Bøger udgivet af Forlaget Aftryk

I denne monografi præsenteres Apolonia Sokols visionære tilgang til portrætkunsten. Gennem sine figurative malerier forener hun portrætter og autofiktion i scener, der både henter inspiration fra kunsthistorien og adresserer aktuelle problemstillinger om feminisme og queer identitet. Sokols værker belyser kønsrepræsentation og kropspolitik, hvor hun skildrer venner, elskere og partnere som ikoner for radikal subjektivitet, bundet sammen af alternative slægtskaber, der giver næring og støtte.Karakteriseret ved sin distinkte, ekspressive stil og intense farver– frembragt med naturlige pigmenter – præsenterer Sokols malerier ofte motivet i 1:1 skala, hvilket skaber en konfrontation mellem figurernes øjne og beskuerens blik. Dette indbyder til refleksion over identitet og historie og skaber en oplevelse af styrke gennem sårbarhed. I åbne, usædvanlige rum reagerer figurerne dynamisk på deres omgivelser, hvilket forstærker det visuelle drama. Sokol engagerer sig også med kunsthistoriske ikoner og tematikker som fødsel, abort og queer-kroppe. Med en dyb forståelse for historie og nutid søger Sokol at afsløre blindpunkter i den vestlige maletradition.Apolonia Sokol, dimitteret fra École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris i 2015, har etableret sig som en betydningsfuld stemme i samtidskunsten med udstillinger på anerkendte institutioner verden over. Med en passion for undervisning bidrager hun også til udviklingen af kommende kunstnere ved Fine Arts Academy of Caen.Denne monografi inviterer læseren ind i Sokols univers og giver indsigt i, hvordan hendes kunst udfordrer, inspirerer og forvandler vores forståelse af identitet og repræsentation.

Mie Olise Kjærgaard erobrer et kunstnerisk territorium, som er dybt forbundet med ideen om macho-kunstneren: ekspressivt, figurativt maleri i store formater. Hendes flere meter store lærreder er komponeret med en stormfuld penselføring, som emmer af vildskab og kraft. Æstetikken er ikke feminin i nogen traditionel forstand – tværtimod – hendes projekt synes nærmere at være at erobre nyt territorium for det kvindelige. At udvide billedet af feminint råderum i retning af et vildt, energisk felt, som hun overbevisende bemestrer og gør til sit eget. I sit maleri digter hun en ny historie for kvinder. En historie som taler direkte ind i vor tid, hvor en ny generation af kvinder tager mikrofonen og insisterer på en plads i den offentlige samtale. Netop fordi hun er maler, formår Mie Olise Kjærgård at bringe historien ud i et abstrakt rum, som også taler ud over sin tid. Hendes billeder er absolut nutidige, men foregår samtidig i en parallel ikke-tid, som er maleriets. Et abstrakt malerisk rum, hvor vikingeskibe, tennisketchere og fabeldyr vikles ind i hendes historie om den nye kvinde.

I projektbeskrivelsen har bogen båret arbejdstitlen Store formater. Baggrunden for at kalde den endelige udstilling for KOLOSSAL – Grafik i store formater skal findes i ordets oprindelige, græske betydning kolossos, der betyder kæmpe eller kæmpemæssig konstruktion. Ordet bliver ofte brugt til at beskrive, at noget er i en størrelse ud over det sædvanlige, men ikke nødvendigvis i sig selv er abnormt eller gigantisk bare for at være det. Som Louise Banke Kristensen påviser i teksten, er de valg, der ligger bag skaleringen af værkerne, mange. Derfor favner ordet KOLOSSAL på ganske fin vis både vores motivation for at vise udstillingen, men også baggrunden for vores kuratoriske valg. Valg, der først og fremmest går ud på at vise bredden og mangfoldigheden inden for det store grafiske værk, men i den grad også for at slå grafikkens status som kunstart fast. Allerhelst med eftertryk!Bogen udgives i forbindelse med udstillingen: KOLOSSAL – Grafik i store formater, på Kastrupgårdsamlingen 2024

MED TRYK PÅ HuskMitNavnHuskMitNavn (f. 1975) har i over 20 år været en markant figur i både graffiti- og kunstverdenen, og hans værker er blevet anerkendt af både den brede befolkning og kunstmiljøet. Med rødder i streetart og et stærkt personligt udtryk har han haft soloudstillinger på gallerier og museer i ind- og udland og skabt en lang række offentlige udsmykninger og grafiske værker. Hans arbejde har været en fast del af danske kunstmuseers samlinger og appellerer med sin humoristiske, satiriske skildring af hverdagslivet.I MED TRYK PÅ HuskMitNavn præsenteres en retrospektiv samling af kunstnerens grafiske produktion med over 150 værker. Bogen belyser hans alsidige tilgang til grafikken – fra stentryk til silketryk – og den personlige og ofte humoristiske tone, der kendetegner hans univers. Samtidig indeholder bogen et interview, hvor HuskMitNavn reflekterer over sin kunst og arbejdet under pseudonym, samt en tekst af kunsthistoriker Peter Ole Pedersen, der udforsker hans grafiske værks relation til masserne.Denne udgivelse er en fejring af en kunstner, der formår at gøre det almindelige ekstraordinært og skabe kunst, der taler til os alle.Bogen er udgivet i samarbejde med Kastrupgårdsamlingen

