Bøger udgivet af König, Walther

Der Katalog bietet einen Überblick über das Schaffen der Künstlerin, von den frühen konzeptuellen Experimenten der 1960er Jahre bis hin zu den Textilskulpturen und Zeichnungen der frühen 1970er Jahre und den Performances der 1980iger Jahre.Ed.: Stephanie Weber Introduction: Eva Birkenstock, Simon Castets, Matthias Mühling, Robert Leckie. Text: Rosemary Mayer, Laura McLean-Ferris, Jenny Nachtigal, Jenni Sorkin.

Ausgangspunkt des Katalogs ist eine Leihgabe historischer Fotografien der 1960er Jahre von Minoru Hirata aus der Sammlung des Museum M+ (Hongkong) an das Museum Ludwig, in denen zeitgenössische Positionen gegenübergestellt werden. Auf welche Entwicklungen der Nachkriegszeit reagierten Künstler*innen damals? Was motivierte ihre aufsehenerregenden öffentlichen Aktionen? Was bewegt das Künstler*innenkollektiv Chim¿Pom und den Künstler Koki Tanaka heute, und wie beziehen sie sich auf diese historische Strömung? Mit ortsspezifischen künstlerischen Interventionen entsteht zudem ein Austausch zwischen der Institution Museum und dem Kölner Stadtraum.Text: Lawrence Yoshitaka Shimoji, Barbara Geschwinde, Kathrin Keßler, Wen Bi, Lena Demary, Eva Caroline Eick, Yagmur Karakis, Westrey Page.

Der Katalog erscheint anlässlich der Ausstellung "Das entwendete Meisterwerk. Bilder als Zeitmaschinen" in der Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien, die der gängigen Praxis der Schausammlung ein transhistorisches Modell gegenüberstellt, das die historischen Kunstsammlungen der Akademie - Gemäldegalerie, Kupferstichkabinett und Glyptothek - mit zeitgenössischen Werken in Konversation treten lässt. Die Ausstellung schöpft aus dem Reichtum der Sammlungen und greift eine Auswahl der vielen möglichen Bildprogramme, Typologien und allegorischen Formeln heraus, die die Sammlungen bereitstellen, um sie mit anderen Werken aus anderen Zeiten lose zu verweben. Vertiefende Essays zum Thema des Schiffs /Meeres, des Trompe l'oeil, der visuellen Erkenntnis von 1500 bis 1700, des Rahmens sowie der Subjektkonstitutionen im Rahmen gesellschaftlicher und technologischer Veränderungen über die Jahrhunderte und deren Niederschlag im Bild werden mit bildmächtigen Ansichten der Ausstellung verwoben.Text: Claudia Koch, René Schober, Allan Sekula, Bernhard Siegert, Victor I. Stoichita

Vittorio Brodmanns Bildwelten sind charakterisiert von Figuren, deren emotionale Bewegtheiten einem vertraut vorkommen. Es sind Geschöpfe, oft grotesk, seltsam, melancholisch, verzweifelt, die ganze Bandbreite des Menschseins mit seinen Widersprüchen. Seine Bilder sind dabei voll Witz, der aber nicht laut lachen macht. Water Under the Bridge ist die erste umfassende Monografie zu Brodmanns konsequenter Hingabe an die Malerei. Sie entstand im Nachgang zur gleichnamigen Ausstellung in der Kunsthalle Bern (2016) und bietet erstmals einen Überblick in fünfzehn Jahre malerisches Tun. Texte von Mitchell Anderson und Ariane Müller, beide Künstler:in und Autor:in, sowie von Valérie Knoll, Kuratorin und Mit-Herausgeberin der Publikation, eröffnen vielfältige Perspektiven auf die Herangehensweise von Brodmann und die Einflüsse, die seine eigenständigen Bildwelten prägen.Text: Mitchell Anderson, Valérie Knoll, Ariane Müller.

