Anja Weigl etablierte sich Creamcake 2011 als Plattform, Kollektiv und Label für progressiven Clubsound an der Schnittstelle von elektronischer Musik, Performance, zeitgenössischer Kunst und digitalen Technologien. Was als Reaktion auf den damals dominierenden Techno- und House-Sound in Berlin begann, entwickelte sich im Laufe des letzten Jahrzehnts zu einer globalen Institution, die die schwer in Genregrenzen zu fassende Deconstructed- und Post-Clubszene unterstützt. Nun wird Creamcake zwölf, vielleicht dreizehn Jahre alt, plus minus die verlorenen Jahre während der Pandemie. Zeit für einen Rückblick. Chronologies of Creamcake blickt auf die Plattformidee, Themen, Konzerte, Ausstellungen, Performances, Symposien und digitale Projekte der Initiative und nicht zuletzt auch auf ein Kapitel interdisziplinärer Musik- und Clubgeschichte. Der Band veranschaulicht die außergewöhnliche Arbeitsweise von Creamcake anhand von Fotografien und anderen Dokumentationen aus dem Archiv von Veranstaltungen und Performances mit dem HAU Hebbel am Ufer, der Berlinischen Galerie, der Klosterruine, dem Berghain, dem OHM und von ortsspezifischen Berliner Projekten im Planetarium, Wasserspeicher und im Spreepark. Die Publikation umfasst Texte von einigen der bekanntesten und eloquentesten Stimmen der Szene, dazu gehören Selim Bulut, Jared Davis, Karlynne Ejercito, Adam Harper, Michelle Hooq, Susanne Huber, Vika Kirchenbauer, Steph Kretowicz, Rianna Jade Parker, Alex Quicho, Ashkan Sepahvand, Maxi Wallenhorst, McKenzie Wark und Hengameh Yaghoobifarah.   Platform of the Post-Club Scene and Hub for Interdisciplinary Art Founded by Daniela Seitz and Anja Weigl in 2011, Creamcake established itself as a platform, collective, and label for a progressive club sound at the intersection of electronic music, performance, contemporary art, and digital technologies. What started out as a reaction to the dominant techno and house sound of Berlin at the time would evolve over a decade into a global institution sustaining the deconstructed and post-club scene that is hard to square within the conventional boundaries of genre. Now, Creamcake is turning twelve, maybe thirteen, give or take the years lost to pandemic. Time for a look back. Chronologies of Creamcak e recalls the initiative's platform idea, themes, concerts, exhibitions, symposia, performances, digital projects, and, not least importantly, a chapter in the history of interdisciplinary music and club culture. The book illustrates Creamcake's extraordinary approach with photographs and other documents from the archives, including events and performances with HAU Hebbel am Ufer, Berlinische Galerie, Klosterruine, Berghain, OHM, and site specific Berlin projects at Planetarium, Wasserspeicher, and Spreepark. The publication also features commissioned texts summarizing the organization's unique position and context by some of the scene's most prominent and articulate voices, including Selim Bulut, Jared Davis, Karlynne Ejercito, Adam Harper, Michelle Hooq, Susanne Huber, Vika Kirchenbauer, Steph Kretowicz, Rianna Jade Parker, Alex Quicho, Ashkan Sepahvand, Maxi Wallenhorst, McKenzie Wark, and Hengameh Yaghoobifarah.

Richly illustrated and designed by New York-based designer Joseph Logan, this publication brings together new writing from the fields of architecture, art and music to reflect on Gates' Pavilion and his wider practice. The publication includes images of the Pavilion, tar paintings and bell sculpture, as well as the visual documentation of live events that took place in the Pavilion over the summer months and ranged from experimental musical performances to choirs and workshops that centred the sacred offered a space for reflection and convening. A collection of images compiled by Theaster Gates of places, buildings, objects and rituals, alongside images of the artist's past works and projects, which have influenced the design of the Serpentine Pavilion 2022 Black Chapel, give an insight into the design process and the artist's practice.Ed.: Yesomi Umolu. Text: Sir David Adjaye OM OBE, Jayden Ali, Jareh Das, Ryan Dohoney, Theaster Gates, Hans Ulrich Obrist, Christina Sharpe.