Lars Christensen forvandler lærredet til et kraftfuldt eksperimentarium, hvor maleriets flade ikke blot er et billede, men en fysisk arena for handling. I sine værker bryder han med det figurative og giver sig hen til en intens, håndgribelig proces, hvor han perforerer, skærer og flænser lærrederne. Det er en form for malerisk brutalitet, hvor man ikke blot ser malingen, men mærker dens fysiske tilstedeværelse.Christensens værker er et kontinuum af forsøg, hvor lærredet og malingen smelter sammen til noget mere – en fusion af materialer, som både er tætte og skrøbelige. I sin søgen efter det næste skridt rykker han maleriet ud af væggen, og i sine nyeste skulptur- og reliefværker udfordrer han grænserne for både det todimensionale og det tredimensionale.Fra de første søm, der gennemtrængte lærredet i 2007, har Christensen skabt en praksis, der er både metodisk og spontant impulsiv, en balance mellem planlægning og det intuitive. Hans værker rummer en vild, fysisk energi, men også et nysgerrigt eksperimenterende sind. Hver perforering, hver snit, åbner op for et nyt aspekt af hans kunstneriske rejse. Hvordan malingen slipper fri, og hvordan den interagerer med rummet, fascinerer både ham og os.Christensen arbejder med farver og materialer som nøgterne markører, ikke som symbolske budskaber, og hans værker fremstår både som maleriskulpturer og en undersøgelse af, hvordan form og rum kan mødes på en ny måde. Han udfordrer konstant sig selv – og os – med sine værker, som forbliver både en visuel og fysisk gåde, hvor svarene aldrig er helt enkle, men altid er til stede i det konkrete arbejde.

Mathias Malling Mortensen har aldrig mødt sin farfar, den anerkendte maler Richard Mortensen. På trods af at farfarens malerier fyldte væggene i Mortensens barndomshjem, blev der aldrig talt om ham, på grund af en dyb konflikt mellem faren, Finn Hauberg Mortensen, og Richard. I stedet blev farfaren en tilstedeværelse gennem sine billeder – et fravær, der talte i farver, former og symbolik.Mortensens egen kunstneriske praksis er kendetegnet ved en unik stil indenfor 'cut-out' billedproduktion, hvor han forener maleri, collage og skulpturelle elementer for at udforske rummet på en ny måde. Hans værker trækker på inspiration fra både den danske Linien-bevægelse og den italienske spatialisme fra efterkrigstiden, og hans fokus ligger på maleriets grundlæggende elementer: farve, tekstur og rum.Med intense monokromatiske farvefelter og lag af papir eller lærred skaber han gådefulde kompositioner, hvor det negative rum spiller en lige så vigtig rolle som det positive.Gennem en langvarig undersøgelse af rum og følelser, og en parallel praksis med visuelle dagbøger, skaber Mortensen værker, der vækker en stærk følelsesmæssig respons. Hans detaljerede optegnelser af arkitektoniske og botaniske elementer fungerer som grundlag for hans maleriske eksperimenter, og hans kunst kan ses som en dybdegående refleksion over, hvordan miljøet omkring os kan udløse komplekse følelsesmæssige reaktioner.Alt det som ikke er åbner et rum for fordybelse i kunstens evne til at udtrykke det usagte og det fraværende.Bogen er udgivet med støtte fra Ny Carlsbergfondet