Aldo und Hannie van Eyck lernten sich als Architekturstudenten kennen und heirateten 1942. Sie arbeiteten bei den meisten Projekten eng zusammen, nur Ende der 1970er Jahre für einige Jahre unterbrochen. Dieses Buch aus der Reihe Everything von Kersten Geers präsentiert 24 ihrer Gebäude in Zeichnungen (Lage, Grundrisse, Schnitte und Ansichten) von Studenten der Architekturakademie USI, Mendriso, sowie zahlreichen Fotografien von Bas Princen. Die vorgestellten Gebäude umfassen nicht nur ihre kanonisierte Art-Brut-Architektur, sondern auch ihr weniger bekanntes Spätwerk. Ed.: Jelena Pancevac. Text: Kersten Geers, Jelena Pancevac. Photographs: Bas Princen

In seinem Werk erkundet der McCarthy die Dialektik von Stadt und Städter*in, Freundschaft und Fremdsein, Vergangenheit und Gegenwart und weiterer Themen. Oft verweisen seine Arbeiten auf die paradoxe Leere des Lebens in einer Metropole. Die Stadt wird zu einer metaphysischen Topografie, in der Immobilienbesitz, Architektur und Planung aufeinandertreffen und zu einem Vokabular werden, mit dem das Selbst entworfen wird. Neben Fotografie und Text schafft McCarthy assoziative Installationen. Seine Werke erscheinen wie Bilder seiner Erinnerungen und entladen sich als Flut von Emotionen bei den Betrachtenden - von Belustigung zu Verwirrung, Bewunderung zu Abneigung bis hin zu Angst. Im Mittelpunkt von Innenportrait steht das Aufeinandertreffen von Optik und Intellekt und die darin aufgehobenen komplexen Ausschlüsse. Subjektivität stellte schon immer ein zentrales Thema in McCarthys Werk dar, und so untersucht er, wie das Selbst damit ringt, sich mit dem Phänomenologischen und dem Ontologischen zu versöhnen - an jenem Ort, an dem das "Ich" aufhört und "die Welt" beginnt.

Die Publikation versammelt Materialien, die mit Dora Budors Ausstellung Continent im Kunsthaus Bregenz (19.03.-26.06.2022) in Beziehung stehen. Das Buch beleuchtet das Projekt aus verschiedenen Perspektiven und stellt zugleich ein eigenständiges Objekt in Budors OEuvre dar. Von zentraler Bedeutung sind vier Texte, die sich der Ausstellung auf unterschiedliche Weise nähern: ein Essay von Kurator und Autor Richard Birkett, ein Textbeitrag der Autorin Amelia Groom, der Abzug eines Essays des Architekten und Historikers Robin Evans sowie ein Gespräch zwischen der Künstlerin und dem Direktor des Kunsthaus Bregenz, Thomas D. Trummer. In der Zusammenschau der Texte fügt die Publikation der fotografischen Dokumentation der Ausstellung und der Gestaltung des Buches selbst eine weitere Bedeutungsebene hinzu. Die Gestaltung fand in enger Zusammenarbeit zwischen dem in Berlin ansässigen Designstudio HIT, der Künstlerin und den Herausgebern statt.Text: Richard Birkett, Amelia Groom und Robin Evans. Gespräch zwischen Dora Budor und Thomas D. Trummer

