Grafik og grafiske teknikker

This book presents the Japanese art of Shunga and Bijinga from the mid 1700s to the mid 1950s. Shunga is Japanese for 'spring pictures' but means 'erotic art'. The translation of Bijinga is 'pictures of beautiful people' meaning women, commonly referred to as 'beauties'. There is a link between them, as both are sexual in nature, with many pictures being of courtesans, or women as subjects of desire. But there is a lot more to it than that! This is not an academic book but more a personal journey of discovery by an accidental collector of Japanese woodblock prints. Bob Bentley informs, entertains and hopefully inspires like-minded fellow travelers embarking on similar explorations. The illustrations show a fascinating culture which thrived in the period when Japan was isolated from the rest of the world up to a time when the style and beauty of its art eventually exploded into the Western imagination. Bob has acquired a number of rare and original prints, as well as the more affordable, including re-prints, some almost as wonderful. The book is based purely on his collection - with delicate prints reproduced in high quality - imperfections and all. Many are exquisite works of art. This is a demonstration of the art that many people can acquire - at one level or another. Although there may be several hand made prints available of the same image, no two are identical. In buying prudently, you will see how it is possible to enjoy originals of the greatest artists, alongside beautifully crafted reprints. Here is a real passion, expressed in clear language, demystifying a culture that has provided the world with some of the most glorious art that has ever been seen.

CoBrA gehört zu den wichtigsten Künstlergruppen des Informel. Der Name leitet sich aus den Anfangsbuchstaben der drei Hauptstädte Kopenhagen, Brüssel und Amsterdam ab - die Zentren, von denen aus die CoBrA-Künstler/-innen agierten. Über die konkreten Anfänge der Kunstbewegung gibt es hierzulande nur wenig Kenntnis. Die Ausstellung und der gleichnamige Katalog versuchen die Anfänge breit angelegt zu untersuchen: Im Fokus steht die Rekonstruktion der Bewegung vor der offiziellen Gründung im November 1948. Abgebildet werden soll ein repräsentativer Querschnitt der Bewegung, der sowohl eine möglichst hohe Anzahl an Künstler/-innen als auch eine möglichst hohe Dichte an für die Bewegung charakteristischen Ausdrucksformen und Themenkreisen umfasst. Präsentiert werden etwa 50 Gemälde, 30 skulpturale Arbeiten, 50 Grafiken und Fotografien sowie einzelne Keramiken und Textilien aus internationalen Sammlungen.

This scarce antiquarian book is a facsimile reprint of the original. Due to its age, it may contain imperfections such as marks, notations, marginalia and flawed pages. Because we believe this work is culturally important, we have made it available as part of our commitment for protecting, preserving, and promoting the world's literature in affordable, high quality, modern editions that are true to the original work.

Studienarbeit aus dem Jahr 2006 im Fachbereich Kunst - Grafik, Druck, Note: 1-2, Rheinische Friedrich-Wilhelms-Universität Bonn (Kunsthistorisches Institut), Veranstaltung: Proseminar: Das druckgraphische Werk Albrecht Dürers, Sprache: Deutsch, Abstract: ¿Melencolia I¿ gehört neben ¿Der große Reiter¿ und ¿Hieronymus im Gehäus¿ zu den drei Meisterstichen Albrecht Dürers, die allesamt in den Jahren 1513 und 1514 entstanden sind.Kein anderes Werk hat in der kunsthistorischen Forschung so viele Anschauungen, Deutungen und kontroverse Interpretationen erfahren, wie dieser Kupferstich.Dürer gelang es, 1514 ein Meisterwerk zu schaffen, dessen einzelne Bildelemente sondiert zwar interpretierbar sind, das sich jedoch einer zusammenhängenden, vollendeten Bildinterpretation entzieht.Unzählige Kunsthistoriker versuchten dieses Werk Dürers zu analysieren, doch keiner von ihnen kam zu einer vollständigen und eindeutigen ikonologischen Analyse.Ziel dieser Arbeit ist es, eine Darstellung der Temperamentenlehre bis zur Zeit Dürers zu liefern, insbesondere die Entwicklung des Melancholikers.Des Weiteren werde ich eine Interpretation der einzelnen Bildelemente, beziehungsweise des ganzen Stiches vornehmen, die sich auf dieses Temperament bezieht.

