Udstillingskataloger og kunstsamlinger

This book is a comprehensive tribute to the Polish-Belgian artist Tapta (Maria Wierusz-Kowalska). Her work transcends traditional artistic boundaries, captivating audiences with her innovative exploration of fluid spaces and dynamic interactions. Her work, an important contribution to twentieth century sculpture, is essentially divided into two major sections: the textile works of the 1960s to 1980s and the subsequent neoprene works of the last years of her life. Her practice moved away from traditional weaving through experimental techniques and evolved into three-dimensional works-first made of cords, then of neoprene sheets-that interacted with the space and the viewer. TAPTA (*1926-1997) was born in Poland and came to Belgium as a political refugee with her husband, Krzysztof Wierusz-Kowalski, after taking part in the Warsaw Uprising of 1944. She studied weaving at the La Cambre National School of Visual Arts, Brussels, from where she graduated in 1949. Shortly afterwards, the couple moved to the Belgian Congo (now Democratic Republic of the Congo), where they lived from 1950 to 1960. On their return to Belgium in 1960, until her sudden death in 1997, she worked in Brussels as an artist and-from 1976 until 1990-as a professor at La Cambre.

Die Publikation widmet sich Paul Hutchinsons fotografischerArbeit aus den Jahren 2019 bis 2024. Wirsehen Bilder, die auf Fragen von Klasse anspielen,Momente von Fragilität und Rauheit, und eine Stadt,die sich selbst durch Schriftzüge auf Wänden artikuliert. Remnants bezieht sich auf eine Gruppe abstrakterArbeiten, in denen Hutchinson unbeabsichtigte Überresteabbildet, die bei der Entfernung von Graffiti anU-Bahn Wägen entstehen. Der Titel verweist außerdemauf das wachsende Gefühl eines akuten gesellschaftlichenWandels, die zunehmenden sozialen Spannungenund Hutchinsons persönliche Reflexionen, die vondiesenumfassenderen Themen durchdrungen sind. PAUL HUTCHINSON (*1987, Berlin) hinterfragt kritisch die Entwicklung sozialer Prozesse im urbanen Raum. In seiner fotografischen Praxis und in seinen Texten setzt er sich mit innerstädtischer Kultur und Bedingungen sozialer Mobilität auseinander und oszilliert dabei zwischen Dokumentation, Fiktion und Poesie. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, zuletzt in der Kunst-Station Wolfsburg via Städtische Galerie Wolfsburg, während des Europäischen Monats der Fotografie Berlin und im Kunstverein Ulm. Er lebt und arbeitet in Berlin.

Marco Stanke (*1987) wurde 60 Jahre nach Alf Lechner (1925-2017) geboren. Trotzdem weisen ihre künstlerischen Positionen vielschichtige Bezüge auf. In Stankes Malereien ist die Leinwand nicht bloß ein Bildträger. Seine Arbeiten sind vielmehr räumliche Gebilde aus Nessel, Keilrahmen und Farbe. Stanke faltet, schneidet, biegt, stapelt und durchbohrt die Leinwände und erprobt die körperlichen Grenzen des Bildes, das er in den Raum ausdehnt. Seine Werke sind teils Bild, teils Relief oder Skulptur, und erst im Zusammenspiel dieser unterschiedlichen "Teile", wie Stanke selbst sie nennt, ergibt sich am Ende das vollständige Bild.Hierin besteht die vordergründigste Verbindung zu Lechner, dessen Skulpturen ebenfalls als Fragmente eines kontinuierlichen Arbeitsprozesses betrachtet werden müssen. Zentral hierfür ist seine Praxis der Teilung, in deren Folge räumliche Beziehungen zwischen den Fragmenten und den Betrachter*innen erforscht und materialbezogene Herstellungsprozesse offengelegt werden können, ganz im Sinne seiner Maxime: "Durch Teilen ist es möglich, mehr über das Ganze zu erfahren."Dieser Ansatz klingt im Titel der Kataloges teil's teil's wider, der als Aufforderung zu verstehen ist, tiefer in Materien einzutauchen. Darüber hinaus suggeriert der Titel auch, dass etwas nicht klar zuordbar ist und verweist so auf die Zusammenstellung von Stankes und Lechners Arbeiten und die gemischte Natur des Ausstellungskonzepts.

Der international bekannte Fotograf Michael Wesely fängt in seinen Fotografien Zeit und Leben ein. In Doubleday erforscht er die archäologische Dimension der Fotografie, indem er seine eigenen Aufnahmen passgenau über historische Ansichten von Berliner Bauten des 19. und 20. Jahrhunderts legt. Er schafft einen Zeitsprung von der Vergangenheit in die Gegenwart: Flaneure des 19. Jahrhunderts treffen am Alexanderplatz auf Reisende von heute, unter Rekonstruktionen werden Ruinen sichtbar und an die Stelle des Schlosses Monbijou tritt - fast wie durch Zauberhand - ein Park. MICHAEL WESELY (*1963) ist gefeierter Meister der Langzeitbelichtung. Sein präziser, dem jeweiligen Gegenstand entsprechender Einsatz dieser fotografischen Technik machte ihn weltbekannt. Seine einzigartige Ästhetik ist in zahlreichen internationalen Ausstellungen und Sammlungen vertreten. Er lebt und arbeitet in Berlin.