Karen Lamassonne ist eine zentrale Figur in der Kunst- und Filmszene von Cali und Bogotá in den 1970er und 80er Jahren. In ihrem Werk liegt der Schwerpunkt auf Selbstporträts und Darstellungen von Intimität in privaten und öffentlichen Räumen gelegt. Von der friedlichen Atmosphäre kühler, gekachelter Badezimmer bis hin zu städtischen Brücken und Parks zeigt Lamassonne Körper in Beziehung zu ihren Umgebungen mit einer eindringlichen erotischen Sensibilität. diese erste Monografie der Künstlerin versammelt ihre Gemälde, Fotografien, Videos, Installationen und Beiträge zum "Caliwood"-Kino und bietet eine Topografie des Werks der Künstlerin inmitten sich verändernder soziokultureller Landschaften. Neue Essays von Inti Guererro und Maria Wills Londoño sowie ein neues Interview mit Miguel González zeichnen Lamassonnes Werdegang nach und analysieren die anhaltende Wirkung ihrer Arbeit in Kolumbien, den Vereinigten Staaten und darüber hinaus.Ed.: Laura McLean-Ferris, Emiliano Valdés.Text: Inti Guerrero, Miguel González, Maria Wills Londoño.

Alejandro de la Sota ruft in Spanien wahrscheinlich mehr leidenschaftliche Reaktionen hervor als jeder andere moderne spanische Architekt. Sein Werk ist Gegenstand von vielen Pilgerreisen, die Architekten und Studenten auf der Suche nach der einzigartigen Arbeitsweise des Meisters, nach einer Begegnung mit einer fast magischen Offenbarung unternehmen. Obwohl er in Spanien so überaus geschätzt, ist er im Ausland ziemlich unbekannt. Diese Ausgabe von 2G präsentiert eine Auswahl von Gebäuden und Projekten dieses vergessenen modernen Meisters, von seinen ersten Werken, die nach dem spanischen Bürgerkrieg gebaut wurden, wie das Dorf Esquivel, über seine Meisterwerke, wie die Sporthalle der Schule Maravillas und das Gebäude der Provinzregierung in Tarragona, bis hin zu seinen späteren, weniger bekannten Werken, wie das Postgebäude in León oder die nicht gebauten Häuser am Meer auf Mallorca.Introduction: Kersten Geers, Jelena Pancevac and Moisés Puente. Text: Alejandro de la Sota.

Die 1969 von Aldo van Eyck erbaute Pastoor van Ars-Kirche in Den Haag ist einer der wenigen bedeutenden Kirchenbauten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Dieses Buch beleuchtet die einzigartigen architektonischen und räumlichen Qualitäten des Gebäudes. Obwohl er selbst nicht katholisch war, bemühte sich Van Eyck um den Bau eines authentischen und zeitgemäßen katholischen Gotteshauses. Zu diesem Zweck griff er auf die ursprüngliche Typologie der frühchristlichen Basilika zurück, deren Bestandteile er in die neue Raumauffassung der Avantgarde des 20. Jahrhunderts einfügte, insbesondere in die dynamische Ordnung der Archetypen von Mondrian und Brancusi. Der Autor, der bereits eine umfangreiche Monografie über die Ideen und das Werk des niederländischen Architekten verfasst hat, widmet dem intensiven Entwurfsprozess besondere Aufmerksamkeit, den er anhand von mehr als hundert Entwurfsskizzen aus dem Van Eyck-Archiv rekonstruiert.Ed.: Architecture Curating Practice npo.

Jimmie Durham & A Stick in the Forest by the Side of the Road is the outcome of a collective undertaking that came about from Jimmie Durham who gathered together a group of artists in 2021 to form "a community on the road" and contribute in collaboration with him to documenta fifteen in Kassel in 2022. Durham did not expect the members of the collective -Bev Koski, Elisa Strinna, Hamza Badran, Iain Chambers, Joen Vedel, Jone Kvie, Maria Thereza Alves, and Wilma Lukatsch - to elaborate a single work or theme. Instead, they would share knowledge, empathy, and humour and leave open the possibility that their different contributions could entwine. The writing, images and perspectives found in this volume, including essays by authors also invited by the collective to contribute, reflect their heterogenous genesis in artistic processes, critical pedagogy and multiple cultural practices. Brought together under a common commitment to the rejuvenation of inherited languages in the arts and contemporary culture, the authors have sought in their different ways to sustain proposals whose poetics suggest, stimulate and sustain the politics of inhabiting the planet in a radically diverse fashion.

