Moderne dans

Using the stage and the bedroom, Renée E. D'Aoust interweaves dance history with the stories of contemporary dancers' muscle and

Dorothea Eitel versteht das Choreografieren als einen Akt, der auf einer bewusst entschiedenen Lebenshaltung als Künstler:in, Unternehmer:in und Mensch basiert, um als einzigartige Künstlerpersönlichkeit mit Hilfe methodischer und unternehmerischer Werkzeuge und Skills, genuine Gestaltungen hervorzubringen. Durch Experimente und Momentaufnahmen können Leser:innen für sich selbst herausfinden, wer sie als Mensch sind, was sie als Künstler:innen in die Welt bringen möchten und wie sie mit Hilfe von kollaborativen, co-kreativen und kollektiven Methoden und Werkzeugen aus dem agilen Management und dem intentionalen Gemeinschaftsleben teamorientiert planen, arbeiten und gestalten können.Dieses Buch wurde von einer Choreografin, jedoch nicht ausschließlich für Choreograf:innen geschrieben. Auch andere Künstler:innen und selbst andere Branchen können hier fündig werden für ihre Arbeit als Kreative, Lehrende, Raumhalter:innen und Visionär:innen.Das Buch ist ein Füllhorn, um neue Praktiken kennenzulernen und noch unerforschte Wege zu beschreiten. Es ist Anleitung, Fragenkatalog, philosophische Abhandlung, Autobiografie, Erfahrungsbericht, Ideen- und Materialsammlung sowie Quelle für die eigene weiterführende Forschung. Es ist Impulsgeber, Mutmacher, ein Tritt in den Hintern, Inspiration, Provokation, Wissensquelle.

Join us on a captivating journey into the rhythmic realm where classical grace meets urban flair; a world where tradition and innovation harmonize to create the groundbreaking dance phenomenon known as Hiplet. "Hiplet: Bridging the Rhythms of Ballet and Hip-Hop" takes you into the rich history, vibrant evolution and cultural significance of this enchanting dance form.Most important features:Origins and Evolution: Discover Hiplet's roots in the busy streets of Chicago and follow the evolution of this dance style as it defies convention and seamlessly combines the elegance of ballet with the energy of hip-hop.Special Movements: Delve into the intricacies of Hiplet's signature movements and choreography. From pirouettes with urban flair to rhythmic isolations, discover the nuanced expressions that define the fusion and speak the language of Hiplet with confidence.Global Impact: Learn about Hiplet's international rise as it transcends geographic boundaries and captures the hearts of audiences around the world. Dive into remarkable performances and collaborations on global stages and explore the cross-cultural exchange that defines this dance revolution.The Creative Intersection: Discover how Hiplet extends beyond the dance studio and mixes with fashion, music and other creative fields. Unravel the collaborations with renowned designers, the symbiotic relationship with various music genres and the dynamic energy that inspires interdisciplinary synergy.Cultural Movement: Dive into the cultural significance of Hiplet as a movement that embodies diversity, inclusion and empowerment. Read the personal stories of people who have embraced Hiplet as an indispensable element in their lives.The future of Hiplet: Imagine with us about the future of Hiplet and its potential impact on the dance world. Discover emerging trends, interdisciplinary collaborations and technological integrations that promise to shape the evolution of this innovative dance form."Hiplet: Bridging the Rhythms of Ballet and Hip-Hop" invites dance enthusiasts, students and curious minds to enter Hiplet's vibrant dance floor. Immerse yourself in this unique dance style that defies expectations, celebrates diversity and ensures the enduring appeal of Hiplet as a bridge between classical and contemporary dance forms.

