Bøger om Konceptualisme

Ein Künstlerbuch über Bilder von Bildern In Jari Gensers künstlerischer Arbeit spielt die Wiederholung eine zentrale Rolle: Er malt Bilder, die immer das jeweils vorhergehende Bild im Prozess seiner Entstehung zeigen. Eine endlose Reihe: Bilder von Bildern von Bildern, wie zwei Spiegel, die sich gegenüberstehen und ein immer kleineres Spiegelbild zeigen. Und die Räume, in denen sie entstanden sind, die Dinge, die dort herumliegen, zufällig oder vorausschauend platziert, kurz: ein Leben. Wie schnell doch die Zeit vergeht. Die Monografie gibt erstmals einen detaillierten Überblick über die ersten 16 Werke, die seit 2012 auf diese Weise entstanden sind und die wie ein visuelles Tagebuch durch das Schaffen des Künstlers führen. Die Präsentation der Arbeiten wird ergänzt durch ein kommentiertes Inventar aller 477 in den Bildern enthaltenen Gegenstände. Aufwendig gestaltete Künstlermonografie und erstes Werkporträt des Künstlers Jari Genser 16 großformatige Abbildungen und ein kommentiertes Inventar der 477 in den Bildern enthaltenen Gegenstände Mit Beiträgen von Veronika Rudorfer und Klaus Speidel

Zwei Werkserien von Jeremias Altmann In seiner künstlerischen Arbeit beschäftigt sich Jeremias Altmann mit den Themen Maschine, Mensch und Entwicklung. Die aufwendig gestaltete Künstlermonografie präsentiert die beiden Werkserien YOUNG PROPHECIES und MACHINES. In der Serie YOUNG PROPHECIES rekonstruiert Altmann seine eigenen Kinderzeichnungen. Die Auseinandersetzung mit dem Innenleben technischer Apparaturen im zeitlichen Wandel ist Ausgangspunkt für die Serie MACHINES. Die Präsentation der Serien wird ergänzt durch einen essayistischen Text des Künstlers, von Fragen kindlicher Entwicklungspsychologie bis zu Reflexionen zum Spannungsfeld Mensch/Maschine. Die ungewöhnliche Gestaltung des Buches mit zwei Leserichtungen erlaubt das spielerische Erforschen der Serien: Leseroutinen werden aufgebrochen; Texte und Bilder sind zu einer besonderen Einheit verwoben. Präsentation zweier außergewöhnlicher Werkserien des Künstlers Jeremias Altmann Unkonventionell gestaltetes Buchobjekt mit zwei Leserichtungen Mit Beiträgen von Barbara Herbst, Antonia Hoerschelmann, Esther Mlenek, Günther Oberhollenzer und Nina Schedlmayer

Ein künstlerisches Forschungsbuch Die Monografie von und über Payer Gabriel ist eine antidisziplinäre Enzyklopädie, die ihre etymologische Herkunftsbedeutung - als Kreis des Lernens - wörtlich entfaltet: ein Zirkulieren variabler Wissensformen, die sich gegenseitig bedingen und lustvoll aufeinander referenzieren. Die alphabetisch geordnete Begriffssammlung ergibt sich aus einer Reflexion über die eigene künstlerische Arbeit, aber auch über theoretische Texte zu visuellen und anderen Epistemologien, die die Arbeit begleiten. So findet ein Essay von Bruno Latour über Inskriptionen nicht nur als Originaltext Eingang in das Buch, sondern auch über ein Nachdenken in zeichnerischer Form und in Referenztexten. Innerhalb dieser Kontextualisierungen überschreiten die künstlerischen Arbeiten ihren Status als Dokumentationen und entfalten ein Eigenleben. Das Buchobjekt als Werk: Originelle konzeptuelle Umsetzung, die das Buch als eigenständige künstlerische Arbeit denkt Facettenreiche, ästhetisch eigenwillige Abbildungen und Lithografien Mit Texten von Bruno Latour, Byung-Chul Han und Odo Marquard