Twenty-three projects are presented through various documents that explore AgwA's process of thinking and building architecture. Together with two essays and an interview with the architects, this accumulation of drawings, sketches, scale models, plans and photographs illuminates the current condition of Belgian architecture - its roughness and playfulness - exploring and revealing the societal and cultural relevance of the materials, context, spatial gestures and structures within architecture. This monograph is published within the framework of the exhibition Dispositions dedicated to the work of AgwA, that takes place at the Centre for Fine Arts in Brussels from October 12, 2022 to January 8, 2023.

"Two Diaries: Gluklya & Murad" ist die Geschichte einer unerwarteten Begegnung. Ein Künstler mit Migrationshintergrund (Gluklya) trifft einen Schriftsteller mit Migrationshintergrund (Murad) in einem niederländischen Asylzentrum, einem ehemaligen Gefängnis am Rande von Amsterdam. Gemeinsam lernen sie zu verstehen, was Migration bedeutet, was Sprache erlaubt und wie Kunst in ihren verschiedenen Formen als Aufschrei der Wut und als Weg zu Selbsterkenntnis und Frieden dienen kann. Zwei Tagebücher: Gluklya & Murad" handelt nicht nur vom Leben zweier Menschen, sondern auch davon, wie Kunst Menschen formt und unterstützt und sie durch ihre schwierigsten Zeiten trägt.Ed.: Aschley Maum

In Videoarbeiten, Installationen, Gemälden und Performances verbindet der thailändische Künstler Korakrit Arunanondchai seine persönliche Erfahrungen mit globalen politischen Entwicklungen. Die Themen sind geprägt von Dualitäten wie Spiritualität und Technologie, Erinnerung und Amnesie, Kontemplation und Ekstase. Arunanondchai versteht sich als Geschichtenerzähler, der sein Material aus traditioneller Folklore, Ritualen, zeitgenössischem Aktivismus und Clubkultur schöpft. Seine Kunst schöpft aus seiner Erfahrung als Bewohner Thailands und der USA. Die Auflösung der Identität in Bezug auf Generation, Geschlecht und Nationalität ist ein ständiges Thema. Von zentraler Bedeutung für seine Arbeit ist das Interesse an geopolitischen Konflikten, insbesondere im Zusammenhang mit der Geschichte Südostasiens, deren Kultur und Weltanschauung durchdrungen ist von Buddhismus und Animismus. Arunanondchai zufolge bilden dieselben kulturellen Grundpfeiler heute jedoch die Grundlage für völlig neue nationale Narrative, die darauf abzielen, demokratische Reformen zu untergraben. Geister tauchen in seinen Werken als Metaphern für verdrängte Traumata und verschüttete Geschichtserfahrungen auf. Der Künstler nimmt dabei die Rolle eines Schamanen ein, der als Bindeglied zwischen Gegenwart und Vergangenheit, Leben und Tod fungiert.Text: Gitte Ørskou

Emília Rigová bezieht sich in ihren Arbeiten auf die Geschichte und Gegenwart gesellschaftlicher Minderheiten, die von hegemonialen Diskursen ausgeschlossen sind. Sie thematisiert deren kollektive Erinnerungen, aktuelle Anliegen, Visionen und Perspektiven in Installationen, Videos, Performances und Fotografien. Vor dem Hintergrund ihrer eigenen Biografie konzentriert sich Rigová in ihrem OEuvre der vergangenen Jahre auf die Geschichte sowie die Gegenwartserfahrungen der Roma und deren eigene wie fremdbestimmte Identitätsbilder. Ihre Arbeiten basieren auf gesellschaftsbezogener Forschung und Analyse und sind mitunter als Performances und Installationen im öffentlichen Raum auch als Formen von politischem Aktivismus zu verstehen. Eines der Ziele ist dabei die Dekonstruktion stereotyper, von der Mehrheitsgesellschaft bestimmter gesellschaftlicher Rollenbilder und Vorurteile. Text: Karola Kraus, Nina Vrbanova.