Die Publikation präsentiert Skulpturen, Videos, Leinwände und Teppiche von Halil Altindere und erscheint anlässlich seiner Einzelausstellung in der Pilot Galerie in Istanbul (23.11.2023 - 20.01.2024).Halil Altindere (*1971 in Mardin/Türkei, lebt und arbeitet in Istanbul) setzt sich in seinen Arbeiten häufig mit konkreten politischen Inhalten auseinander, auch mit Bezug auf seine kurdischen Wurzeln und der Multikulturalität in der türkischen Gesellschaft. In seinen Werken beschäftigt er sich mit einer Vielzahl an Fragestellungen und beleuchtet Methoden des Widerstands gegen Macht und Unterdrückung, wobei er sich mit Themen wie Subkulturen, Geschlechterrollen, Popkultur oder der Struktur und Macht von Kunst- und Finanzsystemen beschäftigt.Die Publikation versammelt Arbeiten der letzten drei Jahre, in denen zunehmend die Grenzen zwischen Kunst und Leben Altinderes verschwimmen. Die Folgen der Pandemie, die die Welt erschütterte, finden ebenso Widerhall in seinen Werken wie die neue Vater-Rolle des Künstlers. Darüber hinaus macht Altindere zunehmend von den Möglichkeiten künstlicher Intelligenz Gebrauch und setzt KI-Technologie als eine Art persönlichen Assistenten ein, der eine aktive Rolle im Produktionsprozess seiner Werke einnimmt.

For the first time in recent history, a publication on Alberto Giacometti and his work is being released in Denmark. The book is published in connection with the exhibition "Alberto Giacometti – What Meets the Eye" and has been created through an exclusive collaboration between the Fondation Giacometti in Paris and SMK in Copenhagen.In the catalog, readers get up close to Giacometti's works and the research concept behind the exhibition. The catalog includes key, newly translated original texts by philosopher Jean-Paul Sartre and Giacometti himself, along with four current articles by Danish and French researchers. Notably, it also features illustrations of the exhibition's works in a new, improved quality, presented in a way that supports the research points and the exhibition's concept.The focal point is Giacometti's break with the surrealist environment, of which he was a part until 1934-35, and the affinity seen between his late work and post-war phenomenologically inspired thinkers such as Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, and Maurice Merleau-Ponty. In addition to presenting the thinking and experiences that underlie Giacometti's artistic method, the book also provides insight into post-war Paris, the places, and personalities that Giacometti surrounded himself with.

Bezeichnend für die Malerei von Melike Kara (geb. 1985 in Bensberg, lebt und arbeitet in Köln) ist der experimentierfreudige Umgang mit Oberflächen. Spannungsvoll bemalt die Künstlerin diese mit dicken Ölpastellen und erzeugt neue Ebenen durch die Verwendung von der Malerei fremden Materialien. Sie schichtet und abstrahiert Tapisserie-Motive und greift dabei die Webtechniken und Bräuche auf, die sich die verschiedenen kurdischen Stämme aus den Ländern ihrer erzwungenen Migration aneigneten. Auch Skulpturen, Videos, Gedichte und weitere Medien gehören zu Karas künstlerischem Vokabular, immer auf der Suche nach einer Vielschichtigkeit auf formaler sowie inhaltlicher Ebene. Ihre Arbeiten erkunden die Kombination kurdischer Traditionen, Erzählungen, Schicksale und Rituale.   shallow lakes zeigt Karas eigens für die Schirn Kunsthalle Frankfurt entwickelte, raumgreifende Installation. Der Katalog zur Einzelausstellung enthält eine ausführliche Projekteinführung von Sebastian Baden und gibt einen umfassenden Einblick in die kulturwissenschaftlich beeinflusste Arbeitsweise der aufstrebenden jungen Künstlerin.    Identity, Migration, and Visibility Melike Kara's paintings (b. Bensberg, 1985; lives and works in Cologne) are characterized by her experimental treatment of surfaces. The artist creates dynamic compositions in thick oil pastels, adding depth of meaning by integrating materials that are alien to painting. She layers and abstracts tapestry motifs, incorporating weaving techniques and customs that the different Kurdish tribes picked up in the countries to which their involuntary migrations took them. Employing a creative vocabulary that also encompasses sculpture, video, poetry, and other media, Kara's art aims for formal as well as thematic complexity, exploring combinations of Kurdish traditions, narratives, lived experiences, and rituals.   shallow lakes documents Kara's site-specific presentation for the Schirn Kunsthalle Frankfurt. The catalogue accompanying her solo exhibition includes a detailed introduction by Sebastian Baden and provides extensive scholarly insight into the cultural traditions that inform the rising young artist's practice.