"The dynamic history of the innovative, beloved, and critically acclaimed dance theater company, with revelatory behind-the-scenes details of its creators and significant works The ingeniously innovative and enduringly popular American dance theater company Pilobolus has helped redefine, remix, and rejuvenate the essence of dance with its eclectic sensibility and daring athleticism. Now, for the first time, the story of Pilobolus, from its counterculture origins through its pop-culture triumphs and contemporary global acclaim, is revealed in a book that will entrance longtime admirers and newcomers alike. Written with unprecedented access to the company-with insights from unpublished archival materials and interviews with its founders, dancers, and current artistic directors-and featuring both classic and never-before-seen photos, Pilobolus offers previously untold details about the group's history and the creation of its most significant works. Robert Pranzatelli describes the company's genesis in a Dartmouth dance class in 1971 and how Pilobolus revolutionized dance with its blend of sensuality, physical achievement, and visual wit. In these pages, the troupe performs on Broadway, travels the world, and by the late 1980s secures a place in dance history, while its growth is marked by periods of internal conflict, challenges, and change. As Pilobolus continues to morph, invent, and thrive with the arrival of new artists and collaborators, its story encompasses love, loss, grief, and rebirth, as well as insights into the secrets of the creative process-how performers and choreographers think and work. More than a history, Pilobolus is a narrative of life and art, and the vitality that infuses and inspires both when they align and inhabit each other"--

Brilliantly curated and beautifully illustrated, the Welcome to the Arts series offers all-hours admission to some of the world's most wondrous performances. From Swan Lake to Riverdance, flamenco to tap, Dance features some of the most iconic performances and popular dances from around the world.

Seit 30 Jahren feiert die Tanzcompagnie Sasha Waltz & Guests internationale Erfolge mit ihren zeitgenössischen Choreografien, sozialen Skulpturen, Dialoge-Projekten, Opern und Filmen. Anlässlich dieses Jubiläums richtet Sasha Waltz gemeinsam mit Menschen, die ihren Weg begleitet haben, den Blick zurück nach vorn. Denn wie die Choreografin selbst es treffend beschreibt, »ein Ensemble ist ein lebendiges Archiv.« Wie aber erinnert sich ein Ensemble?Jenseits der bloßen Chronologie der Ereignisse rückt das Buch einen Aspekt des Erinnerns in den Vordergrund, der die Wiederholbarkeit des Tanzes garantiert: Die Notation. Sasha Waltz' »Partituren« bestehen aus faszinierenden Begriffen, die jeweils einzelne choreografische Figuren bezeichnen. Das Buch greift 50 dieser Codes in Form einer enzyklopädischen Wunderkammer auf und löst sie aus ihrem eigentlichen Kontext. Durch Verknüpfungen zur Kunstgeschichte und kommentiert durch Gastbeiträge entsteht eine schöpferische Neuordnung des OEuvres von Sasha Waltz, die die choreografischen Figuren erneut zum Tanzen bringt.Die Choreografin Sasha Waltz und der Kulturunternehmer Jochen Sandig realisieren seit 1993 in Berlin und darüber hinaus mit vielen Verbündeten ihren gemeinsamen Traum einer Tanzcompagnie als eine sich stetig verändernde künstlerische Gemeinschaft. Das bisherige Gesamtwerk von SASHA WALTZ & GUESTS umfasst über 80 Produktionen, an denen mehr als 300 künstlerische und wissenschaftliche »Guests« aus Architektur, Bildender Kunst, Choreografie, Design, Film, Literatur, Mode, Musik, Oper, Philosophie, Soziologie, Tanz und Theater aus über 30 Ländern mitgewirkt haben.

CHARLESTONERCISEThe Home Exercise Dance WorkoutBooklet(12 great, fun 1920's style Charleston Dance routines)by Anthony Padgett MA PGCE (as seen on Downton Abbey the movie, BBC1 and Sky TV)Anthony has taught dance for 15 years and has danced Charleston for Downton Abbey the movie, adverts, BBC1 and Sky TV."Home Exercise in Style"