New York Times BestsellerPostsecret.com founder Frank Warren is back with a fresh and compelling companion to his wildly popular Los Angeles Times bestseller, PostSecret. For My Secret, a collectible, paper-over-board book that includes a page of vibrant, decorative stickers, Warren has personally selected never-before-seen anonymous postcards created by teens and college students from across the country. Each card bears an intimate and powerful secret?at turns inspirational, shocking, hilarious, and poetic?that is told through original illustrations, photographs, collages, and other creative means. Sample messages include: "I am avoiding you because you are socially below me." "I know the truth to the lie my parents tell... " "My friends think I was homeschooled. I spent high school in juvi."A unique and important book that will appeal to both young adults and their parents, My Secret offers a raw and revealing glimpse into the real lives of today's teens and twentysomethings. Choosing their own handmade postcards over email or text messages, teens and college students express their hopes, fears, and wildest confessions in a way that truly represents their diverse personalities and voices.

Alexandra Stoddard has brought beauty and grace to the lives of millions all over the world through her many books, including the phenomenal betseller, Living a Beautiful Life. In Creating a Beautiful Home, Alexandra Stoddard generously shares her professional secrets as an interior designer as well as her personal experiences in renovating and decorating her own 1775 home in Connecticut. Once again, her original and imaginative ideas for every room in the house will inform and inspire you on your own exciting journey of discovery as you transform your living space into a warm and welcoming oasis of harmony, beauty, and joy.

Statens Museum for Kunst & Waanders Rijksmuseum

As one of the most important poster designers of our time, Swiss graphic designer Niklaus Troxler (born 1947) has devoted himself primarily to jazz posters. In 1966 Troxler organized the first jazz concert in his hometown Willisau in the canton of Lucerne. In 1975 he founded a jazz festival there that has since brought both established and innovative artists in Swiss and international jazz to the stage every year. Troxler designed countless posters for the festival as well as for the individual concerts, constantly reinventing himself. If his early jazz posters were still strongly oriented towards an illustrative comprehensibility, he soon emancipated himself from any narration. His virtuoso playing in the plane translates the character of experimental music and takes up ist improvisational gestures. Troxler's posters are synesthetic experiences and make music physically tangible. He is particularly interested in type, which he always designs in new ways and with different means, exploring the limits of legibility. On the occasion of Nikolaus Troxler's 75th birthday, this publication presents a selection of Troxler's legendary jazz posters. They are juxtaposed with his political manifestos in poster form, most of which he initiated himself, and with his commissioned works, including those for the Olma agricultural fair, the Knie circus and the Geneva International Motor Show.

Liddy Scheffknecht zählt zum Kreis der experimentierfreudigsten bildenden Künstler*innen der jüngeren Generation in Österreich. Die Publikation Liddy Scheffknecht - Points in Time präsentiert ausgewählte Arbeiten, die im letzten Jahrzehnt (2010-2020) entstanden sind. Liddy Scheffknechts Arbeiten umfassen ein breites mediales Spektrum - und dennoch formen sie ein kohärentes, fortlaufendes künstlerisches Programm. In fotografischen Sequenzen, Installationen, Skulpturen, Zeichnungen und Medienhybriden untersucht die Künstlerin das Verhältnis von Zeitlichkeit, Wahrnehmung und Raum; damit erzeugt und bricht sie Illusion gleichermaßen. In Liddy Scheffknechts künstlerischen Arbeiten kommen immaterielle Medien wie Sonnenlicht und Schatten ebenso zum Einsatz wie klassische bildhauerische Materialien und digitale Medien.