We live in spaces that we shape in accordance with our own ideas. Our everyday lives leave traces in them that speak to our habits. Spaces promise shelter and belonging, but they can also instill a sense of constraint. We grow into the spaces we inhabit-and they in turn become expressions of our personalities. Conversely, spaces, depending on their architecture and location, inform our existence. RÄUME HAUTNAH gathers works of art that, rather than conceiving of the human sphere and the spatial domain as separate, comprehend them in their complex entanglements: in bodily experience, emotional dependency, or the instinctive need for protection. An essay by Olesja Nein, the project's curator, offers an introduction to the exhibition and takes the reader on a tour, describing each artist's space of activity and supplying helpful information. Philipp Zitzlsperger, meanwhile, zooms in on a key aspect of the art in the exhibition, the imprint as an artistic technique with a distinctive aura, and illuminates its origins and significance since the dawn of modernism.Artists: Absalon, Shannon Bool, Heidi Bucher, Eileen Gray, Do Ho Suh, Mary Mattingly, Tracey Snelling, Francesca Woodman

Der weibliche Körper und seine Autonomie Die Arbeiten der slowakischen Künstlerin Jana Zelibská (geb. 1941 in Olomouc, damalige Tschechoslowakei; lebt und arbeitet in Bratislava, Slowakei) reichen von Druckgrafik, Zeichnung, Malerei, Objekten und Videos bis hin zu Environments, Konzeptkunst, Installationen und intermedialer Kunst. Seit den 1960er-Jahren ist sie eine wichtige Stimme der konzeptuell und performativ orientierten unabhängigen Kunstszene in der Slowakei. In ihren frühen Installationen thematisiert sie selbstbewusst und emanzipiert erotisches Begehren und fegt patriarchalische Strukturen beiseite. Im Zentrum von Zelibskás immersiven Rauminstallationen und Gemälde steht der weibliche Körper. Dabei spielt sie mit der voyeuristischen Begierde des Publikums und so werden Spiegel anstelle der weiblichen Geschlechtsteile gesetzt und Vorhänge verhüllen Teile des Körpers. Jana Zelibská - Discovery of Possibility ist die erste Einzelausstellung der Künstlerin außerhalb der Slowakei neben ihrem Länderbeitrag im gemeinsamen Pavillon der Tschechischen Republik und der Slowakischen Republik auf der 57. Biennale von Venedig im Jahr 2017. Der begleitende Katalog ist die erste Veröffentlichung im deutschsprachigen Raum zu ihrem Werk und enthält Beiträge von Nathalie Hoyos, Lucia Gregorová Stach, Rainald Schuhmacher und Alfred Weidinger. The Female Body and Its Autonomy The Slovak artist Jana Zelibská's (b. Olomouc, former Czechoslovakia, 1941; lives and works in Bratislava, Slovakia) output ranges from fine art prints, drawings, paintings, objects, and videos to environments, conceptual art, installations, and intermedia art. She first emerged as a major figure on Slovakia's independent art scene, which embraced conceptual and performative approaches, in the 1960s. Her confidence and progressive convictions speak from her early installations, which candidly address erotic desire and shatter patriarchal structures. The female body stands at the center of Zelibská's immersive environments and paintings. She likes to toy with the audience's voyeuristic desire, integrating mirrors where one would expect to see female genitalia and veiling parts of the body with curtains. Jana Zelibská-Discovery of Possibility is the artist's first solo exhibition outside Slovakia after she made her international debut in the shared pavilion of the Czech Republic and the Slovak Republic at the 57th Venice Biennale in 2017. The accompanying catalogue is the first publication on her oeuvre in the German-speaking countries and includes contributions by Nathalie Hoyos, Lucia Gregorová Stach, Rainald Schuhmacher, and Alfred Weidinger.

Die Auseinandersetzung mit progressiven Schwarzen intellektuellen Strömungen zeichnet die fotografische Praxis von Eric Asamoah (geb. 1999 in Linz, Österreich) aus. Er navigiert durch die Komplexität dessen, was es bedeutet, jung, Schwarz und in einer diasporischen visuellen Kultur verankert zu sein. Bevor er seine Ideen in Kompositionen übersetzt, hält Asamoah seine Gedanken in Tagebucheinträgen und Notizen fest. Diese Texte dienen keineswegs nur als vorbereitende Skizzen, sondern stellen die emotionale Grundlage dar, die seine fotografischen Projekte eindrucksvoll von anderen jungen Zeitgenoss*innen abgrenzt.  Die Publikation thematisiert zwei analog fotografierte zentrale Werkserien: Forever Lasts Until It Ends (2022) und The Day After Tomorrow (2021). Für beide Projekte reiste Asamoah in das Herkunftsland seiner Eltern, Ghana. Die in der westafrikanischen Republik entstandenen Bilder erzählen von der sensiblen Phase des Erwachsenwerdens, von Übergängen, Emotionen, Träumen und von Gemeinschaft als einem kollektiven Gefühl der Unabhängigkeit. Mit einem Essay von Brooklyn J. Pakathi und einem Gespräch zwischen Gabriel Proedl und dem Künstler.  Eric Asamoah's (b. Linz, Austria, 1999) photographic practice is informed by his engagement with tendencies in progressive Black thought. He navigates the complexity of what it means to be young, Black, and anchored in a diasporic visual culture. Before translating his ideas into compositions, Asamoah records his thoughts in diary entries and notes. Far from being mere preparatory sketches, these texts constitute the emotional basis that sets his formidable photographic projects apart from the works of other young contemporaries.  The publication shines a spotlight on two central series of analog photographs: Forever Lasts Until It Ends (2022) and The Day After Tomorrow (2021). For both projects, Asamoah traveled to his parents' native Ghana. The pictures he took in the West African republic tell stories of the sensitive phase of coming of age, of passages, emotions, dreams, and community as a collective sense of the transition to adulthood and independence. With an essay by Brooklyn J. Pakathi and a conversation between Gabriel Proedl and the artist.

