Filmhistorie, filmteori og filmkritik

Hvilken film er din yndlingsfilm? Spørgsmålet markerer begyndelsen på en af de sjoveste selskabslege, men for Informations anmeldere blev det lynhurtigt alvor, da de sammen skulle finde de 24 bedste film fra det 21. århundrede. Det har kostet ubærlige fravalg og er resulteret i interne fløjkrige blandt skribenterne at lave listen, der favner alt fra mainstreamfilm til arthouse produktioner. Det er en liste, der rummer alt fra Disneys De utrolige til Jacques Audiards Profeten. Endelig er det en liste, der efter endt læsning forhåbentlig sætter diskussionen i gang om de seneste 20 års filmkunst.De 24 film er nøje udvalgt af Rune Lykkeberg, Lone Nikolajsen, Christian Monggaard, Katrine Hornstrup Yde og Ralf Christensen.

En gennemgribende revideret udgave af ZOOM - grundbog i medier til mediefag C i de gymnasiale uddannelser. Bogen dækker det kernefaglige stof i overensstemmelse med fagets læreplaner fra 2017.Close-up afspejler, at mediefag er et analystisk og produktionsrettet fag, og alle produktionsøvelser og analyseopgaver tager afsæt i denne dobbelthed. Det er et gennemgående træk i Close-up, at analyse og produktion belyser hinanden. Bogen henvender sig til eleven som en praktisk analytiker.Close-up præsenterer de levende billeder i en kontekst. Begreber som målgrupper og medieplatforme introduceres, og eleverne har mulighed for at udvikle og producere film, der kan indgå på forskellige platforme med henblik på at nå bestemte målgrupper.Hovedparten af de udvalgte film og tv-programmer til analyseopgaverne findes på filmcentralen.dk eller i DRs mediebibliotek dr.dk/undervisning.

Vinteren er kommet handler om de første syv sæsoner af tv-­serien Game of Thrones og følger således serien helt frem til finalesæsonen i 2019.Vinteren er kommet rummer en indgående analyse af plot og handlingsgang i serien. Den ser nærmere på, hvordan Game of Thrones på original vis bygger bro mellem fan­tasy­genren med dertil hørende overnaturlige hændelser, ildspyende drager og apokalyptiske hvide vandrere og en række problemstillinger af politisk og eksistentiel karak­ ter, som har optaget filosoffer og forfattere fra oldtiden og frem til i dag. Også temaer som magt, køn og reli­gion udsættes for en indgående undersøgelse, ligesom der foretages en dybdegående analyse af tv­-seriens nøglefigu­rer såsom magtstrategen Tyrion Lannister, dragemoderen Daenerys Targaryen, konfliktmægleren Jon Snow, ’seeren’ Bran Stark og den skruppelløse Cersei Lannister.Vinteren er kommet er skrevet i et underholdende og let tilgængeligt sprog og er et must for enhver, som ønsker at være væbnet til tænderne med viden og overblik, når den afsluttende sæson 8 toner frem på skærmen og kampen om, hvem der skal sidde på Jerntronen bliver afgjort.

Hvorfor bliver vi tiltrukket og fascineret af uhyggelige hændelser i fiktiv form? Hvad er det, der gør, at vi ligefrem nyder at læse en roman eller se en film om en patologisk voldsforbryder, som vi under ingen omstændigheder ville have lyst til at møde i virkeligheden? Hvordan går det til, at personer, der ellers virker sunde og fornuftige, nyder det kolde gys, når vampyren blotter tænderne, og når psykopaten hæver øksen eller retter geværet mod et uskyldigt offers hoved? Og er offeret nu også altid helt uskyldigt?I bogen ”I lyst og død” dykker Rikke Schubart ned i gysets anatomi og gyserens historie. Bogen udkom første gang i 1993.Rikke Schubart (f. 1966) er lektor ved Institut for Design, Medier og Uddannelsesvidenskaber på RUC og har udgivet en lang række artikler og bøger om film, køn, kultur og medier.

Nogle filmfolk skiller sig mere ud end andre; ingen har hængt mere sammen ellerbekriget hinanden mere intenst end filmfamilien Roos. Dette dynasti med dyberødder i kulturradikalismen er det mest forgrenede og betydningsfulde filmdynastii dansk film. Med tre generationer af filminstruktører, manuskriptforfattere,filmkronikører, fotografer, klippere, arkivarer, skuespillere og producere. Gennemderes værker indenfor alle filmiske genrer repræsenterer Karl, Luise, Jørgen, Ole,Lise, Peter, Anne, Gerd, Camilla, Christopher og Lulu Roos mere end 90 års danskfilm- tv- og kulturhistorie. I denne bog får du hele historien med en gennemgangaf alle væsentlige film og et overblik over familiedynastiets personlige liv.Gennemillustreret og med komplet filmografi, stamtræ og udførligt register.