Som billedkunstner fordeler René Holm sit arbejdsliv mellem Danmark og Berlin, og det kommende år markerer 25 år som professionel kunstner. Renés karriere har været præget af omfattende udstillings-aktivitet, i både ind og udland – deriblandt soloudstillinger på Trapholt Kunstmuseum, Vestjyllands Kunstpavillon, Vrå Kunstmuseum, Kunstpakhuset Ikast, TRAFO museet (Polen).Renés værker er at finde i museumssamlinger på bl.a. Trapholt og Kunsten, Aalborg.BogenDa samfundet blev lukket ned i 2020, gav den tvungne pause fra ellers heftig udstillingsaktivitit, René en mulighed for at afsøge nye perspektiver sit maleri, med specifikt udgangspunkt i nye materialer. I dag arbejder han med pigmentfarver på ubehandlet bomuld – en detour fra oliemaleriet, som har åbnet nye kanaler i sit udtryk. De nye værker blev udstillet for første gang i 2022 på Galleri Benoni (Kbh), og sidenhen bl.a. i Sydney, Berlin og München, samt på Enter Art Fair. Modtagelsen værkerne har fået, har cementeret et ønske om at arbejde videre med samme proces, og at dokumentere/markere arbejdet i en bogudgivelse.Udgivelsen vil indeholde værker fra de seneste års arbejde, og vil forene og understrege det samlede udtryk, og de eksistentielle tematikker der forbinder malerierne. Samtidig vil bogen markere Renés 25-års jubilæum som udstillende kunstner.Værkerne repræsenterer en tid og et arbejde, som er udsprunget af livets uventede forhindringer og omprogrammeringer. En tid der med al sin uvished, har vist sig kun at være optakten til en kollektiv ny-opfattelse af verden. De nye malerier søger at trække den oplevelse ind på helt nært plan og det er Renés ønske at dele og videregive fornemmelsen fra arbejdet til et publikum, i bogform.

Udgivelsen fokuserer på udviklingen af Asmund Havsteen-Mikkelsen kunstneriske praksis og hvordan den de seneste år har udviklet sig som reaktion på klimakrisen. Om det er igennem maleri, skulptur, installation eller kunst i det offentlige rum finder vi et forsøg på at optegne et nyt territorium for samtidskunsten, hvor det bliver muligt at italesætte hvordan arkitekturen indrammer vores liv og den omgivende natur. Et spørgsmål, som igennem Asmund Havsteen-Mikkelsens kunst åbner imod en ny relation til det ikke-menneskelige. Asmund Havsteen-Mikkelsen er uddannet fra Det Kgl. Danske Kunstakademi med studier på HfbK Hamburg og CCA Kitakyushu i Japan, og boede i Berlin i perioden 2007-2015. I 2018 gik hans projekt 'Flooded Modernity', en kopi af Le Corbusier's Villa Savoye, viralt i internationale medier. Hans værker er repræsenteret i private og offentlige samlinger i både Danmark, Europa, USA og Sydkorea. Monografien er udgivet med støtte fra: Grosserer L.F. Foghts Fond Ny Carlsbergfondet Augustinus Fonden

Denne bog tager udgangspunkt i installationerne i Interference og tankerne bag projektet. Den er skrevet som en dialog imellem astrofysiker, Jo Verwohlt og kunsthistoriker Rie Linnea Lindgren-Olsen . Vi ønsker at bogen kan være med til at skabe dialog og nysgerrighed omkring mødet mellem videnskab og kunst og inspirere til flere tværfaglige samarbejder mellem fagdiscipliner. Bogen er udgivet med støtte fra: Novo Nordisk Fonden

Den første og eneste monografi, der giver en omfattende gennemgang af den anerkendte danske kunstner Kaspar Bonnéns praksis.Siden slutningen af 1990'erne har Kaspar Bonnén udviklet et visuelt sprog, der udfordrer kunstens statiske natur med et dynamisk værk, der spænder over skulptur, maleri, tegning, print, skulpturer og installation.I de senere år er Kaspar vendt tilbage til maleriet, det medie han først blev uddannet i. Bestående af konstellationer af malede og collagerede elementer, udforsker han ekspansive abstrakte landskaber i en visuel verden, der konstant udvikler sig og genererer nye måder at se på. Hans malerier er meget eftertragtede og en del af de permanente samlinger hos mange fremtrædende institutioner og museer.Bogen indeholder et essay af Steen Nepper LarsenBogen er udgivet med støtte fra: Ny Carlsbergfondet, 15. Juni Fonden, Beckett-Fonden, Grosserer L.F. Foghts Fond,

THE RANT is an artistic reaction to the development of the blockchain technology based on Ejlerskov’s own practice. It is a vision that connects our physical and digital world and leads the way into a possible future, where our spirit and bodies are as much part of the technological revolution as the upcoming decentralized internet.Central banking and the history of money, reincarnation and astrology, art, tech, neo financing, and crypto, plus the possibilities of our existence being a simulation? I am willing to consider all possible angles on life at this point. There is nothing simple about the transitory era we are living in. It is all intertwined. The same technology that can save us all can enslave us if it is not handled wisely. - Ejlerskov