SEE! besteht aus den Choreographinnen/Künstlerinnen SE Struck und Alexandra Knieps, die in Kooperation mit einem festen Team von Musiker:innen, Tänzer:innen und Künstler:innen anderer Sparten eine Gruppe bilden, um mit Performances und Live-Installationen Räume zu besetzen. Die von der Gruppe exklusiv für einen Ort entwickelten Szenarien sind performative Handlung, präzise Choreographie und skulpturale Installation zugleich.Das Buch dokumentiert eine von SEE! für den Kunstverein Ruhr konzipierte Arbeit. Hierfür wurden der Boden und die Wände des Kunstvereins mit indigoblauem Teppich ausgelegt und anschließend von vier Performer:innen unterschiedlichen Alters und unterschiedlicher Herkunft bespielt. Die Zuschauer:innen waren durch ein Schaufenster von den Akteur:innen getrennt und betrachteten das Geschehen mit Distanz von der Straße aus.Mit ihrer Arbeit thematisierten SEE! auf eindrückliche Weise den schmalen Grat zwischen Öffentlichkeit und Privatheit, zwischen aktiver Vorführung und passivem Konsum sowie - letztendlich - zwischen Kunst und Alltag.

Alex er 16 år og går i 1.g. Han føler ikke, at han hører til i gymnasiet og har isoleret sig fra sine jævnaldrende. I skolen kæmper han med koncentrationsbesvær og mobning samt en meget kontrollerende mor. Det eneste Alex drømmer om er at blive professionel danser. Han bruger derfor al sin fritid på at danse hiphop og underviser også på det lokale danse­studie. Da Nana fra klassen begynder at vise inte­resse for ham, finder Alex langsomt modet til at åbne op og betro sine problemer til hende.Alt det jeg aldrig fik sagt er en historie om at finde sig selv og turde være den, man er.

Als Pionierin von sowohl Videokunst als auch computergestütztem Videotanz erforscht die brasilianische Künstlerin, Tänzerin und Choreografin Analivia Cordeiro (*1954) seit den frühen 1970er-Jahren die Beziehungen zwischen Körper, Bewegung, visueller und audiovisueller Kunst sowie Medienkunst."Egal welches Alter, egal wie viel Tanzerfahrung, jeder kann durch Bewegung lernen." (A. Cordeiro)Analivia Cordeiro prägt seit den frühen 1970er-Jahren als eine der ersten Videokünstlerinnen die gesamte Medienkunst Südamerikas. Die Publikation präsentiert das Gesamtwerk der Künstlerin bis zur Gegenwart. Neben einem einführenden Text der Herausgeberin enthält sie ein Interview mit der Künstlerin und eine Auswahl von Texten verschiedener Autor:innen und der Künstlerin selbst. Ein umfangreicher Werkteil mit vielen Abbildungen, historischen Dokumenten und Fotografien sowie einer ausführlichen Biografie und Bibliografie vervollständigen das Buch.

Matthew Rushing, an exceptional professional dancer that has taken the dance world by storm. Matthew began his professional career at age 17, and has continued to perform for 30 years with The Alvin Ailey American Dance Theater. Through much hard work, and dedication Matthew also transitioned into leadership positions; first as Rehearsal Director/Guest Artist, and is presently the Associate Artistic Director. This amazing versatile dancer is a perfect fit for the high caliber repertoire company of The Alvin Ailey American Dance Theater. Matthew is not only an amazing dancer, but also an outstanding humanitarian. Enjoy Matthew's journey as you turn the pages of his biographical story. The author Toni Lynn is a native of Pittsburgh, PA. She is a graduate of the University of California, Irvine, with a Masters of Fine Arts degree in Dance, and a Bachelor of Arts in dance from Point Park University, Pittsburgh, PA. Toni started dancing at the age of 11, and at 12 was awarded a summer scholarship to study dance at the University Of Pittsburgh. She danced with The Pittsburgh Black Theater Dance Ensemble, Barbara Sullivan's Atlanta Dance Theater, and Chester Whitmore's Central Avenue Dance Ensemble, Los Angeles. Toni was the featured dancer for actress Della Reese's 70th birthday party. She is also proud to be an original member of the WNBA Los Angeles Sparks 'Ole Skool' Dance Crew. She is presently a itinerant dance teacher for Los Angeles Unified School District. Toni is the proud mother of two adult sons, DeMarius and Scott