Der 1968 geborene renommierte Leipziger Maler Michael Triegel erschafft im Rückgriff auf die Kunst vergangener Epochen Bilder von hoher Aktualität. Die Werke des Barockkomponisten Johann Sebastian Bach (1685-1750) sind höchst gegenwärtig und ziehen Menschen weltweit in ihren Bann. Beide Künstler widmen sich in ihren spezifischen Kunstgattungen grundlegenden Themen menschlichen Seins wie Glaube und Zweifel, Leben und Tod, Schönheit und Vergänglichkeit.Indem der Gegenwartskünstler Triegel inhaltlich, formal und ästhetisch in einen vielschichtigen Dialog mit (Kunst-)Geschichte und Gegenwart tritt, lässt er ein ganzes Füllhorn von Bezügen in seinen Werken anklingen. Zu den vielfältigen Rezeptionsangeboten, die gegenständliche Kunst ihren Betrachtern offeriert, gehören die ins Bild gesetzten Gegenstände und Personen, ihre Beziehungen zueinander und zum Betrachter, Blickrichtungen und Gesten, Bildausschnitt und -aufbau, Erzählstränge und (Bedeutungs-)Perspektive, Bildtitel und Beschriftungen. All diese Mittel nutzt Triegel geschickt, um die Blicke und Gedanken seines Publikums auf ihm wichtige Themen zu lenken. Seine Methode, sich aus dem reichen Schatz der christlichen und mythologischen Ikonografie zu bedienen, die bekannten Motive und Darstellungen dann aber durch überraschende Kombinationen, Details und Fehlstellen aus dem gewohnten Kontext zu lösen und zu ganz eigenen Bildschöpfungen zusammenzufügen, lässt dabei viel Raum für individuelle Assoziationen und Interpretationen.In der Ausstellung des Bach-Museums Leipzig treten 33 Gemälde, Zeichnungen und Druckgraphiken Michael Triegels in einen Dialog mit Kompositionen Johann Sebastian Bachs. Malerei und Musik, Farbtöne und Klangfarben, bildkünstlerische und musikalische Sprache öffnen Assoziationsräume für das Verständnis der verhandelten Sujets. Als Musikbeispiele sind Ausschnitte aus geistlichen Kantaten Bachs zu hören, denen Choräle von Martin Luther und anderen Kirchenlieddichtern zugrunde liegen. Indem Bach allseits bekannte Choräle und Melodien in seine Kirchenmusik einarbeitete, bot er den Gläubigen wichtige Ankerpunkte. Doch auch ganz ohne Kenntnis musikhistorischer oder religiöser Bezüge entfalten seine Werke ihre Wirkung. Es gelingt ihnen, religiöse und nicht religiöse Menschen aus allen Teilen der Erde gleichermaßen zu berühren und in ihren Bann zu ziehen.Neben das Hören der Musik und das Betrachten der Bilder stellt die Ausstellung eine Objektebene: Originale Notenhandschriften, Bibeln, Textdrucke und andere Werke aus Bachs Bibliothek gewähren Einblicke in die barocken Kompositionen und ihre Quellen. Die Ausstellung wird mit dem vorliegenden großformatigen, reich bebilderten Katalog dokumentiert.

Kirchners Kunst lebt aus der Darstellung von Bewegung. Neben dem Tanz sind es Badende, die ihn zu immer neuen Darstellungen inspirierten. Ausgehend von den Badeszenen in den Dresdner Ateliers und den gemeinsamen Badefreuden der Brücke-Künstler an den Moritzburger Seen und der Ostseeinsel Fehmarn sowie von Kirchners Schweizer Jahren an den Bergbächen von Davos, zeichnet der Band dieses Thema anhand von Gemälden, Aquarellen und druckgraphischen Arbeiten nach. Die monumentalen Wandbilder mit Badenden, die Kirchner 1916 im Sanatorium in Königstein schuf und die von den Nazis 1938 zerstört wurden, werden erstmals farbig und in Originalgröße zu neuem Leben erweckt - eine Aktion,die dieser Katalog mit einem Beitrag und einer App begleitet und so ein neuartiges, virtuelles Erlebnis verspricht.

There is almost no other country in the world where bows are more closely intertwined with history and culture than in Japan. The bow is not only a means to hunt animals and defeat enemies, but it also plays a significant role in Japan's mythology and popular belief when children are born, diseases are to be healed, demons expelled, and good harvests secured. The bow is even attributed the power to transmit messages from the gods and predict the future.About 190 magnificent and expressive woodblock prints from the 19th century illustrate historical events, and take the reader on a foray through Japan's mythology and intellectual history. Bow rituals, competitions, and ceremonies are depicted, legendary archers are portrayed and their exploits are told. Along the way, the influence of Shintoism, Taoism, Buddhism, and Confucianism on Japanese archery is described.The Power of the Bow is an illustrated reader for all bow lovers and all friends of Japanese culture and history.