Ulf Linde (1929-2013) was a major gure in Swedish cultural life for six decades. Yet until now few readers outside Scandinavia have been able to enjoy his lively intelligence and highly original voice. This rst anthology in English spans the full range of his writings; texts on Swedish painters who deserve to be better known abroad; studies of Picasso, Matisse, Picabia, Giacometti, and other modern masters; and speculative theoretical texts, including his last and most ambitious essay, about the art of drawing.He played a key role in the early years of Moderna Museet, where in 1961 he made the rst replica of Marcel Duchamp's Large Glass, approved and signed by the artist. He was co-curator of the Duchamp retrospective that opened the Centre Pompidou in Paris in 1977.

Der Katalog, der anlässlich des 75. Geburtstags von Christiane Möbus erscheint, versammelt retrospektiv frühe Arbeiten aus den 1970er-Jahren bis heute. Dabei zeigt sich das Spektrum der Christiane Möbus von Installationen, Objekten bis hin zur Fotografie. Die Textbeiträge reflektieren die verschiedenen Aspekte des umfangreichen Oeuvres der Künstlerin.Texts: Erich Franz, Philip Ursprung, Inka Schube, Till Julian Huss, Chus Martinez, Timm Ulrichs und Henk VischGedichte von Christiane Möbus.

Das international viel beachtete Erstlingswerk von Heike Hanada wird mit dieser Publikation umfassend mittels Zeichnungen und Fotografien dokumentiert. Die Transformationen während des Bauprozesses spiegeln sich dabei in den Momentaufnahmen Andrew Alberts ausgezeichnet wider. Während sich der monumentale Körper als abstrakte, minimalistische Skulptur präzise zwischen Stadt und Landschaft positioniert, eröffnet er innen über Kaskadentreppen und Lufträume unerwartete Blickbeziehungen in die Topographie des Museums. Die sachliche Verwendung aller Baumaterialien vermittelt eine konsequente Anlehnung an weitläufige Industriehallen, die den unterschiedlichsten, musealen Anforderungen bemerkenswert gut gerecht werden und damit gleichzeitig den Werkstattcharakter der Gründung des Bauhauses in Weimar 1919 zitieren.***This publication comprehensively documents Heike Hanada's internationally acclaimed first work by means of drawings and photographs. The transformations during the construction process are excellently reflected in Andrew Albert's photographs. While the monumental cube positions itself precisely between the city and the landscape as an abstract, minimalist sculpture, it opens up unexpected vistas into the museum's topography on the inside via cascading staircases and voids. The relevance of all building materials conveys a consistent reminiscence of spacious industrial halls. They meet the most complex museum requirements remarkably well and thus simultaneously cite the workshop character of the founding of the Bauhaus in Weimar in 1919.

Tilla Durieux (1880-1971) war gefeierter Theater- und Filmstar, moderne Frau der 1920er-Jahre, politisch engagierte Zeitgenossin und galt als die am meisten porträtierte Frau ihrer Epoche. Ihre Rollen waren ebenso vielfältig wie auch die Liste der Künstler*innen, denen sie Modell saß: unter ihnen Auguste Renoir, Max Slevogt, Lovis Corinth, Franz von Stuck, Charley Toorop, Ernst Barlach, August Gaul, Mary Duras, Emil Orlik, Sasha Stone, Oskar Kokoschka, Olaf Gulbransson, Max Oppenheimer oder die Fotografinnen Frieda Riess und Lotte Jacobi.In einer umfassend angelegten Schau, und dem begleitend dazu erscheinenden Ausstellungskatalog mit wissenschaftlichen Beiträgen von Kuratorin Daniela Gregori, Hannah Reisinger, Aline Marion Steinwender, sowie Texten von Julia Wallner und Stephan Dörschel, geht das Leopold Museum erstmals der Faszination, die Tilla Durieux bereits auf ihre Zeitgenoss*innen auslöste, auf den Grund und folgt anhand von Bildnissen quer durch alle Medien den Spuren dieser schillernden Persönlichkeit. Durch kaum ausgestelltes Archivmaterial und Leihgaben aus internationalen wie nationalen Museen und Privatsammlungen wird Durieux' Karriere, ihr soziales und künstlerisches Umfeld sowie ihr von politischen Umbrüchen geprägtes, knapp ein Jahrhundert umspannendes Leben in der Ausstellung und im Katalog beleuchtet.Text: Stephan Dörschel, Daniela Gregori, Hannah Reisinger, Aline Marion Steinwender, Julia Wallner, Hans-Peter Wipplinger