The first monograph dedicated to one of today's leading and thought-provoking Indian visual artists Shilpa Gupta is internationally known for her profound and socially engaged multi-faceted practice. Her work is an ongoing exploration of how human actions and interactions are subjected to a range of external and internal biddings, from socio-political constructs to personal relationships and technology. The synaesthetic nature of her practice is rooted in the post-liberalizing city of Mumbai in India, where she grew up in the 1990s, and the complex political landscape in South Asia.  Gupta's work has been championed by many art luminaries and high-profile curators, including David Elliott, Massimiliano Gioni, Geraldo Mosquera, and Hans Ulrich Obrist. She is the first artist from the Asian sub-continent - a region with a booming art scene - to be chosen to be profiled in the Contemporary Artists Series. A keen observer of the everyday, Gupta creates videos, interactive installations, sculptures, and participatory performances, stimulating in the viewer a reflection on how places and people are defined and the meaning of belonging. This is the first comprehensive monograph of her work.

A definitive and timely monograph celebrating the work of ground-breaking conceptual artist Cerith Wyn Evans Cerith Wyn Evans is one of today's most respected and acclaimed sculptors. Born in Wales and educated through his first language of Welsgh, his work reflects his fascination with literature, film, music, and philosophy. Evans is an artist interested in language and how this can be perceived in spatial terms. Originally an experimental filmmaker, in the 1990s Evans started creating sculptures and installations defined by poetic conceptualism and elegant aesthetic forms. Often made of neon light, his pieces subtly disrupt existing systems of communication, either through the subversion and alteration of given spatial forms or by adopting a communal rather than a singular, authoritarian voice. In 2003 Evans represented Wales at the country's inaugural pavilion at the 50th Venice Biennale. This book, the first comprehensive study dedicated to his work, includes contributions by luminaries such as the former Guggenheim Chief, Nancy Spector and the 2011 Venice Biennale director, Daniel Birnbaum, together with a previously unpublished text by Evans himself.

This is the first book to fully interpret Objects on My Dresser (1979-83) by the conceptual artist Sonya Rapoport. Objects on My Dresser is Rapoport's psychological self-portrait for the digital age. Motivated by the recent passing of her mother, she joined together with a psychologist in a project that was part therapy, part creative collaboration. During the psychoanalytic process, Rapoport selected 28 objects that had accumulated on her bedroom dresser, ranging from travel souvenirs to family photos, small curios, and other keepsakes, which became anchors for the analysis. Rapoport turned to a newly available tool-the computer- and used the data mined from psychoanalysis to code, plot, and graph her interior experience. With exclusive access to archival materials and interviews with the artist during her lifetime, Efimova and Cohn decode Objects on My Dresser and position it in the canons of Conceptual, Feminist, and early computer art.

Ihren eigenen Körper als Rohmaterial einsetzend, dekonstruiertdie französische Künstlerin ORLAN die traditionelleIkonografie des Weiblichen. In den 1990er-Jahren erregteORLAN mit den an ihrem Körper vorgenommenen chirurgischenOperations-Performances großes Aufsehen. IhrFrühwerk ist weniger bekannt: Bereits 1964, mit 17 Jahren,gebiert sie ihr künstlerisches Selbst. Seitdem erschafft siesich immer wieder neu. Ihr Körper wird zugleich Subjektund Objekt, ironisch und provokativ spielt sie mit Identität.Diese Publikation fächert die gesamten sechs Jahrzehntevon ORLANs Werk auf und beleuchtet besonders ihrefrühen Performances. Zu ihren jüngsten Neuerschaffungengehört der Roboter ORLAN-OÏDE, und mit Hilfe einerAugmented Reality App steigen gar ORLAN-Avatare ausdem farbenprächtigen Buch heraus und werden lebendig.Dass der Körper politisch ist, zeigt sich in all ihren Arbeiten:1989 verwandelt sie Gustave Courbets Bild L'originedu monde in L'origine de la guerre, indem sie die Vulvadurch den Phallus ersetzt. Das Statement büßt nicht anAktualität ein.Die französische Künstlerin ORLAN (*1947, Saint-Étienne) ist eine der bedeutendsten Vertreterinnen der Feministischen Avantgarde, der Performance-Kunst und Begründerin L'Art Charnel (der Fleischeskunst). ORLAN setzt seit sechs Jahrzehnten ihren eigenen Körper als künstlerisches Material ein. Sie lebt und arbeitet in Paris.

