Udstillingskataloger og kunstsamlinger

A stunning survey of the best contemporary Hungarian artwork and craftsmanship, presented in gorgeous full-color and accompanied by insightful commentary from leading art historians.This work has been selected by scholars as being culturally important, and is part of the knowledge base of civilization as we know it.This work is in the "public domain in the United States of America, and possibly other nations. Within the United States, you may freely copy and distribute this work, as no entity (individual or corporate) has a copyright on the body of the work.Scholars believe, and we concur, that this work is important enough to be preserved, reproduced, and made generally available to the public. We appreciate your support of the preservation process, and thank you for being an important part of keeping this knowledge alive and relevant.

Das Bunny Book katalogisiert Sarah Lucas' fortlaufende - und mittlerweile ikonische - skulpturale Bunny-Serie seit 1997. Die Skulpturen bestehen aus Strumpfhosen, die mit Kapok- oder Wollflaum gefüllt sind, aber auch aus Strümpfen (und später auch Schuhen), die an Stühlen befestigt sind. Es entsteht ein etwas unheimlicher Anblick sitzender weiblicher Akte in einem Zustand von Verletzlichkeit und Hingabe, der sich im Laufe der Zeit zu einer selbstbewussten, wenn nicht gar aufmüpfigen Haltung verändert. In diesem reich bebilderten Katalog, der Lucas' drei Jahrzehnte umspannt, sind die wichtigsten Werke der Serie versammelt, die durch die Hinzufügung von Farbe, Sockeln und Bronze-, Beton- und Metallguss weiterentwickelt wurden.Text: Roisin Tappioni, Nancy Spector.

The impressive biography of the artist Herwig Zens, who was born in Himberg near Vienna, bears witness to his formative influence on the Austrian cultural landscape. In parallel with his career as a professor of art education at the Academy of Fine Arts Vienna, he produced an extensive oeuvre that earned him international acclaim. In his work, Zens most notably tested the technical limits of printmaking. He succeeded, for example, in printing his etched diary on a 40-meter-long roll of paper. Thanks to the generous donations of Gerda Zens and Johannes Scheer, the State Collections of Lower Austria hold not only, since 2020, several versions of the etched diary, but also Zens's complete printed oeuvre and an extensive archive covering the work of the artist, who died in 2019. To mark his anniversary year in 2023-Herwig Zens would have been 80-the State Collectionsof Lower Austria are honoring the artist with this collection catalog, which is devoted to subjectsthat Zens pursued throughout his life: death, the dance of death, Francisco de Goya, and the etched diary.

Friederike Mayröcker zählte zu den wichtigsten österreichischen Autorinnen ihrer Generation. Ihre poetischen und sehr persönlichen Zeichnungen nehmen eine einmalige Position im Werk der Schriftstellerin ein. Die Auswahl besorgte Frederike Mayröcker gemeinsam mit dem Kurator Hans Ulrich Obrist, einem langjährigen Wegbegleiter der Künstlerin.

Humorvolle Gäste im öffentlichen Raum Katharina Trudzinski (geb. 1977 in Aachen, lebt und arbeitet in Berlin) ist Bildhauerin. Ihre skulpturalen Installationen sind in auffälligen, fluoreszierenden Farben gestaltet und kombinieren physikalische Prinzipien geschickt mit humorvollen Gesten. Trudzinskis geometrische Formen erheben sich leuchtend aus einem Gullydeckel, biegen sich gegen einen heruntergelassenen Rollladen, strecken sich auf einer Bank aus, lehnen sich an einen Zaun oder wölben sich zwischen Betonpfeilern. Dabei scheinen ihre ästhetischen Lösungen als unerwartete Besucher*innen unserer Realität wie aus dem Nichts zu kommen. Die Publikation November Walk zeigt eine Serie von ephemeren Skulpturen im öffentlichen Raum und ist eine Einladung, mit der Künstlerin den Stadtraum zu durchlaufen und diesen durch ihre spielerischen und poetischen Interventionen immer wieder neu zu denken. Mit einem Essay des Kunstkritikers und Schriftstellers Kristian Vistrup Madsen.   Humorous Guests in Public Space Katharina Trudzinski (b. Aachen, 1977; lives and works in Berlin) is a sculptor. Her large sculptural installations--painted in bright fluorescent colors--carefully balance physical forces and humerous gestures. Trudzinski's geometric shapes rise brightly from a manhole cover, bend against a lowered shutter, stretch out on a bench, lean against a fence, or curve between concrete pillars. These aesthetic solutions appear to come as unexpected visitors to our reality out of nowhere. The publication November Walk unveils a series of ephemeral sculptures in public space. The artist invites us on a journey through urban landscapes, encouraging to reassess and rediscover these spaces through her playful and poetic interventions. With an essay by art critic and writer Kristian Vistrup Madsen.