Die mehr als 20 im Katalog aufgenommenen figurativen Künstler*innen sind auf dem afrikanischen Kontinent und in der Diaspora beheimatet. Sie setzen sich mit komplexen Fragen afrikanischer Identität, Ästhetik und Kunstgeschichte auseinander. Ihre eindringlichen Porträts lassen uns hinterfragen, wie schwarze Körper in der westlichen Maltradition fehlrepräsentiert oder übersehen wurden.Text: Claire di Felice, Philippe Godin, Alana Voldman

This catalogue features Maxwell Alexandre's "Pardo é Papel" series. The artist has claimed his spot as one of the most notable young artists emerging from Brazil. Up until 2017, he was a professional skater, yet an introduction to contemporary art while studying design at the Pontifical Catholic University of Rio de Janeiro completely changed his trajectory. He presented his first solo show in 2018. Alexandre draws inspiration from his daily experiences in his hometown, Rocinha (Rio de Janeiro's largest favela)-from children playing to interactions with the police. He often paints on unconventional materials, opting for brown paper, iron doors, or windows rather than a traditional canvas. His large-scale paintings call attention to the vibrancy of youth culture, showing stylish young figures posing for mirror selfies, or couples getting their hair done while sharing a cigarette. Text: Maxwell Alexandre

Der Künstlerbund Hagen wurde im Jahr 1900 als Reaktion auf den Konservativismus des Künstlerhauses gegründet und etablierte sich spätestens in den 1920er-Jahren als "heute radikalste Gruppe" (Robert Musil, 1922) innerhalb der Wiener Künstlervereinigungen. Insbesondere die 1920er-Jahre gelten als die Blütezeit des Hagenbundes, wo letztendlich der Schritt von einer gemäßigten hin zu einer radikalen Moderne gesetzt wurde. Wenngleich weder ein einheitliches Stilwollen noch ein künstlerisches Manifest seitens des Hagenbundes existierte, so ist doch eine Betonung auf Ausformungen der Neuen Sachlichkeit sowie post-expressionistische Tendenzen mit kubistischen Versatzstücken charakteristisch.Der Hagenbund erlebte in seiner fast vier Jahrzehnte währenden Existenz eine äußerst wechselvolle Geschichte, die von der Monarchie über die Ausrufung der Ersten Republik, vom austrofaschistischen Ständestaat bis hin zur Machtübernahme der Nationalsozialisten führte. Letztere veranlassten schließlich - wegen zu moderner und liberaler künstlerischer Ansichten, der hohen Anzahl von Künstler*innen mit jüdischen Wurzeln und eines linken Flügels unter den Mitgliedern - im September 1938 die Auflösung der Künstlervereinigung. Eine große Anzahl der Mitglieder wie Georg und Bettina Ehrlich-Bauer, Josef Floch, Carry Hauser, Lilly Steiner, Otto Rudolf Schatz oder Felix Albrecht Harta mussten emigrieren oder wurden - wie Robert Kohl oder Fritz Schwarz-Waldegg - im Konzentrationslager ermordet.Text: Stefan Üner, Dominik Papst, Hans-Peter Wipplinger