Eric Hattan ist bekannt dafür, listige Eingriffe an Orten vorzunehmen und mit dem Durchkreuzen der bekannten Ordnung für Überraschung zu sorgen. So auch im Museum Langmatt, das den Schweizer Künstler eingeladen hat, seine Räumlichkeiten zu bespielen. Die historische Villa mit ihrem Mahagoni-Parkett, ihren edlen Teppichen, Kronleuchtern und dem gepflegten Garten bildet eine Kontrastfolie für die Installationen Hattans, die sich aus abgetragenen Kleidungsstücken, Metallteilen und weiteren weniger erlesenen Materialien zusammenfügen. Five o'clock Shadow dokumentiert den spannungsreichen Dialog, der dabei entsteht, und macht spürbar, wie das ehrwürdige Gebäude durch Hattans Intervention aufblüht.Der in Basel und Paris lebende ERIC HATTAN (*1955, Wettingen, Schweiz) zählt zu den erfindungsreichsten Konzeptkünstlern der Schweiz. Seine künstlerische Sprache zeigt sich chamäleonartig in diversen Medien und findet seit vielen Jahren internationale Beachtung.

The Little Book goes into philosophy and the lacunae in archives, fragments of poetry, and other arts, such as painting and music. Daesthetics: a haunted house of language, is in remembrance of the liminal, archival gaps. Daesthetics, a thinking in the open, with the unknowing; is to suspend judgment - as there is something fragmented, lost, at times unknowable in the lacunal text.

A collection of poems, dreams, notes, scores and drawings and sketches made between 2020 and 2022. The contents were created either in the process or reflection of Struggles around paper work-Immigration Bureaucratic systems.

Join renowned artist James Brunt as he goes outside and creates temporary outdoor art installations that become part of the natural landscape -- and be inspired to create your own!

Eclectic spatial interventions from a British conceptualist's exhibition during lockdownBritish artist Ryan Gander's (born 1976) interdisciplinary practice spans sculpture, installation, film and performance. His work juxtaposes the esoteric and the everyday, creating a set of hidden clues to be pieced together by the viewer like a conceptual puzzle.

Often regarded as an artistic movement of interwar Paris, Surrealism comprised an international community of artists, writers, and intellectuals who have aspired to change the conditions of life itself over the course of the past century. Consisting of a wide range of dedicated case studies from the 1920s to the 1970s, this book highlights the international dimensions of the Surrealist Movement, and the radical chains of thought that linked its followers across the globe: from France to Romania, and from Canada to the former Czechoslovakia. From very early on, the surrealists approached magic as a means of bypassing, discrediting, and combatting rationalism, capitalism, and other institutionalized systems and values that they saw to be constraining influences upon modern life. Surrealist Sorcery maps out how this interest in magic developed into a major area of surrealist research that led not only to theoretical but also practical explorations of the subject. Taking an international perspective, Atkin surveys this important quality of the movement and how it's remained an important element in the surrealist project and its ongoing legacy.

This book traces the evolution of Bill Beckley’s work through a selection of over 100 works, with critical texts and a conversation with the artist.Bill Beckley is an American conceptual artist and one of the first artists to use photography as a means of artistic expression. In the early 1970s he was part of a loose-knit group of conceptual artists that used images and fictional texts in a form that came to be known as Narrative Art. “I was basically writing a story and taking pictures at the same time. The text evolved with the photos,” he says.In the 1980s he experimented with various materials and his work became more sculptural and pictorial. By the end of the decade, he had found a way to integrate these materials with photography, and this integration became a very important aspect of all his works. In 2019 he produced the Neapolitan Holidays series, inspired by cards dated between 1915 and 1972, sent to or from Naples, Italy. The artist responded to the text on the postcard with an email or a text message—an old postcard receiving a response, sometimes even after a hundred years.