Machtvolle Topografien Geschichte und Ortsbezug, Sprache und Raum sind die Parameter von Renate Herters Raum bezogenen Installationen und Interventionen, Klanginstallationen und textuellen Arbeiten. Die fotografische Arbeit mit dem eigenen Körper rückt in den letzten Jahren zunehmend in den Mittelpunkt ihres Schaffens. Sie zeigt den weiblichen Körper. Einen Körper, der altert, der alt ist. Fotografiert jenseits aller Romantik, zerlegt in Fragmente, zusammengefügt zu Montagen, die sich dem oberflächlichen Blick verweigern. Die Bearbeitung ihrer Ursprungsmotive schafft trotz der kompositorischen Strenge neue skulptural-poetische Bilder, welche die vertrauten Formen klassischer Aktfotografie sprengen, auf ironische Weise Körpergrenzen außer Kraft setzen und so eigengesetzliche Wirklichkeiten entwerfen. Ausgehend von der jüngsten Werkserie Eigensinnige Körper - Heimliche Territorien bietet Renate Herters neue, reich bebilderte Monografie KörperKlangRaum mit Texten von Kat Lawinia Gorska, Karin Scheel, Julia Wallner sowie einem Gespräch zwischen Ingrid Wagner und der Künstlerin eine Erkundung ihres Schaffens seit den 1980er-Jahren. Powerful Topographies History and places, language and spaces form the parameters of Renate Herter's installations, interventions, sound pieces, and textual works. In recent years, photographs of her own body have increasingly moved to the forefront of her work. She presents the female body as a body that is ageing, that has aged. Eschewing any kind of romanticism, she dissects it into fragments and reassembles it into montages that refuse a superficial view. Despite their compositional rigor, her reworkings of the original motifs create new, poetically sculptural images that go beyond the familiar forms of classical nude photography, ironically suspending bodily boundaries and thus creating realities of their own. Based on the most recent series of works Eigensinnige Körper - Heimliche Territorien, Renate Herter's new, richly illustrated monograph KörperKlangRaum offers an exploration of her work since the eighties with texts by Kat Lawinia Gorska, Karin Scheel, Julia Wallner, and a conversation between Ingrid Wagner and the artist.

Michael Armitages großformatige Ölgemälde auf Lubugo (Rindentuch) sind von verführerischer malerischer Schönheit. Gleichzeitig erzeugen sie unbehagliche Atmosphären, wirken düster, mitunter verstörend. Gekonnt verwebt der britisch-kenianische Maler Geschichten und Themen aus seiner ostafrikanischen Heimat mit den künstlerischen Traditionen Europas und Ostafrikas. Auf drei Etagen erzählen die in der Ausstellung Pathos and the Twilight of the Idle im Kunsthaus Bregenz versammelten Arbeiten von der Fragilität politischer, gesellschaftlicher und psychischer Zustände. In einer schlicht gestalteten Publikation von außergewöhnlichem Format - inspiriert von der Präsentation der Werke in der zurückgenommenen Architektur des Kunsthaus Bregenz - kommen die Gemälde und Zeichnungen großflächig zur Geltung und entfalten ihre volle Strahlkraft. Ergänzt werden die Werkabbildungen durch ein umfangreiches Gespräch zwischen Michael Armitage und Thomas D. Trummer, das der Dramaturgie der Ausstellung folgt, und in dem der Künstler tiefe persönliche Einblicke in den Entstehungsprozess der Arbeiten gewährt.