In der Arbeit des Künstlers Titus Schade geht es um Malerei und um ihre visuelle Räumlichkeit. In seinen an Kulissen erinnernden Umgebungen entwickelt er Orte, die mal wie ein Modell, mal wie eine Theaterbühne wirken. So erfindet Schade in seinen Bildern eine Reihe verschiedener Architekturen und Ausstattungsstücke, die den Betrachter in private Räume führen. Dabei versucht er nicht, die Wirklichkeit abzubilden. Vielmehr arbeitet er mit Ersatzelementen, die er in einer in sich geschlossenen Umgebung anordnet. Seine Formen und die meist architektonischen Raumstrukturen werden auf geradezu barocke Art beleuchtet. Klassische Landschaften begegnen geometrischen Formen, deren Zeitlosigkeit eine universelle Lesart erlaubt. TITUS SCHADE (*1984, Leipzig), einer der bedeutendsten Künstler der jungen deutschen Malerei, war Schüler der Leipziger Akademie der Bildenden Künste, unter anderem bei Neo Rauch. Er lebt und arbeitet in Leipzig. Seine Arbeit wurde in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland gezeigt. Titus Schade wird vertreten durch die Galerie EIGEN + ART, Leipzig / Berlin.

For første gang i nyere tid udkommer en publikation på dansk om Alberto Giacometti og hans arbejde. Bogen udgives i forbindelse med udstillingen Alberto Giacometti – Hvad øjet ser og er blevet til i et eksklusivt samarbejde mellem Fondation Giacometti i Paris og SMK i København. I kataloget kommer man helt tæt på Giacomettis værker og forskningsideen bag udstillingen. Kataloget rummer centrale, nyoversatte originaltekster af filosoffen Jean-Paul Sartre og Giacometti selv, fire aktuelle artikler af danske og franske forskere og ikke mindst illustrationer af udstillingens værker i ny, forbedret kvalitet, præsenteret på en måde, der underbygger forskningspointerne og udstillingens ide. Omdrejningspunktet er Giacomettis brud med det surrealistiske miljø, som han var en del af indtil 1934-35, og det slægtskab, som man gerne ser mellem hans sene værk og efterkrigstidens fænomenologisk inspirerede tænkere som Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre og Maurice Merleau-Ponty. Ud over at præsentere den tænkning og de erfaringer, der lå bag Giacomettis kunstneriske metode, giver bogen også et indblik i efterkrigstidens Paris, de steder og personligheder Giacometti omgav sig med.

Kann Kunst heilen? Die Welt zu einem besseren Ort machen? Zenita Komad möchte mit ihrer Arbeit genau das. Sie wendet sich mit außergewöhnlichen grafischen und skulpturalen Werken, Objektbildern, Installationen und Inszenierungen, mit klaren oder rätselhaften, kraftvollen, tiefgründigen, poetischen und oft auch witzigen Botschaften an die Menschen, um auf der Basis einer Verständigung zwischen unterschiedlichen Überzeugungen, Weltanschauungen und interreligiöser Spiritualität für eine gemeinsame Verantwortung für die Welt zu werben - denn alles steht mit allem in Verbindung.NIE WIEDER KRIEG! (Ausstellung im KULTUMuseum Graz, 3.2. bis 26.5. 2024) DER KRIEG IST AUS! (Ausstellung im MMKK Klagenfurt, 8.2. bis 19.5.2024)DIE WAFFEN NIEDER! (Installation, Land-Art-Projekt Die Grube/The Pit von Peter Noever, Breitenbrunn bis September 2024)So lauten drei aktuelle Groß-Projekte von Komad zum Thema Frieden und Gerechtigkeit. Sie laufen gut drei Monate lang parallel in drei Bundesländern. Open-Air-Installationen machen die titelgebenden Imperative der Zeit nach den Weltkriegen aus der Vogelperspektive lesbar und verbinden die Projekte zu einer Trilogie.Die Monografie zeigt sehr aktuelle Werke und solche aus den vergangenen Jahrzehnten, ergänzt dazu eine ausführliche Einführung von Johannes Rauchenberger, ein Gespräch der Künstlerin mit Chris­tine Wetzlinger-Grundnig, ein vollständniges Verzeichnis der gezeigten Arbeiten sowie die Vita von Zenita Komad.