Das Buch ist Teil der Produktion, die 2019 mit dem Rechercheprozess zur Entwicklung der Inszenierung DER PALAST von Constanza Macras begann. Im Rahmen dieser Recherche wird die Frage nach dem Wohnungsmarkt und der Gentrifizierung in Berlin untersucht. Die Veränderung der Stadt aus architektonischer und städtebaulicher Sicht, aber auch aus der Sicht der Bürger:innen. Für dieses Projekt hat Constanza Macras | DorkyPark mit dem international bekannten englischen Fotografen Tom Hunter zusammengearbeitet, der sich seit mehreren Jahren mit dem Thema Gentrifizierung in London beschäftigt. "Jeder weiß, wie sich das Zentrum Berlins seit dem Fall der Mauer verändert hat: Verfallende Altbauten wurden besetzt und mit neuem Leben gefüllt, die Stadt entwickelte sich zu einem Synergiepunkt für Kreative und Partygänger:innen. Mit der Gentrifizierung scheint aber auch eine kulturelle Nivellierung einherzugehen, bei der der Geschmack einer globalen, gut situierten Mittelschicht im Vordergrund steht. DER PALAST setzt sich mit dieser Problematik auseinander, indem er einerseits die Architektur in den Mittelpunkt der Arbeit stellt und andererseits die Geschichte, Gegenwart und Zukunftsvorstellungen der Stadt und ihrer Bewohner:innen aufzeigt. Den Ausgangspunkt der Arbeit bilden Porträts des englischen Fotografen Tom Hunter. Er stellt gesellschaftliche Themen im Stil der alten Meister dar und entwickelt speziell für DER PALAST eine Serie von Fotografien in Berlin. Als Gegenstück zur Architektur fungiert das internationale Format des Reality-TV. Nicht nur die prototypischen Charaktere der Juroren, sondern auch die Sets und die Teilnehmer:innen werden über Reality-Formate hinweg immer wieder reproduziert." - Carmen Mehnert / Constanza Macras Das Buch enthält auch Fotos der Inszenierung von Thomas Aurin, der die Company seit mehr als 20 Jahren begleitet.

Instruments of Embodiment draws on fashion theory and the philosophy of embodiment to investigate costuming in contemporary dance.

Exclusive art project by photographer Erwin Olaf and choreographer Hans van Manen offering a unique view on dance and photography.

Das Black Mountain College (BMC) in North Carolina war Ende der 1940er-Jahre die führende Institution zur interdisziplinären künstlerischen Ausbildung. Unterrichtet wurde u. a. in den Fachrichtungen Bildende Kunst, Architektur, Theater sowie Ökonomie, Physik und Geschichte. Zu den Lehrenden gehörte eine Vielzahl der damals führenden Künstler:innen, Dichter:innen und Designer:innen Amerikas sowie zahlreiche Emigrant:innen aus Deutschland, die vom Bauhaus nach dessen Schließung durch die Nationalsozialisten an das Black Mountain College kamen. Ziel des BMC war die Etablierung eines demokratischen und entsprechend der reformpädagogischen Ideen des Philosophen John Dewey erfahrungsbasierten, fächerübergreifenden Lehrinstituts.Die Publikation untersucht erstmals das Bildungsmodell des BMC, seine philosophischen Ansätze und die Kunstphilosophie von John Dewey mit dem Ziel, das Erbe des BMC umfassend zu verstehen und wiederzubeleben, um es in einem partizipatorischen Sinn zu erneuern.Einen Schwerpunkt bildet dabei das Kunstprojekt "PERFORMING the Black Mountain ARCHIVE" von Arnold Dreyblatt, bei dem Studierende europäischer Kunstakademien eingeladen waren, ein von Dreyblatt zusammengestelltes Archiv zum Black Mountain College durch performative Interaktion in die Gegenwart zu übersetzen.

La Guía de campo de iLANDing contiene 75partituras para la investigación de espacios urbanos que fueron desarrolladas alo largo de diez años por el Laboratorio Interdisciplinario de Arte, Naturalezay Danza. En estos laboratorios, artistas y científicos generaban metodologíashíbridas para un acercamiento a la ecología urbana fundamentado en la danza ydiseñado para cualquiera que desee experimentar la incursión de la naturalezaen la ciudad o descentrar los métodos antropocéntricos habituales de navegarpor el mundo. Lleva una introducción de la fundadora de iLAND, Jennifer Monson.