Hiroshi Takizawa's photographs are the result of a complex process in which the relationship between object, material, image, and their spatial qualities are probed. His series Fingerprinted Objects shows items made from clay that stand out sharply against a dark background yet have an indefinable presence themselves-an amorphous lump without recognizable objecthood steeped in colorful light whose source is equally undetectable. In photographing the images over and over, their vexing, shimmering coloration emerges as a self-generating process. [...] Ultimately, this project is about the perceptual parameters of the human visual apparatus and the extent of our sensory abilities. Can we feel a photograph? Patricia GrzonkaIn its capacity as a micromuseum, MuseumQuartier Vienna's Sternenpassage highlights artists whose work broadly relates to photography. Each resulting series is presented across five illuminated circular display cases mounted on the walls. Lumen Zine is a miniature catalogue supplementing exhibitions at Sternenpassage.

Melchior Lorck's works are fascinating. They have a special seductive quality not unlike contemporary advertisements. We are captivated by their well-executed compositions, their clarity, simplicity, and craftsmanship – their imagery. Melchior Lorck lived from 1526/27 to sometime after 1583 and is relatively unknown today. Who was he? And what were his works?Lorck was primarily a graphic artist and aimed to publish large, illustrated books. However, none of them were completed, and as a result, we only know a limited part of his ambitious artistic project. Its full extent and final expression can only be imagined. Nevertheless, a fascinating body of work remains. Research into Lorck's works has been limited compared to how pioneering an artist he was on the international stage. The seven articles in this book present new research that illuminates new aspects of Lorck's work and proposes new understandings and interpretations of it.

Melchior Lorcks værker fascinerer. De har en særlig forførende karakter ikke ulig nutidens reklamer. Vi betages af deres gennemførte kompositioner, deres klarhed, enkelhed og håndværksmæssige niveau – deres billedkraft. Melchior Lorck levede fra 1526/27 til engang efter 1583 og er i dag relativt ukendt. Hvem var han? Og hvad ville hans værker?Lorck var frem for alt grafiker og ville udgive store, illustrerede bogværker. Ingen af dem blev dog færdige, og derfor kender vi kun til en begrænset del af hans ambitiøse, kunstneriske projekt. Dets fulde omfang og endelige udtryk kan vi kun forestille os. Trods dette står et fascinerende livsværk tilbage. Forskningen i Lorcks værker har været begrænset i forhold til, hvor internationalt banebrydende en kunstner han var. Denne bogs syv artikler præsenterer ny forskning, der belyser nye aspekter af Lorcks værk og foreslår nye forståelser og tolkninger af det.