Jen, 30, is obsessed with personal branding and determined to break the glass ceiling to achieve her #girlboss destiny. Thad, 28, reminds himself "Today is an ordinary day, today is an ordinary day," to quell his waking fear of untimely death. Kat, 25, has the creeping feeling that despite all her rage, she is still just a well-nourished, college educated rat in a cage. And Dirk, 28, just wants self-driving cars to hit the market already so he can be drunk 24/7. They are Millennials and it is 2017 and they work in an office in a generic US city with well-defined seasons (ie. snow in winter). But maybe they have bigger dreams, and maybe those dreams are achievable, or maybe they don't know what their dreams are, or maybe they are content as tiny cogs in a machine that is just a cog itself in a bigger machine and so on and so forth, forever. ADULT GUMMIES is an absurdist satire of the young adult office worker of today, a loving critique of that generation born between the early-80s through late-90s, those who grew up alongside their electronic devices, always connected, always on. Criticized by older generations in closer proximity to death for being lazy, idealistic, indecisive and non-committal, for being addicted to social media and shamefully self-absorbed. But it's not their fault they all want to be artists: art will be the last human vocation. From the publisher-- A marker of a contemporary classic is being contemporary: Adult Gummies by K. Karivalis, a memer. Basic facts and we're already waist-deep in the 21st century, prepare to be submerged my friends. Adult Gummies couldn't have been written in any other time by any other person, and we're delighted af to publish this spectral illumination of thoughts from life today. To gush for a moment, it's the cosmos which glow inside Karivalis.

Deutsch-englische Ausgabe Nan Hoover, Anneliese Hager und Maria Lassnig sind Künstlerinnen, die sich experimentierfreudig und innovativ in unterschiedlichen Medien äußerten. Es ging ihnen um Verfremdungseffekte, Körperwahrnehmung und die Reflexion über Zeit und Raum. Alle drei setzten sich früh mit dem Surrealismus auseinander und fanden auf unterschiedliche Weise zu einer individuellen Bildsprache: Das verbindende Moment ist die Beschäftigung mit Licht, Raum und Körper sowie die existenzielle Frage nach der Selbstwahrnehmung und der Verortung in der Welt. Während die US-Amerikanerin Hoover zu den Pionierinnen der internationalen Licht-, Video- und Performancekunst gehörte und auch ein überraschendes malerisches, der Popart nahestehendes Frühwerk aufweist, ist Hager, die zu den interessantesten Fotografinnen des 20. Jahrhunderts gehört, praktisch unbekannt geblieben, Die österreichische Malerin Lassnig zählt heute zu den bedeutendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts, schaffte jedoch erst spät, in den 1980er-Jahren, den internationalen Durchbruch. Mit dieser Publikation, drei Büchern im Paket, können diese drei Künstlerinnen wieder oder sogar ganz neu entdeckt werden. Nan Hoover (1931-2008), Licht-, Video- und Performancekünstlerin Anneliese Hager (1904-1997), Fotokünstlerin, Dichterin Maria Lassnig (1919-2014), Malerin, Grafikerin Kunst, Körper, (Selbst-)wahrnehmung - ein fokussierter und konzentrierter Einstieg in Werk und Biografie dreier Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts Ausstellung: 10. November 2023 bis 11. Februar 2024, Kunsthalle Mannheim

A seven-decade retrospective on the Destruction Art pioneer, Museo del Barrio founder and theorist of EthnoaestheticsThis comprehensive survey is published for El Museo del Barrio's 2022 exhibition on the American artist, activist, educator and founder of El Museo del Barrio, Raphael Montañez Ortiz (born 1934). Spanning the 1950s to the early 2020s, the retrospective presents a generous sampling of his oeuvre including his film, painting, photography, video installation and assemblage work. From his early days as a key figure in the international Destruction Art movement to his activism as an artist of Puerto Rican heritage with the Guerrilla Art Action Group to his concepts of "Ethnoaesthetics" and "Physio-Psycho-Alchemy" (which positions meditation, ritual and breathing practices at the center of a series of performative and participative works), his work consistently challenges and expands art historical conventions. Raphael Montañez Ortiz: Destruction enhances the retrospective with plate images, archival material, text excerpts, critical essays and an updated chronology.