Erik Ballings værk tæller 39 film, fra Adam og Eva i 1952 over Olsen-banden-filmene i 1970’erne til Midt om natten i 1984, foruden tv-serier som Matador og Huset på Christianshavn. Til sammen udgør de en krønike over det 20. århundredes Danmark: Kærlig og humoristisk, med blik for selvtilstrækkelighed, storhedsvanvid og jantelov; for klassekamp, kønskamp og generationskløfter – hele den danske folkesjæl. BALLING fortæller historien om instruktørens film, om Nordisk Film, som han arbejdede for i næsten 40 år, og om den danske filmverden i samme periode. Men først og fremmest fortæller bogen historien om en dybt professionel og meget privat mand, der med sit humanistiske menneskesyn har sat et varigt aftryk på dansk kultur.

Despite Soho's rich cultural history, there remains an absence of work on the depiction of the popular neighbourhood in film. Soho on Screen provides one of the first studies of Soho within postwar British cinema. Drawing upon historical, cultural and urban studies of the area, this book explores twelve films and theatrically released documentaries from a filmography of over one hundred Soho set productions. While predominantly focusing on low-budget, exploitation films which are exemplars of British and international filmmaking, Young also offers new readings of star and director biographies, from Laurence Harvey to Emeric Pressburger, and in so doing enlivens discussion on filmmaking in a time and place of intense social transformation, technological innovation and growing permissiveness.

Stanley Kubrick was arguably one of the most influential American directors of the post-World War II era, and his Central European Jewish heritage, though often overlooked, greatly influenced his oeuvre. Kubrick's Mitteleuropa explores this influence in ways that range from his work with Hungarian and Polish composers Bela Bartok, György Ligeti, and Krzysztof Penderecki to the visual inspiration of artists such as Egon Schiele, Gustav Klimt, and other central European Modernists. Beyond exploring the Mitteleuropa sensibility in Kubrick's films, the contributions in this volume also provide important commentary on the reception of his films in countries across Eastern Europe.

Newly repackaged as a Penguin paperback, Conquest of the Useless, the legendary filmmaker Werner Herzog's diary of the making of Fitzcarraldo, one of his most revered and classic filmsIn 1982, the visionary directory Werner Herzog released Fitzcarraldo, a lavish film about a would-be rubber baron who pulls a 320-ton steamship over a mountain. It was hailed instantly by critics around the globe as a masterpiece and won Herzog the 1982 Outstanding Director Prize at the Cannes Film Festival, affirming Herzog’s reputation as one of the most revered and enigmatic filmmakers of his time.Conquest of the Useless is the diary Herzog kept during the making of Fitzcarraldo, compiled from June 1979 to November 1981. Emerging as if out of an Amazonian fever dream during filming, Herzog’s writings are an extraordinary documentary unto themselves. Strange and otherworldly events are recounted by the filmmaker. The crew's camp in the heart of the jungle is attacked and burned to the ground; the production of the film clashes with a border war; and, of course, Herzog unravels the impossible logistics of moving a 320-ton steamship over a hill without the use of special effects.In his preface, Herzog warns that the diary entries collected in Conquest of the Useless do not represent “reports on the actual filming” but rather “inner landscapes, born of the delirium of the jungle.” Thus begins an extraordinary glimpse into the mind of a genius during the making of one of his greatest achievements.

Richard Ayoade's fictional quest to rescue HarauldHughes - the almost mythical mid-century playwright -from obscurity.The gifted filmmaker, corduroy activist and amateur dentist, Richard Ayoade, first chanced upon a copy of The Two-Hander Trilogy by Harauld Hughes in a second-hand bookshop. At first startled by his uncanny resemblance to the author's photo, he opened the volume and was electrified. Terse, aggressive, and elliptical, what was true of Ayoade was also true of Hughes's writing, which encompassed stage, screen, and some of the shortest poems ever published.> Ayoade embarked on a documentary, The Unfinished Harauld Hughes, to understand the unfathomable collapse of Hughes's final film O Bedlam! O Bedlam!, taking us deep inside the most furious British writer since the Boer War.> This is the story of the story of that quest.