Internationally renowned artist Heiner Meyer (b.1953) utilizes Pop Art strategies, combining visual material from a vast variety of contexts. His paintings combine comic figures, compositions by Picasso or Hockney, and advertising for modern luxury brands, condensing them into a new pictorial creation that allows for a diverse range of reflections that update the critical potential of Pop Art in the face of contemporary consumerism.The publication Pop Art Now shows various views of the installation and paintings from the exhibition at the Kunstforum Wien, as well as recent works from the last two years. In her text, art historian Dr Renée Gadsden provides insights into the exhibition and Heiner Meyer's oeuvre since the beginning of his artistic career.

Matthias Mansen (b. 1958) is one of contemporary art's most influential woodcut artists. With his monumental color woodcuts, which consist of several printing blocks and are often printed in overlays and ever-new states, Mansen has significantly advanced the art of woodcutting and brought new opportunities for expression to the technique.The major retrospective at the Gottorf Castle Museum of Art and Cultural History and the Kunstmuseum Singen shows works spanning four decades. The centerpiece is Mansen's most recent series Triest oder die Götter (Trieste or The Gods), in which Mansen focuses on the motif of bathers, a subject matter that has recurred throughout art history. For him, their poses and gestures open up a world of associations with ancient Greek and Roman sculptures, which he explores in his works.

Which artistic works can and should we preserve for the future? What structural conditions are needed to ensure the scope for both preserving the old and enabling the new?With the sheer amount of art constantly increasing while space becomes ever scarcer, Austria's Bundesimmobiliengesellschaft (BIG) faces major challenges when it comes to preserving the artistic works in and around its properties. An interdisciplinary conference, organised by BIG in cooperation with the University of Applied Arts Vienna, served to bring together experts from a variety of fields and to illuminate the issue of the preservation and archiving of art in public spaces from different perspectives.This publication was published as a review and extension of the conference "The Archiving of the presence" about dealing with art in public spaces, that was held in November 2021 in Vienna.

Die Anfänge der Judaica Sammlungen in Österreich gehen bis in die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts zurück. Trotzdem wurden sie nur selten von einer breiten Öffentlichkeit wahrgenommen. Die Sammlungen in Österreich sind vielschichtig: Sie changieren zwischen Objekten jüdisch-religiöser Praxis und künstlerischen Erzeugnissen, zwischen jüdischer Eigenpräsentation und Fremdwahrnehmung. Als Eigenpräsentationen sind sie Ausdruck von Selbstbewusstsein und Selbstvergewisserung, als Fremdwahrnehmung Dokumentation einer von vielen Minoritäten. Ihre Schicksale nach 1938 beeinflussen die Rezeption der historischen Judaica Bestände und auch nach dem Holocaust aufgebaute Sammlungen lassen sich aus einem zeitgeschichtlichen Blickwinkel betrachten.

A collection of work by 80 artists who explore the contemporary art world's fundamental concerns of value, markets, and the business of artGrounded in the global, conceptual art tendencies that began in the 1960s, For What It's Worth looks at artists who generate, question, and infect value systems through their work. These works address issues vital to the art world connected to systems of exchange, social structures, or metacritiques of the market - and all stops in between. A companion to the 2024 exhibition at The Warehouse, the dedicated exhibition space for The Rachofsky Collection in Dallas, Texas, this book includes a dedicated section, The Value Systems Reader, which comprises an anthology of texts selected by the living artists featured in the Warehouse exhibition, elaborating their positions in the ongoing exploration of questions of value in art.Drawn from dozens of key modern and contemporary artists, For What It's Worth explores the themes and strategies that continue to reverberate through art and the world today.Features works from the famed The Rachofsky Collection by artists including: Judy Chicago, Felix Gonzalez-Torres, Annette Lawrence, Seung-taek Lee, Sherrie Levine, Piero Manzoni, Bruce Nauman, Giulio Paolini, Sherrill Roland, Rirkrit Tiravanija, Fred Wilson, and Yukinori Yanagi.

In her installations made of steel and glazed ceramics, the sculptor Lisa Seebach draws delicate spatial structures.Situational spaces open up to the viewer, evoking memories of things that are inextricably linked to people's everyday world:"Across the silence, it whispers befogged words that dance around my body and usher me into the next room. The floor seems soft, or absent, but I manage to proceed. It feels almost as if I was floating among the figures that appear before and beside me. They refuse to inform me about their roles in the game: This make-believe dream plays me like a puppet on a string, nudges me around, and finds pleasure in watching me tumble in wonder, and wonder why nothing has happened to me yet in this uneasy situation. I feel certain that this house is a body, and that my surroundings allow it to breathe.Breathe in, breathe out, faster at times, then again slowly. It is the rhythm of this breath that rocks me back and forth, leaves me adrift, causes ever-changing encounters with racks, fixtures, and all the objects that catch, hold, and return my gaze. Even though these configurations seem strange to me, I am certain that we are no strangers. They have always been with me."