I forbindelse med kunstner Jørgen Michaelsens aktuelle udstillingCyber versusBuddha på Holstebro Kunstmuseum udgiver forlaget Antipyrine et katalog isamme navn. Bogen Cyberversus Buddha er et værk i egen ret og indeholder litterære bidrag i formaf en korrespondance mellem forfatteren René Jean Jensen og Jørgen Michaelsen,der også sammen har kommenteret en serier værker, collager, som indgår iudstillingen. Herudover indeholder bogen kunsthistoriske essays af Teresa ØstergaardPedersen og MagnusThorø Clausen, samt naturligvis installationsfotos mm. fra selve udstillingen.Udoverkataloget udgiver Antipyrineyderligere to bøger af Jørgen Michaelsen, sangbogen Cockroach og poesibogen Tusind borgerhaikuer, der alle ernært sammenvævede med udstillingen, dens tematikker og perspektiver.Europæiskidentitet mellem verdenskriser Cyber versus Buddha udfoldersig helt generelt som en kritisk-eksperimentel perspektivering af despændinger, der netop nu kendetegner den dominerende bevidsthedsform i denvestlige kultur. Et væsentligt historisk tema er den europæiske idé om USA somrealiseringen af den moderne utopi og i særdeleshed den udvikling, som denneforestilling har gennemgået siden 1945. Efter den kolde krigs afslutning medSovjetunionens sammenbrud i 1991 er den europæiske idealisering af USA ogamerikansk kultur efterhånden kommet under pres. Ruslands invasion af Ukrainehar måske nok styrket NATO-alliancen, men har især eksponeret Europas problemmed at optræde som samlet autonom aktør på den globale geopolitiske scene, derisær præges af tiltagende rivalisering mellem nøglespillerne USA og Kina, menhvor udviklingen generelt går i retning af en multipolær verdensorden, hvorVestens førende rolle ikke længere er givet.En samtidsdiagnose Under denne identitetskrise ligger et komplekst trusselsbillede afforestillinger om enorme migrationsstrømme udløst af politisk ustabilitet ogøkonomisk ulighed, tilspidset kamp om kontrol over ressourcer, den kritiskeinfrastrukturs voksende sårbarhed som følge af cyberteknologiernes stigendekompleksitet, staters og private firmaers stadig mere gennemgribendeovervågning af borgerne, demokratiets tilbagegang på verdensplan samt denglobale biosfæres sandsynligvis kommende kollaps forårsaget af de nuværendepolitisk-økonomiske strukturers tilsyneladende uforanderlighed. Alt detteoptræder i kølvandet på en international finanskrise, en globalCOVID-19-pandemi samt USA og de øvrige vestlige landes tilbagetrækning fraAfghanistan efter 20 års fejlslagen nationsbygning, hvilket i sidste endeindikerer Vestens erkendelse, eller i al fald følelse, af det universelleoplysningsprojekts principielle sammenbrud. <font face="Arial, Helvetica, sans-serif">@font-face {font-family:"Cambria Math"; panose-1:2 4 5 3 5 4 6 3 2 4; mso-font-charset:0; mso-generic-font-family:roman; mso-font-pitch:variable; mso-font-signature:-536870145 1107305727 0 0 415 0;}@font-face {font-family:Calibri; panose-1:2 15 5 2 2 2 4 3 2 4; mso-font-charset:0; mso-generic-font-family:swiss; mso-font-pitch:variable; mso-font-signature:-536859905 -1073732485 9 0 511 0;}@font-face {font-family:"Minion Pro"; panose-1:2 4 5 3 5 3 6 2 2 3; mso-font-charset:0; mso-generic-font-family:roman; mso-font-format:other; mso-font-pitch:variable; mso-font-signature:1610613383 1 0 0 415 0;}p.MsoNormal, li.MsoNormal, div.MsoNormal {mso-style-unhide:no; mso-style-qformat:yes; mso-style-parent:""; margin:0cm; mso-pagination:widow-orphan; font-size:12.0pt; font-family:"Calibri",sans-serif; mso-ascii-font-family:Calibri; mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-fareast-font-family:Calibri; mso-fareast-theme-font:minor-latin; mso-hansi-font-family:Calibri; mso-hansi-theme-font:minor-latin; mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-bidi-theme-font:minor-bidi; mso-font-kerning:1.0pt; mso-ligatures:standardcontextual; mso-fareast-language:EN-US;}p {mso-style-noshow:yes; mso-style-priority:99; mso-margin-top-alt:auto; margin-right:0cm; mso-margin-bottom-alt:auto; margin-left:0cm; mso-pagination:widow-orphan; font-size:12.0pt; font-family:"Times New Roman",serif; mso-fareast-font-family:"Times New Roman";}.MsoChpDefault {mso-style-type:export-only; mso-default-props:yes; font-family:"Calibri",sans-serif; mso-ascii-font-family:Calibri; mso-ascii-theme-font:minor-latin; mso-fareast-font-family:Calibri; mso-fareast-theme-font:minor-latin; mso-hansi-font-family:Calibri; mso-hansi-theme-font:minor-latin; mso-bidi-font-family:"Times New Roman"; mso-bidi-theme-font:minor-bidi; mso-fareast-language:EN-US;}div.WordSection1 {page:WordSection1;}</font>