Susanne Wellm Weaving Time Billedkunstneren Susanne Wellm arbejder med fotografiet som sit primære medium. Siden 1990’erne har hun udforsket en lang række fotografiske teknikker, både analoge og digitale, som ofte optræder i blandformer. I en afsøgning af det to-dimensionelle billedes stoflige kvaliteter har hun senest udviklet en ny metode, der kombinerer fotografi og vævning og føjer komplekse taktile lag af farve, kontrast og dybde til værkernes udtryk. Et gennemgående spor i Wellms praksis er en interesse for tid, erindring og fortællingens konstruktion. Med afsæt i et omfattende arkiv af fundne billeder fra gamle familiealbum, stills fra filmhistorien og egne optagelser trækker Wellm forbindelseslinjer mellem hverdagens personlige dramaer og det moderne Europas kollektive historie og traumer. Gennem brug af collage og montage stykker hun velkendte og ofte undseelige udsnit af virkeligheden sammen til flerlagede, poetiske billedrum, hvor fiktion og fakta, stilstand og bevægelse, indre og ydre smelter sammen i prægnante øjeblikke, der på cinematisk vis anslår en handling, men står åbne for fortolkning. Således antydende og uafsluttede knytter Wellms værker an til en refleksion over vores evige søgen efter at skabe mening i de forviklede relationer mellem os selv og verden, mellem fortid og nutid. Susanne Wellm er uddannet fra Det Kgl. Danske Kunstakademis Skoler for Arkitektur, Design og Konservering i 1995 og har siden udstillet hyppigt i både ind- og udland. Hendes værker er repræsenteret i flere væsentlige samlinger, heriblandt Statens Kunstfond; Ny Carlsbergfondet; Den Nationale Fotosamling, Det Kgl. Bibliotek; Kunstmuseet Brandts; Vejle Kunstmuseum; Portland Art Museum, Portland, Origon, USA, The Museum of Fine Arts, Houston, Texas, USA; Kiyosato Museum of Photographic Arts, Japan.

”Rudolph Tegners mænd står foran en ny tid, som skal erobres, mens mine mænd snarere er reaktionen på den vitalistiske kraftanstrengelse, som har sat dagsordenen de sidste 100 år. De står på den anden side af den modernitet, som Tegner ser komme. Jeg har taget udgangspunkt i, at vi befinder os i en fase, hvor vi ser og mærker konsekvenserne af det dominerende vækstnarrativ, både i naturen og i menneskers sind. Det viste sig, at vi ikke kunne holde til den totale optimering, og vi er nu på udkig efter alternativer.” Sådan siger Peter Ravn om udstillingen Faldet, hvor han i 12 nye værker genfortolker en række af Rudolph Tegners skulpturer, blandt andet ved at lade nutidige mænd fra sin egen motivverden indtage de samme positurer som Tegners kendte modelleringer af blandt -andet Herakles og Afrodite. For selvom der er hundrede års afstand i tid mellem de to kunstnere, er de optaget af de samme eksistentielle dramaer og formidler dem med et fokus på ’figuren’.

I denne bog kan man blandt andet opleve Ejlerskovs duotonede "Gradiant Paintings", der er en serie malerier, der fungerer som kromoterapi. Kromoterapiens effekter blev diskuteret så tidligt som 1025 i den persiske "Canon of Medicine", hvor man metodisk brugte farvet lys til at balancere kroppens manglende energi - både på et fysisk, følelsesmæssigt, åndeligt og psykisk niveau. Det er altså ifølge denne teori helt individuelt, hvilke farver den enkelte person har brug for. Ejlerskovs lange og langsomme penselstrøg virkede i atelieret som en meditation, som mærkes helt ud til beskueren af billedet. Bogen omhandler også en skulptur af to kvindelige brydere, der er skabt med inspiration fra Uffizi-galleriets berømte værk "Bryderne", en antik skulptur af to mandlige brydere. De to kvinder figurerer på store uldtæpper, som 3D-printede skulpturer, som malerier og i filmarbejder. Kvinderne repræsenterer to hormoner, der kæmper om magten i menneskets blod, oxytocin og adrenalin. Førstnævnte fungerer som kultfigur for kunstneren.

Begrebet danskhed er blevet diskuteret voldsomt meget i den offentlige debat de seneste år. Men hvad er danskhed egentlig? Og er det muligt at kortlægge vores kollektive bevidsthed? Igennem de sidste fem år har Nadia Plesner undersøgt begrebet danskhed gennem et kunstprojekt for at udforske nuancerne. Serien består af 48 parafaser over det danske pas, som hver især repræsenterer et bud på danskhed. Det rødbedefarvede pas er et hverdagsobjekt, som de fleste mennesker nok ikke tænker nærmere over. Men danskhed repræsenteret af statsborgerskabet er samtidig noget, som mange mennesker drømmer om, og det er omdrejningspunktet i mange politiske debatter. Undervejs i processen har passene været udstillet forskellige steder, blandt andet i Ålesund Kunsthal i Norge, i Galerie Au Medicis i Paris og i Gallery Poulsen i København. Alle steder har værkerne været genstand for stor debat, og nu udkommer hele serien samlet i bogform.

Tekster på dansk og engelsk af Merete Sanderhoff, Jørgen Leth og Camilla Stockmann.