Dieser klassisch gewordene Band bietet einen Querschnitt durch das graphische und plastische Werk von Käthe Kollwitz (Königsberg 1867-1945 Moritzburg). Fritz Schmalenbachs Auswahl wird eingeleitet von seinem Text, der auch die wesentlichen biografischen Fakten ihres Lebens mitteilt. Das elementare Thema der Kunst von Käthe Kollwitz ist das menschliche Leiden - in dem das Leid der Armut darzustellen nur eine ihrer zahlreichen Formen ist. Eine Kunst, die Not darstellt in der Absicht, die Herzen aufzurütteln, ist in hohem Maß davon bedroht, sentimental, rührselig zu werden. Dagegen ist die Kunst der Kollwitz ganz und gar unsentimental. Obwohl sich Käthe Kollwitz stets politisch auf die Seite der armen Bevölkerung stellte und jede Form kriegerischer Gewalt ablehnte, ist die Künstlerin Käthe Kollwitz von keinem politischem Lager dauerhaft zu vereinnahmen. Hinter den zweifellos gesellschaftspolitischen Aspekten ihrer Werke wird das elementar menschliche Anliegen stets sichtbar. Dieses Buch wurde 1965, im Jahr seines Erscheinens, als eines der "schönsten Bücher" ausgezeichnet. Es hat seither nichts von seiner Faszination eingebüßt, sondern sich in mehreren Auflagen neben zahlreichen anderen Kollwitz-Büchern bis heute behauptet.

Giovanni Battista Piranesi (1720-78) is one of the most significant artists of 18th-century Rome, whose works brought him fame even during his own lifetime. He trained as an architect, but is most famous for the graphic prints that have fascinated people for centuries.This book, published to accompany SMK’s exhibition Piranesi – Vision and Veracity, explores the power of his art to fascinate viewers. Thanks to his supreme mastery of graphic techniques, Piranesi was able to create detailed and impressive visual universes in which it is impossible not to lose oneself. The ruins of antiquity are a favoured motif in his mission to show the Rome of the past as the zenith of civilisation, creativity and innovation.Piranesi’s goal was not, however, solely to depict reality as he saw it. He infused his images with impressive, dramatic elements, radically manipulating their perspectives. The resulting works convince as both visions and veracity.

Rolf Nesch regnes i dag som en av etterkrigstidens viktigste kunstnere, både i Norge og resten av Europa. Som norsk-tysk kunstner brakte han uvurderlige impulser til norsk kunstliv, og med sitt «metalltrykk» og ekstensive eksperimentering, står han som en av de store fornyere av grafikken, også i internasjonal målestokk. Rolf Emil Rudolf Nesch (1893-1975) ble født i Ober-Esslingen,Württemberg, og studerte som ung mann ved kunstakademiet i Dresden. Som en av sin generasjons mest lovende kunstnere, vakte det oppsikt da han i 1933 forlot Tyskland i protest mot Hitlers maktovertakelse. Inspirert av Edvard Munch, norsk natur og arbeidertradisjoner, fortsatte han et kunstnerskap som i samtiden ble sett på som fremmed og eksentrisk i norsk sammenheng, men som i dag regnes for et av det 20. århundrets viktigste fornyelser av den grafiske kunsten. Nesch kjøpte gården Rud ved Ål i Hallingdal i 1951, hvor han bodde og arbeidet resten av livet. I Ål ble det i 1993 åpnet eget Nesch-museum. 1958 ble Nesch tildelt æresbevisningen kommandør av den norske St. Olavs Orden. I denne boken leverer Eivind Otto Hjelle - som var hans venn og svigersønn - et levende portrett av den norsk-tyske kunstneren, hvis liv og kunstnerskap er mer aktuelt enn noensinne.