A prolific writer, photographer, portraitist, and documentarian, Lucia Moholy defies categorization. She was as active in avant-garde circles as she was in the field of information science, advancing an expansive understanding of visual reproduction. While previous publications on Moholy have limited her accomplishments to the five years she spent at the Bauhaus, Lucia Moholy: Exposures presents the full breadth of her writings and photographs for the first time. Extensive essays drawing on new archival discoveries offer insights into her early life in turn-of-the-century Prague, her involvement in the radical social movements of the 1920s in Weimar Germany, her emigration to London, where colleagues and friends included members of the Bloomsbury Group as well as her wartime involvement with microfilm and scientific documentation and her work in the Middle East on behalf of UNESCO. Acknowledging her reception by contemporary artists such as Jan Tichý, the publication demonstrates how Moholy's interdisciplinary approach to photography anticipated the medium's post-analogue present.LUCIA MOHOLYs (1894-1989) photographs in the aesthetics of the New Objectivity continue to shape the international reception of the Bauhaus to this day. After studying art history and philosophy in her native Prague, she worked as an editor before arriving at the Bauhaus with her husband László Moholy-Nagy in 1923. Her bestselling book A Hundred Years of Photography 1839-1939 was highly influential for the recognition of the medium as an art form. In 1959 she settled in Switzerland, where she continued to work as an art critic.

When the group Rrose Irwin Sélavy was founded in Yugoslavia in 1983, its members DuSan Mandic (1954, Ljubljana), Miran Mohar (1958, Novo Mesto), Andrej Savski (1961, Ljubljana), Roman Uranjek (1961, Trbovlje, +2022, Ljubljana) and Borut Vogelnik (*1959, Kranj) were aged between 22 and 29. They all came from the punk and graffiti scene of Ljubljana. Together with the music group Laibach, the theater of the sisters Scipio Nasicas, and the designers from Neuer Kollektivismus (New Collectivism), IRWIN is still one of the main groups of the artists' collective Neue Slowenische Kunst (New Slovenian Art), founded in 1984.This volume is published to mark the 40th anniversary of the artists' collective and to accompany the exhibition at HMKV Dortmund. Since 1983, IRWIN has been investigating the art history of Eastern Europe, especially the ambivalent legacy of the historical avant-garde and its totalitarian successors, i.e. the dialectic of avant-garde and totalitarianism. Since the 1990s, the focus of the group has been on challenging the art history of "Western Modernism" in a critical and iconoclastic way. The artists playfully and darkly contrast it with the "retro avant-garde" and an "Eastern Modernism".The book, which can be read from both sides, is made up of two parts: the first chapter explores the black humor that is a consistent element in IRWIN's work. The second chapter examines issues relating to the state - and how IRWIN uses them to comment on current topics such as migration.

Nach der Zusammenführung dreier bedeutender Winterthurer Sammlungen zum Kunst Museum Winterthur werden in dem Band die Highlights der drei Häuser erstmals prächtig bebildert vorgestellt: von Rembrandt über Caspar David Friedrich bis Vincent van Gogh, von Pablo Picasso über Alberto Giacometti und Sophie Taueber-Arp bis Isa Genzken und Gerhard Richter.Das Kunst Museum Winterthur feiert im Jahr 2024 die Wiedereröffnung der Villa Flora. Damit wird der Zusammenschluss dreier Häuser und Sammlungen unter einem Dach in einem opulenten Bildband besiegelt. Der Katalog präsentiert die Museumsschätze des Kunstvereins Winterthur, der Stiftung Oskar Reinhart und der Hahnloser/Jäggli Stiftung mit 200 Meisterwerken klassischer Malerei, Skulptur und Graphik sowie jüngerer Medien wie Videoarbeiten und Installationen, die den Bogen vom Barock bis in die Gegenwart spannen.Mit Werken vonRembrandt van RijnJacob van RuisdaelCaspar David FriedrichFerdinand HodlerGiovanni GiacomettiMax LiebermannMax BeckmannClaude MonetEdouard ManetFélix VallottonPierre BonnardÉdouard VuillardVincent van GoghPiet MondrianSophie Taeuber-ArpPablo PicassoAlberto GiacomettiGiorgio MorandiLucio FontanaMario MerzMarisa MerzJohn ChamberlainAgnes MartinCarl AndréRobert MangoldRichard HamiltonLawrence WienerMaria LassnigRita McBrideIsa GenzkenGerhard RichterKatinka BockDavid ClaerboutCharlotte ProdgerOscar Tuazon u. a.