More than 30 years after the collapse of the German Democratic Republic, its cinema continues to attract scholarly attention. Documenting Socialism moves beyond the traditionally analyzed "feature film production" and places East Germany's documentary cinema at the center of history behind the Iron Curtain. Between questions of gender, race and sexuality and the complexities of diversity under the political and cultural environments of socialism, the specialist contributions in this volume cohere into an introductory milestone on documentary film production in the GDR.

During the Cold War, scientific discoveries were adapted and critiqued in many different forms of media across a divided Europe. Now, more than 30 years since the end of the Cold War, Science on Screen and Paper explores the intersections between scientific research and media by drawing from media history, film studies, and the history of science. From public relations material to educational and science films, from children's magazines to television broadcasts, the contributions in this collected volume seek to embrace medial differences and focus on intersectional themes and strategies for the representation of science.

Este ensayo trata de profundizar en la presencia de la mujer en diferentes manifestaciones artísticas (literatura y cine, fundamentalmente) durante los siglos XX y XXI desde una perspectiva transatlántica, para valorar en qué medida la evolución sobre los roles de género transmitidos por la literatura y el cine dan cuenta de los procesos de cambio social respecto a la mujer contemporánea. El proyecto ha contribuido así a empezar a elaborar una cartografía de la imagen de la mujer de los siglos XX y XXI en la literatura y el cine del ámbito hispánico y avanzar, por tanto, en la recuperación de las voces artísticas de mujeres contemporáneas. Después de seleccionar un corpus de cincuenta obras literarias escritas en los siglos XX y XXI que tienen como protagonista a un personaje femenino o consideran a la mujer como eje temático principal, se han estudiado los diferentes modelos femeninos presentes en diez obras literarias y sus adaptaciones audiovisuales, junto con los criterios que determinan la presencia de dichos modelos.

Die Standard-Bildfrequenz für Kinofilme liegt bei 24 Bildern in der Sekunde. Diese technologisch manifestierte Aneinanderreihung von Bildern im Gegensatz zum Einzelbild prägt das Werk von David Krippendorff (geb. 1967 in Berlin, lebt und arbeitet ebenda), das sich zwischen Malerei, Zeichnung, Video und Film bewegt. Krippendorff entwickelt Arbeiten, die von seiner Herkunft gekennzeichnet sind - als Deutsch-Amerikaner wuchs er in Rom auf - und sich mit Themen wie Zugehörigkeit, kultureller Assimilation und Zuständen des Dazwischen- und Andersseins auseinandersetzen. Die Publikation Interpretations konzentriert sich auf Krippendorffs letzte fünf Filme und die in diesem Zusammenhang entstandenen verwandten Arbeiten. Im Mittelpunkt der Monografie steht die von Musik inspirierte Trilogie Lament, die in enger Zusammenarbeit mit der palästinensischen Schauspielerin Hiam Abbass entstand. Neben einem umfangreichen Bildteil enthält das Buch ein Interview mit Krippendorff von Kathrin Becker sowie Essays zu seinem Werk von David Elliott, Mark Gisbourne, Matthias Reichelt, Andrea Scrima und Chiara Valci Mazzara.   Between Pop Culture, Performance, and Cinema The standard frame rate for theatrical motion pictures is 24 images per second. This technologically manifest concatenation of pictures and its contrast with the individual image informs the oeuvre of David Krippendorff (b. Berlin, 1967; lives and works in Berlin), which spans painting, drawing, video, and film. Krippendorff develops works that are shaped by his background-a dual German-American citizen, who grew up in Rome-and wrestle with subjects such as belonging, cultural assimilation, and states of being in-between and different. The publication Interpretations focuses on Krippendorff's five most recent films and works he produced in connection with them. At the center of the monograph stands the trilogy Lament, which was inspired by music and created in close collaboration with the Palestinian actor Hiam Abbass. In addition to illustrations related to the works, the book contains an interview with Krippendorff by Kathrin Becker and essays on his art by David Elliott, Mark Gisbourne, Matthias Reichelt, Andrea Scrima, and Chiara Valci Mazzara.

BLAZING SADDLES MEETS YOUNG FRANKENSTEIN: HTE 50TH ANNIVERSARY OF THE YEAR OF MEL BROOKS

JAMES DEAN: THE SECRET LIFE OF AN AMERICAN REBEL

SIDEWAYS UNCORKED: THE PERFECT MOVIE ABOUT DRINKING WINE

Centers Cuban cinema to explore how films produced in Havana or Hollywood differently represent Black resistance to slavery.

Explores how watery spaces provoke radical modes of screening queer corporeality in a diverse range of contemporary Latin American films.