A collection of essays, fictions, and interviews exploring the weird temporalities of finance and catastrophe. Once, financial practitioners plied a hybrid trade as hydrologists, star-gazers, and weather-watchers who sought to discover the natural laws of value and exchange as they did the divine order of an unchanging nature. Today, corporate firms hire trend forecasters and scenario planners to play out strategic fictions in virtual worlds. Hurricane insurance markets simulate a turbulent climate to offer investment instruments to hedge against the risks of the stock market. And for financial astrologers operating in the city of London, celestial motions provide a cosmic map that orients the mood of terrestrial markets. Bringing together artists, researchers, and interstitial practitioners, Catastrophe Time! pays attention to the conditions of speculative knowledge on an increasingly volatile planet. Traversing a gray zone between rigorous research and operative science fictions, its contributors question how practices of speculation may transform, undermine, and at times exceed, the worlds they set out to model. Edited by artist Gary Zhexi Zhang, Catastrophe Time! explores the power of temporal technologies whether currencies, conspiracies, or simulation models to shape reality through fiction. By bringing together researchers and writers working at the boundaries of temporal practices, including Diann Bauer, Philip Grant, Bahar Noorizadeh, Habib William Kherbek, Klara Kofen, Kei Kreutler, Suhail Malik, Bassem Saad and Gordon Woo, this urgent volume seeks to make sense of the unraveling times in which we live.

"Jack Pierson: Less and more introduces works spanning over thirty years of Pierson's artistic practice, as well as new series specially created for the occasion of his tenth solo presentation at Regen Projects, Los Angeles. Known primary for personal portraiture photography, Jack Pierson has developed over the course of his life a multi-disciplinary practice composed of drawing, painting, collage, installation, and text-based sculpture. The publication includes extensive visual materials on the exhibition complemented with archival documentation and is accompanied with commissioned texts"--

"A book of photographs of US artist Sol LeWitt's in situ pencil drawings on the walls of a medieval tower in Spoleto, Italy, preceded by an illustrated introductory and contextual essay"--

The catalog Floating was published in accompaniment of the exhibition of the same name at Osthaus Museum Hagen. It provides an overview of the artist¿s recent works, which deal with constant change, becoming and passing. Since the beginning of 2018, Monika Kus-Picco has been working exclusively with medicines that serve as pigments. This involves using "expired" medical products and liquids instead of industrially produced paints and pigments, which are then applied to the canvas. This gestural, physical process gives the paintings a novel color palette and a startling inner tension. The paintings without beginning and end are reminiscent of the all over structures of Abstract Expressionism of the 1960s. The pharmaceutical material, which has deep associations, gives rise to completely new worlds of color. Monika Kus-Picco crosses the dividing line between natural science and art. The invisible modes of action of medicines are visualized and given a visible form reminiscent of cosmic processes. Medicine is not depicted, it depicts itself.