Die vorliegende Publikation würdigt die konzeptionelle Kunstpraxis des Wolfgang-Hahn-Preisträgers 2023. Mit Aktionen, Installationen, Filmen, Malerei und Zeichnungen nimmt er die Gesellschaft und ihre Unsicherheiten in den Blick, um in seinen Werken Impulse für das Zusammenleben zu setzen.Text: éstor García Canclini, Matthias Mühling.

Einblicke in das Frühwerk des Künstlers, insbesondere in seine bisher nie veröffentlichten Performance Pieces aus den 1960er Jahren. Die Publikation enthält umfangreiches unveröffentlichtes Material.Ed.: Barbara Wien

Benoît Piérons künstlerische Praxis ist durch seine lebenslange Erfahrung mit Krankheit sowie eine Kindheit geprägt, die er größtenteils im Krankenhaus verbrachte. Er beschäftigt sich mit dem medizinischen und gesellschaftlichen Umgang mit kranken Körpern, mit Erfahrungen des Wartens und der Ungewissheit. Mit Objekten aus Krankenhauslaken Decken, Flaggen, Kissen und Plüschtier-Fledermäusen treten an die Stelle der rigiden Infrastruktur des Krankenhauses sinnliche Körper, die, so der Künstler, der Krankheit "Plastizität" verleihen. Indem er Parallelen zwischen Haut und Stoff, zwischen medizinischen Stichen und dem Nähen herstellt, erschafft Piéron aus individuellen Schicksalen künstlerische Objekte und erobert den kranken Körper aus den Händen der Medizin zurück. Mit der Medizin teilt Piéron die "kindliche Neugier", wissen zu wollen, was unter seiner Haut vor sich geht. Ihm geht es allerdings nicht um die "Reparatur" eines als krank verstandenen Körpers, sondern darum, jenen institutionellen und gesellschaftlichen Kräften Widerstand zu leisten, die seinen Körper als "krank" einstufen. So verwandelt Piéron seine Krankheit in eine Kunst des Überlebens.Text: Élisabeth Lebovici. Benoît Piéron im Gespräch mit Manuela Ammer

Die erste Monographie zu einer in Deutschland bislang wenig beachteten Künstlerin. Enthält umfangreiches Bildmaterial aus Raspés Archiv, Film-Stills sowie Installationsansichten.Text: Kari Rittenbach, Emily LaBarge, Anna Gritz, Eva Wilson.

Die Zeit war aus den Fugen, als Albert Oehlen Ende der 1970er die ersten Bilder malt. Angesichts der deutschen Geschichte, des Terrorismus, »No Future«, »1984« und der permanenten Bedrohung durch einen totalen Atomkrieg konnte auch die Malerei nicht länger so tun, als sei die Welt in Ordnung. Die Welt zerbricht und mit ihr die Malerei. Da sämtlichen Symbole, Zeichen und Mittel beschädigt und bedeutungslos geworden waren, zeigt Oehlen die Malerei in ihrer ganzen Fragwürdigkeit. Wie unterscheidet sich eine authentische Geste von einer stumpfen Reproduktion, ein echtes Gefühl von einer desillusionierten Kopie? Oehlen macht die Brüchigkeit zur Grundlage seiner Bilder. Er erfindet ein offenkundig fragmentiertes Bild, das so haltlos ist wie die Realität, an der es teilhat. Spuren, Reize und Nachbilder der Realität blitzen stroboskopisch über seine Leinwände. Erstmals hat Albert Oehlen eine raumgreifende All-Over-Installation geschaffen. Auf großen Papierrahmen gemalt besetzen diese die gesamten Wände der beiden Ausstellungsräume.