Das Buch, das zugleich als Dokumentation der gleichnamigen Ausstellungspräsentation im Haus Mödrath dient, präsentiert frühe Arbeiten aus der Privatsammlung Wilhelm Otto Nachf. Gezeigt werden vor allem Werke solcher Künstlerinnen und Künstler, die in den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren im Rheinland arbeiteten, als Köln neben New York das weltweite Zentrum der zeitgenössischen Kunst war.Über die Jahre formte sich bis heute eine Sammlung, die einen subjektiven Einblick in die damalige Kölner Kunstlandschaft liefert und erstmalig in dieser Form in Haus Mödrath zu sehen ist.Ergänzt werden Ausstellung und Katalog um Künstler und Kunstwerke, die sich diesem Kölner Zeitabschnitt unmittelbar anschlossen und einen wichtigen Schwerpunkt der heutigen Sammlung bilden.Mit Arbeiten von: Albert Oehlen, Andreas Schulze, Anna und Bernhard Blume, Antony Gormley, Blalla W. Hallmann, Christopher Wool, Fischli/Weiss, Georg Herold, Gregor Schneider, Günther Förg, Hiroshi Sugimoto, Isa Genzken, Jochen Lempert, John Bock, Joseph Beuys, Jürgen Klauke, Kai Althoff, Katharina Sieverding, Marcel Odenbach, Peter Duka, Rob Scholte, Roman Signer, Rosemarie Trockel, Siegfried Anzinger, Sigmar Polke, Thomas Zipp, Walter Dahn

A guide to the collection with over one hundred descriptions provides an engaging and informative look into the collection's focal points. With its several hundred artworks, the collection spans the nineteenth century to the present and is presented in its various facets through the framework of changing exhibitions.

Die Vujicic-Sammlung stellt einen kontinuierlichen Prozess der Entdeckung visueller Kunstpraktiken in Kroatien und anderen Ländern der Region von den 1950er Jahren bis heute dar mit dem Ziel, einen dauerhaften Dialog zwischen Künstlern, Kuratoren, Institutionen und Privatsammlern herzustellen. Dieses Buch "To Live a Quiet Life" kann als Diskussion über eine Kunstsammlung mit Sitz in Zagreb verstanden werden, die sich weitgehend auf Werke, Praktiken und Bewegungen konzentriert, die ihren Ursprung in Kroatien und anderen Ländern der Welt haben ehemaliges Jugoslawien in der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg. Darüber hinaus muss es aber auch als der persönliche, aber dennoch bemerkenswert präzise Blick eines Einzelnen auf die Entwicklung künstlerischer Ideen verstanden werden, die auf internationaler Ebene längst einen Raum für kritische Reflexion von Kunst, Gesellschaft und Alltag geschaffen haben.

50 Hefte zu interdisziplinärer Lehre zwischen Kunst, Design, digitalen  Medien und Musik  Die Hochschule für Künste Bremen (HfK) gehört zu den wenigen Kunsthochschulen in Deutschland, die die Fachbereiche Musik, Kunst und Design unter einem Dach vereint. 2018 richtete die HfK Bremen eine bundesweit einzigartige Professur ein, die an der Schnittstelle dieser Fachbereiche angesiedelt ist. In diesem Rahmen entstand der durch den bildenden Künstler, Performer und Musiker Raphael Sbrzesny initiierte fachübergreifende Laborraum, die "Interpret*innenkammer", der die Qualitäten einer Probebühne, Proberaums und eines Ateliers in sich vereint. Über fünf Jahre und in rund 50 Projekten konnte sich in der Folge eine Form der künstlerischen Lehre entwickeln, in der sich Theorie und Praxis, Affirmation und Kritik, Traditionsbewusstsein und Gegenwartsbezug auf neue Weise miteinander verbinden. Im Zentrum der polyphonen Werkstatt stehen kooperative und kollaborative Arbeitsformen, erweiterte Konzertformate, ortsspezifische Interventionen mit einem Fokus auf öffentlichem Raum sowie große transdisziplinäre Performanceprojekte zwischen Design, freier Kunst, digitalen Medien und Musik. Die Publikation Interpret*innenkammer - Die Polyphone Werkstatt. Sound, Performance & Konzept ist als offenes Archiv angelegt, das in 50 Heften verschiedene interdisziplinäre Lehrprojekte rund um die Professur für Kreation und Interpretation mit den Schwerpunkten Sound, Performance und Konzept an der HfK Bremen dokumentiert. Mit Beiträgen von Fabian Goppelsröder, Christina Scheib, Judith-Frederike Popp, Wolfgang Ullrich, Bastian Zimmermann und Raphael Sbrzesny.   50 Booklets on Interdisciplinary Teaching between Art, Design, Digital Media, and Music The University of the Arts Bremen (HfK) is one of only a few art schools in Germany to unite the music, visual arts, and design divisions under a single roof. In 2018, HfK Bremen established a position that is unique in the country: a professorship that sits at the intersection of these disciplines. As part of the new structure, the visual artist, performer, and musician Raphael Sbrzesny initiated a cross-curricular laboratory space, the "Interpret*innenkammer," which combines the qualities of a rehearsal stage, sound studio, and atelier. In around fifty projects over the course of five years, it has nurtured a form of creative teaching that has blended theory and practice, affirmation and critique, preservation of tradition and contemporary relevance in novel ways. The polyphonic workshop's practice has emphasized cooperative and collaborative approaches, expanded concert formats, site-specific interventions with a focus on public settings, and major transdisciplinary performance projects between design, fine art, digital media, and music. The publication Interpret*innenkammer-Die Polyphone Werkstatt. Sound, Performance & Konzept   was conceived as an open archive in 50 booklets documenting various interdisciplinary teaching projects implemented by the professorship for creation and interpretation at HfK Bremen and its concentrations in sound, performance, and conceptual work. With contributions by Fabian Goppelsröder, Christina Scheib, Judith-Frederike Popp, Wolfgang Ullrich, Bastian Zimmermann und Raphael Sbrzesny.