When a war ends provisionally, the agreement is called a ceasefire. But when peace ends, there is only war. War and peace are co-dependent. Perhaps it is now time for a "Peacefire."  In Maintenant 17: A Journal of Contemporary Dada Writing and Art, nearly 250 artists from more than 40 countries explore the concept of the end of both war and peace, exploring provocative outsider ideas as dada has done since its inception. With searing cover art by Uta Kaxniashvili, this issue of the renowned journal elaborates on dada's original premise as an antiwar movement. The Maintenant series, established in 2008, explores themes of politics, humanity, philosophy, and current concerns from an antiwar, anarchic (and often eye-opening) perspective. Past issues include work by artists Mark Kostabi, Raymond Pettibon, Joel Hubaut, Heide Hatry, Avelino de Araujo, Pawel Kuczynski, Inas Al-Soqi, Giovanni Fontana, Nicole Eisenmann, Syporca Whandal, and Kazunori Murakami; past writers have included Gerard Malanga, Charles Plymell, Andrei Codrescu, Harry E. Northup, Malik Crumpler, Maw Shein Win, and more, with a strong contingent of artist-writers from the world of punk rock, including Thurston Moore, Mike Watt, Bibbe Hanson and more. Critics have praised the series since its inception. Seattle Book Review calls Maintenant, "A smorgasbord for those who are sick and tired of it." Tribe LA dubs the journal, "A compilation of leading Dada-influenced artists from around the world that is timely and relevant." Serbia's Madjan Magazine proclaims that the Maintenant series proves "Dada is not dead." The Maintenant series is archived in leading institutions worldwide, including Museum of Modern Art New York. Contributors to Maintenant 17 include: Derek Adams ¿ Mariam Ahmed ¿ Jamika Ajalon ¿ Youssef Alaoui ¿ Linda J. Albertano ¿ Austin Alexis ¿ Joel Allegretti ¿ Daina Almario-Kopp ¿ Hala Alyan ¿ Jim Andrews ¿ Wayne Atherton ¿ Liz Axelrod ¿ Mahnaz Badihian ¿ David Barnes ¿ Amy Barone ¿ Vittore Baroni ¿ Tchello d' Barros ¿ Gaby Bedetti ¿ Regina Lafay Bellamy ¿ C. Mehrl Bennett ¿ Volodymyr Bilyk ¿ Mark Blickley ¿ Clemente Botelho ¿ Gedley Belchior Braga ¿ Michael Georg Bregel ¿ Kathy A. Bruce ¿ Imanol Buisan ¿ Fork Burke ¿ Billy Cancel ¿ Peter Carlaftes ¿ Wendy Cascade ¿ Nick Cash ¿ Mutes César ¿ Sarah M. Chen ¿ Nguy?n Bá Chung ¿ Hal Citron ¿ Lynette Clennell ¿ Andrei Codrescu ¿ William Cody ¿ Chuck Connelley ¿ Roger Conover ¿ Anothony Cox ¿ Malik Ameer Crumpler ¿ Raf Cruz ¿ Tchello d'Barros ¿ Wer Da ¿ Steve Dalachinsky ¿ Allison A. Davis ¿ Holly Day ¿ Avelino De Araujo ¿ Francesca Dharmakan-Bremner ¿ Natalie DiFusco ¿ Dario Roberto Dioli ¿ Rachel Dixon ¿ Sam Dodson ¿ Carol Dorf ¿ Eric Drooker ¿ Robert Duncan ¿ Salvatore Esposito ¿ Fong Fai ¿ Agenta Falk ¿ Massimo Fantuzzi ¿ Jeff Farr ¿ Becky Fawcett ¿ Rich Ferguson ¿ Maria Filek ¿ Cheryl J. Fish ¿ Kathleen Florence ¿ Robert C. Ford ¿ Dorothy Friedman ¿ Thomas Fucaloro ¿ Ignacio Galilea ¿ Sandra Gea ¿ Kat Georges ¿ Christian Georgescu ¿ Robert Gibbons ¿ Gordon Gilbert ¿ James J. Gleeson ¿ Mark Glista ¿ Ed Go ¿ Gemma Goette ¿ John Goodby ¿ Odeon Grace ¿ S.A. Griffin ¿ Fausto Grossi ¿ Meghan Grupposo ¿ Egon Guenther ¿ Genco Gülan ¿ Ana Maria Guta ¿ Bibbe Hansen ¿ Jesper Hasseltoft ¿ Heide Hatry ¿ Jeffrey Hecker ¿ László 2 Hegedus ¿ Aimee Herman ¿ Robert Hieger ¿ Karen Hildebrand ¿ Mark Hoefer ¿ Juleigh Howard-Hobson ¿ Matthew Hupert ¿ Frie J. Jacobs ¿ Annaliese Jakimides ¿ Marta Janik ¿ Mathias Jansson ¿ Lisa Marie Jarlborn ¿ Debra Jenks ¿ Dale Jensen ¿ Jerry Johnson ¿ Boni Joi ¿ Milana Juventa ¿ Jerry Kamstra ¿ Suzi Kaplan Olmsted ¿ Christine Karapetian ¿ Adeena Karasick ¿ Uta Kaxniashvili ¿ Marina Kazakova ¿ Oladipo Kehinde ¿ Tr?n Ðang Khoa ¿ Doug Knott ¿ Kollasch ¿ Daniel Kolm ¿ Gregory Kolm ¿ Ron Kolm ¿ Daina Kopp ¿ Mark Kostabi ¿ Paul Kostabi ¿ Inna Krasnoper ¿ Pawel Kuczynski ¿ Béné Kusendila ¿ Wang Lan ¿ Gary Lawless ¿ Mercedes Lawry ¿ David Lawton ¿ Jane LeCroy ¿ Sarah Legow ¿ Patricia Leonard ¿ Linda Lerner ¿ Martin H. Levinson ¿ Alexander Limarev ¿ Frédéric Lipczynski ¿ Richard Loranger ¿ Mina Loy ¿ Ruggero Maggi ¿ Sara Maino ¿ Gerald Malanga ¿ Jaan Malin ¿ Jessica Manack ¿ Fred Marchant ¿ Marronage ¿ Bronwyn Mauldin ¿ Jesse McCloskey ¿ Pierre Merejkowsky ¿ Ashley Miller ¿ Lois Kagan Mingus ¿ Charles Mingus III ¿ Richard Modiano ¿ Mike M. Mollett ¿ Thurston Moore ¿ Luiz Morgadinho ¿ Karen Neuberg ¿ James B. Nicola ¿ Gerald Nicosia ¿ Lance Nizami ¿ Harry E. Northup ¿ Anna O'Meara ¿ Ruth Oisteanu ¿ Valery Oisteanu ¿ Marc Olmsted ¿ John Olson ¿ Jane Ormerod ¿ Yuko Otomo ¿ Bibiana Padilla Maltos ¿ Csaba Pál ¿ Erzsébet Palásti ¿ Lisa Panepinto ¿ Gay Pasley ¿ John S. Paul ¿ Giorgia Pavlidou ¿ James Penha ¿ Puma Perl ¿ Robert Petrick ¿ Raymond Pettibon ¿ Charles Plymell ¿ Kai Pohl ¿ Leslie Prosterman ¿ Renaat Ramon ¿ Nicca Ray ¿ Mado Reznik ¿ D.M. Rice ¿ Travis Richardson ¿ Wes Rickert ¿ Benjamin Robinson ¿ Bruce Robinson ¿ Edel Rodriguez ¿ Mykyta Ryzhykh ¿ Martina Salisbury ¿ Paulo Sanches ¿ Kellie Scott-Reed ¿ Beatriz Seelaender ¿ Jack Seiei ¿ Silvio Severino ¿ Sheree Shatsky ¿ Susan Shup ¿ Jeff Shutt ¿ Bertholdus Sibum ¿ Denise Silk-Martelli ¿ Zoltán Simon ¿ Angela Sloan ¿ Katherine R. Sloan ¿ Phil Demise Smith ¿ Valerie Sofranko ¿ Paul Sohar ¿ J. R. Solonche ¿ Pere Sousa ¿ Orchid Spangiafora ¿ Dd. Spungin ¿ Marilyn Stablein ¿ Alex Starr ¿ Laurie Steelink ¿ Eva Helene Stern*** ¿ Christine Stoddard ¿ Thomas Stolmar ¿ Rich Stone ¿ W.K. Stratton ¿ Belinda Subraman ¿ Neal Skooter Taylor ¿ Robin Tomens ¿ Zev Torres ¿ John J. Trause ¿ Ann Firestone Ungar ¿ Yrik Max Valentonis ¿ Anoek Van Praag ¿ Nico Vassilakis ¿ Maggs Vibo ¿ Lynnea Villanova ¿ Voxx Voltair ¿ Barbara Vos ¿ Silvia Wagensberg ¿ George Wallace ¿ Scott Wannberg ¿ Mike Watt ¿ Poul R. Weile ¿ Ingrid Wendt ¿ Benjamin B. White ¿ Brenda Whiteway ¿ A. D. Winans ¿ Francine Witte ¿ Yaryan ¿ Gerald Yelle ¿ Andrena Zawinski ¿ Larry Zdeb ¿ Nina Zivancevic ¿ Lorene Zarou-Zouzounis ¿ Joanie HF Zosike