Med Ulla Diedrichsen kommer man langt omkringbåde i tid, sted og rum. Fra Sønderho til Salzburg over Aarhus, New York og Wien. Fra konceptkunst i 70erne til stengulvet i RibeDomkirke i 2020. Fra barndommens blyantstreger til nutidens digitaleform for kommunikation. Fra ord til billede. Ord hentet i fortiden ogbragt ind i nutiden som en visuel form. Drivkraften i denne hvirvelvindaf indtryk er en dyb nysgerrighed på og forundring over tilværelsen,over det at leve her og nu.Ulla Diedrichsens kunstneriske virkehar mange facetter. Det giver sig udtryk i forskellige medier, hunigennem årene har arbejdet med og afsøgt. Det være sig konceptkunst,fotografi, film, performance, maleri, grafik, installationer ogudsmykninger af forskellig art. Ofte er der fulgt ord med fra kunstneren selv. Det er også tilfældet i denne publikation, som er blevet til iforbindelse med Ulla Diedrichsens totalinstallation på Ribe Kunstmuseums øverste etage i efteråret 2021. I artiklen »Tankeodyssé« førerDiedrichsen læseren gennem landskaber, gennem tider, gennem oplevelserog indtryk fra barndom til eftertankens alder, hvor nysgerrigheden ikkebliver mindre, men erfaringsopsamlingen større.At billeder ermeningen, er der ingen i tvivl om, når man møder denne kunstner, menordene – de bærer også betydning ud over at være en form. Ikke alene nye ord, men i særdeleshed også de gamle. Dem, der dukker op hist og her.Ofte kun i brudstykker, så man kun kan ane noget og må gætte sig tilresten. I mødet med Diedrichsens kunst åbnes øjnene for detuforståelige, nysgerrigheden pirres og forundringen bliver til spørgsmål og eftertanke.Med artiklen »At se dobbelt – ord, spor,billede« af museumsinspektør på Ribe Kunstmuseum, cand.mag. KatrineBruun Jørgensen, får vi et indblik i Ulla Diedrichsens værk og i densærlige grafiske teknik »frottage«, som er anvendt til en række afudstillingens værker. Disse frottager stammer dels fra Sct. Catharinæ Kirke i Ribe og fra Ribe Domkirke. En yderligere indføring i ogperspektivering af Ulla Diedrichsens kunst udfoldes i artiklen »Når order mere end bare ord. Om Ulla Diedrichsens kunstneriske færden mellemskriftbilledernes linjer« af overinspektør på Museum Jorn, cand.mag.Lucas Haberkorn. Haberkorn peger bl.a. på, at Ulla Diedrichsenundersøger teksten som billede og form, og at essensen ihendes kunstneriske praksis er at skabe ufuldendte billeder ogfortællinger på baggrund af en kunstnerisk arkæologi fremfor at pege påsandheder.

Palle Nielsen (1920-2000) var en af de største grafiske kunstnere og tegnere i sin generation. Han arbejdede i den europæiske grafiske tradition, beherskede alle det grafiske håndværks teknikker og valgte frit mellem dem, så de passede til hensigten med det udtryk, han søgte. Han skelnede mellem de spontane teknikker som raderinger og litografier og de tidskrævende, træsnit og linoleumssnit, hvor materialet gjorde fysisk og psykisk modstand. Han var selvlært i alle teknikker og trykte sine ting selv, nummererede dem aldrig og solgte dem fra begyndelsen af tresserne kun gennem Clausens Kunsthandel.Palle Nielsen var også, hvad der er mindre kendt, en fin essayist og en fremragende sprogbruger, hvis kendskab til både det talte og skrevne sprog kan aflæses i hans serier, hvor han udviklede en særlig dialektik mellem billede og tekst. Hans produktion var enorm, og bogens hensigt er at skabe en sammenhæng mellem værkets forskellige dele på grundlag af de temaer, som Palle Nielsen med stor konsistens behandlede gennem hele sit lange liv.I skildringen af denne indre og ydre sammenhæng mellem det grafiske udtryk og dets hensigt er der lagt mindre vægt på dets forankring i hans biografi, som allerede er grundigt fremstillet af Kristian Romare i tæt samarbejde med Palle Nielsen selv, men mere vægt på billedanalyserne og analyserne af det narrative indhold i serierne. De mange tekster, essay, foredrag og det store undervisningsmateriale han efterlod, er givet en fremtrædende plads til belysning af det, der blev Palle Nielsens mest skelsættende bidrag til dansk kunst: Hans tegnede og trykte serier. Palle Nielsen udtrykte sig i billedrækker, som enten havde en historie at fortælle eller en associativ sammenhæng, men altid en bestemt hensigt, som ikke blot var at skabe et billede, men også et budskab. At forsøge at efterspore, hvad dette budskab egetlig er, og beskrive hvordan Palle Nielsen udtrykker det i billedsproget, er bogen egentlige hensigt. (uddrag fra forfatterens forord)Se også bogen om hans hustru Elsa Nielsen: ”Elsa Nielsen – Akvarel, tegning, grafik” (EAN 9788772459585)