Materialien im Fluss der Zeit  Wiederkehrende Elemente im künstlerischen Werk von Timo Kube (geb. 1977 in Harsewinkel, lebt und arbeitet in London) bilden Mineralien wie Kreide und Ton sowie unterschiedliche Kunststoffe, die er oft an öffentlichen Orten oder in der Natur findet. Was lässt sich zu ihrer Herkunft sagen? Wie wirkt sich ihre Veränderung auf die Geschichten aus, die uns diese Materialien erzählen? Welche Zeitlichkeit wohnt ihnen inne? Kube begreift das Material in seiner Vielschichtigkeit und Relation zur menschlichen Wahrnehmung und Existenz - Zustände verändern sich, neue Verbindungen werden eingegangen. In seinen Objekten und Wandarbeiten ermittelt Kube die ästhetischen Eigenschaften einzelner Stoffe. Diese angewandte Materialkunde verbindet er mit einer ausgeprägten Ethik der Nachhaltigkeit: Rohstoffe werden nicht entsorgt, sondern landen immer wieder im Kreislauf seines künstlerischen OEuvres. Diese Praxis setzt sich in der Materialität und Gestaltung des Buches fort. Die Verwendung verschiedener Papiersorten bewirkt eine Vielzahl visueller und haptischer Erfahrungen. Sensibilities ist die erste Monografie zum Werk von Timo Kube. Mit Essays von Christian Berger, Rebecca Lewin und Robert Luzar.   Materials in the Flow of Time Among the recurring elements in Timo Kube's (b. Harsewinkel, 1977; lives and works in London) art are minerals like chalk and clay as well as a variety of synthetic materials, which he often finds in public settings or in nature. What can we say about their origins? How do the changes they undergo affect the stories they tell us? How do they exist in time, and how does time inhabit them? Kube thinks his materials in their multifaceted quality and in relation to human perceptions and life-conditions change, new connections and compositions emerge. Kube's objects and wall pieces investigate the aesthetic characteristics of selected substances, an applied materials science he intertwines with a distinctive ethic of sustainability: rather than discarding raw materials, he feeds them back into the cycle of his creative process. This practice extends into the physicality and design of the book. Made using a number of different papers, it offers a range of visual and tactile experiences. Sensibilities is the first monograph on Timo Kube's oeuvre. With essays by Christian Berger, Rebecca Lewin, and Robert Luzar.

"The participating artists' voices pointed up implicit and explicit parameters of the street and the determination to engage in their ongoing renegotiation." -Paula Kommoss, artistic director and curator, Biennale für Freiburg 2 Titled The Song of the Street , Biennale für Freiburg's second edition explored the street as a political space and scene where the public sphere comes to life. In close collaboration with the invited artists and local members of the community, new formats and works of art were produced for the Biennale that explicitly tied in with the city and activated it as a field of experimentation, uncovering hidden narratives, facilitating unexpected experiences, and creating moments of dialogue and engagement. The accompanying publication Das Lied der Straße documents the Biennale's diverse program. Selected contributions provide insights into participating artists' research processes, share actions in public settings with the readers, and invite them to immerse themselves in the feminist history of film and the street. With contributions by Maximiliane Baumgartner, Michael Koltan, Gudrun Leser, Hitsville Soldiers, Paula Kommoss, Eva Kuhn, Aaliyah Lauterkranz, Alejandra Rosenfeld, and Torch. Biennale für Freiburg 2 took place in February-July 2023. "Die Stimmen der teilnehmenden Künstler*innen wiesen auf implizite und explizite Parameter der Straße hin und den Willen, diese immer wieder neu zu verhandeln." - Paula Kommoss, künstlerische Leiterin und Kuratorin der Biennale für Freiburg 2 Unter dem Titel Das Lied der Straße widmete sich die zweite Edition der Biennale für Freiburg der Straße als politischen Raum und als Ort der gelebten Öffentlichkeit. In enger Zusammenarbeit mit den eingeladenen Künstler*innen und lokalen Akteur*innen entstanden eigens für die Biennale neue Formate und Kunstwerke, die explizite Bezüge zur Stadt herstellten und sie als Experimentierfeld aktivierten: Sie zeigten Verdecktes auf, ermöglichten unerwartete Erfahrungen und schufen Momente des Austauschs und Kontakts. Die begleitende Publikation Das Lied der Straße bildet das vielfältige Programm der Biennale für Freiburg 2 ab. Die ausgewählten Beiträge geben Einblicke in Rechercheprozesse beteiligter Künstler*innen, lassen an Aktionen im öffentlichen Raum teilhaben und ermöglichen inhaltliche Auseinandersetzungen mit der feministischen Geschichte des Films und der Straße. Mit Beiträgen von Maximiliane Baumgartner, Michael Koltan, Gudrun Leser, Hitsville Soldiers, Paula Kommoss, Eva Kuhn, Aaliyah Lauterkranz, Alejandra Rosenfeld und Torch. Die Biennale für Freiburg 2 fand von Februar bis Juli 2023 statt.