Examines the transformation of "the object" and the aesthetics of disaffection in the experimental art and photography of 1960s Japan.

Art and physics collide in this expansive exploration of how knowledge can be translated across disciplinary communities to activate new aesthetic and scientific perspectives.Leaning Out of Windows shares findings from a six-year collaboration by a group of artists and physicists exploring the connections and differences between the language they use, the means by which they develop knowledge, how that knowledge is visualized, and, ultimately, how they seek to understand the universe. Physicists from TRIUMF, Canada's particle physics accelerator, presented key concepts in the physics of Antimatter, Emergence, and In/visible Forces to artists convened by Emily Carr University of Art + Design; the participants then generated conversations, process drawings, diagrams, field notes, and works of art. The "wondrous back-and-forth" of this process allowed both scientists and artists to, as Koenig and Cutler describe, "lean out of our respective fields of inquiry and inhabit the infinite spaces of not knowing."From this leaning into uncertainty comes a rich array of work towards furthering the shared project of artists and scientists in shaping cultural understandings of the universe: Otoniya J. Okot Bitek reflects on the invisible forces of power; Jess H. Brewer contemplates emergence, free will, and magic; Mimi Gellman looks at the resonances between Indigenous Knowledge and physics; Jeff Derksen finds Hegelian dialectics within the matter–antimatter process; Sanem Güvenç considers the possibilities of the void; Nirmal Raj ponders the universe's "special moment of light and visibility" we happen to inhabit; Sadira Rodrigues eschews the artificiality of the lab for a “boring berm of dirt”; and Marina Roy metaphorically turns beams of stable and radioactive gold particles into art of pigments, oils, liquid plastic, and wood. Combined with additional essays, diagrams, and artworks, these texts and artworks live in the intersection of disparate fields that nonetheless share a deep curiosity of the world and our place within it, and a dedication to building and sharing knowledges.

'The Sensual Zodiac' is a visually stunning artistic representation of the seasonal Zodiac signs, as well as a depiction of the spirit of each sign. The beautiful images are the result of cutting and weaving together a myriad of colorful paper shapes meticulously cut from El's archive of printed material. The images are composed of hundreds of individual cuttings, each selected for their unique color and flowing motion. They are then blended into a seamless work of great depth and beauty in a process that takes months and sometimes years to complete. The work is embedded with miniature objects that enhance the viewing experience as they are discovered one by one through careful examination.

Das Werk der österreichischen Künstlerin Iris Andraschek ist geprägt von dem Interesse an alltagskulturellen und sozialpolitischen Motiven. Die Beziehung zwischen Mensch und Natur, alternative Lebensentwurfe sowie Fragen über ein gerechteres Zusammenleben sind wiederkehrende Themen ihrer Kunst. Kommunikation ist zentral für ihr recherchebasiertes Arbeiten. Dieses spiegelt sich in Projekten wider, die die persönlichen Erfahrungen der Menschen in den Mittelpunkt stellen. Der reich bebilderte Katalog Iris Andraschek. I love you :-) bietet erstmals einen umfassenden Überblick über Iris Andrascheks künstlerisches Schaffen der letzten 35 Jahre und entstand im Zuge ihrer Werkschau im Lentos Kunstmuseum Linz. Die Publikation versammelt Textbeiträge von Philippe Batka, Katrin Bucher Trantow und Gabriele Mackert sowie eine Auswahl von Kurztexten zu einzelnen Werkgruppen. Dem Buch ist ein Poster mit Ausstellungsansichten beigelegt.