This book seeks to highlight some of the difficult imperial histories and legacies embedded in the Ethnographic Collection of the National Museum of Ireland and enable dialogue with source communities as well as Irish audiences. Ethnographic material acquired as part of the British Empire, represents the duality of Irish participation with the structure and practices of Empire and Ireland's own experience as Britain's oldest colony.From the late 18th to the early 20th century, Irish explorers, soldiers, colonial officers, and administrators enforced British rule abroad against a backdrop of calls for self-governance, the repeal of the Union, rebellion, and civil war. Irish emigrants contributed to the advance of the colonial frontier. Trophies from battlefields in South Africa, Sudan and Ethiopia and taken during sanctioned looting of the royal palaces of Benin, Nigeria and Kumasi, Ghana, were displayed as symbols of their victory and evidence of the 'civilizing' power of the Empire. However, expeditions also depended on local experts for supplies and were reliant on what Indigenous people were prepared to trade. Indigenous artists actively engaged with colonial markets and enriched precontact art forms with tradegoods and created portable souvenirs. Diplomatic gifts also drew Western visitors into their own networks of influence. The collections therefore also offer insights into Indigenous creativity and innovation, as well as resistance. Examining the Collection through a modern lens of biographies as part of decolonizing practices reveals the multi-layered identities of the collectors, the objects themselves and their creators. Part I offers in-depth histories of the institutions whose collections were transferred to the Dublin Museum of Science and Art in 1877, reconnects donors and traces objects' journeys to the museum, as gifts, loot, military and missionary collecting. Part II is divided geographically and focuses on the individual donors and artists and the life histories of specific objects, their contexts and uses.

Art pottery was made in Ireland during the nineteenth century, in response to a demand for art industry products, from consumers influenced by the ideals of the Arts and Crafts Movement. It also reflected developments in design education and the rise of national identity during the Celtic Revival. The story of "Irish Art Pottery", made in Dublin during the 1870s and 1880s, opens a door onto a previously unexplored world; an artistic community where, against the backdrop of controversy about James Whistler's exhibition of paintings at the Dublin Sketching Club, social change led to the beginning of women's education and recognition of artisans' rights. This work documents the National Museum's collection of Vodrey Dublin Pottery (VDP) and the ceramics hand-painted by Herbert Cooper and his students at the Queen's Institute (QI). It includes a small number of objects from the Ulster Museum, part of an original acquisition of Vodrey Dublin Pottery by the Department of Science and Art in Dublin during the 1880s. These functional and ornamental objects range from tea and coffee sets, mustache cups and dessert plates, to bulb pots, jardinières, vases, and ornamental plaques, reflecting fashionable taste in home decoration of the middle and upper classes in Dublin during the late nineteenth century.

Under the name MÜLHEIMER FREIHEIT, Hans Peter Adamski, Peter Bömmels, Walter Dahn, Jirí Georg Dokoupil, Gerard Kever and Gerhard Naschberger exhibited together for the first time in November 1980 at the Paul Maenz Gallery in Cologne and soon thereafter internationally. The way they purposefully questioned the pseudo-individual "creative" artist ego in an unpathetic and humorous way ensures them a special status in the "Hunger nach Bildern" [hunger for images] to this day. Clearly more and different than just "Wilde Malerei" [wild painting] in their approach. MÜHLHEIMER FREIHEIT was an announcement that was to shape the art scene in Europe for an entire decade. The book, with many illustrations of works, offers for the first time an overview of the group's history, made vivid by numerous previously unpublished photographs by Benjamin Katz.Text: Axel Heil, Sophie Hirschmüller, Toby Kamps, Paul Maenz.Artists:Hans Peter Adamski, *1947Peter Bömmels, *1951Walter Dahn, *1954Jirí Georg Dokoupil, *1954Gerard Kever, *1956Gerhard Naschberger, *1955

Max Oppenheimer war Expressionist der ersten Stunde. Mit der großen Schau wird das gleichermaßen unbekannte wie überraschende Oeuvre des Künstlers neu beleuchtet und dessen Motivschatz - von Porträts und religiösen Themen über Stillleben sowie Gruppenkompositionen bis hin zu Musiker- und Tierdarstellungen - erschlossen.Text: Alfred Fehringer, Kerstin Jesse, Lisa Smit, Aline Marion Steinwender.