Catalog of an exhibition held at Gagosian Gallery, New York, NY from September 12-October 21, 2023.

"If the function of the artist is to see, the first duty of the critic is to understand what the artist saw."– J.E.H. MacDonaldTo See What He Saw focuses on the Lake O’Hara work produced by English-Canadian artist and Group of Seven member James Edward Hervey (J.E.H.) MacDonald, R.C A. (1873–1932) between 1924 and 1932. The book documents MacDonald’s seven trips to Yoho National Park in the Rocky Mountains of eastern British Columbia, Canada, and presents a detailed catalogue of the resulting en plein air sketches and the subsequent studio works completed during the last nine years of his life.The book features more than 200 of MacDonald’s western works from this period, organized geographically with en plein air sketches and studio work illustrated side by side. Each sketch is accompanied by at least one present-day photograph, many of which are taken from the exact rocky perch where MacDonald sat. Save for the forest growth since the 1920s, this pairing enables the viewer to see what MacDonald saw, and to understand how he processed the landscape before him. The book includes full transcripts of diaries, essays, and poems from which detailed, chronological descriptions of MacDonald's seven trips have been compiled. Relevant excerpts and original research further contextualize and illuminate the artist’s practices for specific sketches wherever possible.Of interest to Group of Seven and Canadian art collectors, curators, historians, students, and enthusiasts alike, this book is produced in conjunction with a 2024 exhibition at the Whyte Museum of the Canadian Rockies in Banff, Alberta. To See What He Saw offers a comprehensive examination of this esteemed artist’s painting process, finished works, and mindset over this period, and provides a unique lens through which to view MacDonald’s O’Hara work—a perspective that has not previously been fully explored in exhibition or in publication.

An artistic tour de force through the history of capitalism, EUPHORIA asks the question of why there still doesn't seem to be an alternative to this economic system today. Drummers set the beat, a choir sings: the visually rich collage of texts quoting Adorno, Einstein, Virginie Despentes, Michel Houellebecq and Snoop Dogg becomes a veritable opera of film. We enter a bank lobby with employees in a frenzy of equity and dance; take a taxi ride with Giancarlo Esposito through an explosive New York; hang out with philosophising homeless people around an oil-drum fire in Kyiv, and with labourers working on a parcel warehouse conveyor belt; we listen to young skateboarders in an abandoned bus depot, and follow an animated tiger with the voice of Cate Blanchett through a deserted supermarket."EUPHORIA's focus is on the dynamics of capitalism, or more precisely, the unleashed neoliberal market economy with its historic, social, and political entanglements," Julian Rosefeldt says about capitalism's ubiquity. "Paradoxically, to be able to produce a work critical of capitalism, I repeatedly had to submit myself to the logic of the system. The so-called system in which we live and that we like to point a critical finger at is also all of us."Text: Jeff Wood. Poems: Bonnie Prince Billy.

an Flavin began work with fluorescent light tubes from the early 1960s on; arranged in so-called 'situations', he would then further develop them into series and large-scale installations. The colours and dimensions of the materials he used were prescribed by industrial production. Flooded in light, viewers themselves become part of the works: The space, along with the objects within it, are set in relation to each other and thus become immersive experiences of art triggering sensual, almost spiritual experiences. Flavin liberated colour from the two-dimensionality of painting. The catalogue places emphasis on looking at Flavin's oeuvre in a less familiar setting: His pieces, although initially without clearly recognisable signature, frequently make reference in their titles to concrete events, such as wartime atrocities or police violence, or are dedicated to other artists - as in the work untitled.Text: Text: Aden Kumler, Simon Baier, Elena Degen, Jules Pelta Feldman, Josef Helfenstein, Aden Kumler, Daniel Kurjakovic, Arthur Fink, Olga Osadtschy, Mechtild Widrich.

Gonzalez-Foerster works experimentally. Engaging with the exhibition as a medium, her spatial inventions and investigations probe the notion of display, as well as how an image or scene is experienced. Drawing on wide-ranging references from music, literature, film, architecture and pop culture, the artist creates densely layered environments with the ability to transport viewers into alternative narrative, temporal and psychological dimensions.Alienarium 5 is a speculative environment that invites us to imagine possible encounters with extraterrestrials. The catalogue is a culmination of her decades-long interest in science fiction and continued research into deep space and alien life. Conceived site-specifically for Serpentine, the exhibition will feature almost entirely new work that engages both the gallery's internal and external space.Ed.: Tatiana Kontou, Hans Ulrich Obrist, Dominique Gonzalez-Foerster.