This perceptive, entertaining book celebrates a century of genre films, everything from comedies and musicals to war pictures, sports sagas, horror movies, science fiction, and film noir. Richly illustrated, it moves with ease from analysis of theme and style to consideration of historical context, social significance, and production background. Film historian James Stratton writes in a vivid, conversational style that will appeal to students, film buffs, and general readers. One of the book's special features is that it brings fresh insight to such familiar titles as Swing Time, Gilda, Air Force One, and Batman Begins while introducing readers to lesser-known, equally rewarding treasures like Five Came Back, The Hitch-Hiker, Prime Cut, Eight Below, and Let Me In. Panoramic in scope, this highly informative account weighs the contributions of stars, directors, writers, cinematographers, and all the various other studio artists and technicians who have shaped the film genres still popular today. James Stratton has written several books about films and filmmakers and lives in southern California.

¿Das menschliche Gesicht gilt einerseits als subtiler, ¿schwacher Code¿, das sich im Alltag den Deutungen der menschlichen Wahrnehmung immer wieder zu entziehen scheint. Andererseits wird gerade in Medien wie dem Film das Gesicht strategische eingesetzt, um unterschwellig Botschaften zu vermitteln. Die Bild-Werdung des Menschen hat, wie diese Arbeit zeigt, nicht erst mit dem Aufkommen von Diktaturen seine ¿Unschuld¿ verloren. Aber erst im Modus seiner Lesbarmachung, als still gestelltes Bild wie es in Form der Großaufnahme im Film zur Geltung kommt, kann es als scheinbare Evidenz seine manipulierende Funktion einnehmen.Ob in Deutschland, Italien oder Russland ¿ alle diese Diktaturen wollen sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts der Arbeiterschaft versichern, um ihre ideologischen Ziele zu verwirklichen. Das kulturell und symbolisch vorgeprägte Gesicht, muss daher für die Propaganda umcodiert werden. Dem immer noch weit verbreiteten Verdikt der ¿Gleichschaltung¿ wird jedoch in diesem Buch differenziert gegenübergetreten: Die Möglichkeiten des Gesichts, es für unterschiedlichen historischen Konstellationen und Herausforderungen anzupassen und zu instrumentalisieren, machen es zu einem facettenreichen Medium für rhetorische Strategien.

BLOTLAGT er et film- og kulturhistorisk essay, som undersøger 100 års filmiske tematiseringer af krop og moral i spændingsfeltet imellem avantgarde, mainstream og exploitation. Bogen giver originale læsninger af udvalgte film med løbende udblik til forsknings- og kulturhistorien samt et historisk overblik over den vestlige genrefilms portrætteringer af vold, sex og kropslig grænseoverskridelse. Over hundrede titler berøres fra den tidlige tonefilm til nutidens produktioner, og bogen rummer udfoldede analyser af filmene Freaks (1931), Two Hundred Maniacs! (1964), The Last House on the Left (1972) og Hostel (2005).Grafiske fremstillinger af sex, vold, deformitet og normbrud har altid været forbundet med kontrovers og opstand. I BLOTLAGT lægger forfatteren forargelsen til side og spørger den grænseoverskridende genrefilm, hvad den egentlig vil os med sine afrevne lemmer og anmassende nærbilleder af kroppens kulturelt fortrængte hemmeligheder. I filmenes visioner af desperation, liderlighed, sadisme, kød og blod findes nemlig en fiktion, hvor eviggyldige spørgsmål om etik, samfund, køn, krop, ånd og medmenneskelighed bringes til påtrængende og usentimental genforhandling med den samtid, som filmene er en del af.

Legendary film director Robert Wise called the Whistler features, "examples of budgetfilmmaking at its very best." Noted B movie historian Don Miller cited them as, "the bestB pics of the period from Columbia." Famed film critic/historian Leonard Maltin referredto the series as "one of the most unusual- and one of the best mystery series of the30's and 40's. . ."Based on J. Donald Wilson's hit radio suspense program featuring ironic tales ofterror spun by a mysterious host, The Whistler film series consisted of eight motion picturesproduced by Columbia Pictures between 1944 and 1948 starring legendary, AcademyAward-nominated actor, Richard Dix. Although manufactured quickly andcheaply to fill the bottom half of a mandatory double bill, The Whistler films were suspenseful and well made, engendering wide popularity and surprising critical acclaim. Today historians and movie aficionados frequently cite them for their innovation and style-and as early examples of film noir.This is the story of the making of this landmark Columbia series, and the manyextraordinary individuals who pooled their singular talents to make eight lowbudget movies into film classics. Included are rare profiles of 50 Whistler filmmakers:actors, directors, writers, and technicians.

Offers a fresh approach to the problem of the human figure in an age of digital cinema.