Moderne dans

Mag.art. Karen Vedel har skrevet levende og engagerende om Moderne dans. Hun dykker ned i de mange æstetiske nybrud op gennem 1900-tallet, hvor de kommer fra, og hvordan de præger det nye danske danseteater. Hun giver også et bud på kulturpolitiske tiltag.Iscenesat-serien blev lanceret i 2022 i forbindelse med 300-året for dansk teater på initiativ af Selskabet for Dansk Teaterhistorie og udgives i samarbejde med Forlaget Kronstork.

Denne bog er det første bind ud af i alt seks i min anmeldelsessamling ”Set sådan! Et dansehistorisk vue”.Hvert af de seks bind indeholder fem års danseanmeldelser. I et kronologisk forløb giver bogserien et bredt og omfattende overblik over scenedansens udvikling i Danmark igennem 30 år fra 1990 til 2020.Dette bind indledes med en oversigtsartikel om mine første møder med dans, sådan som jeg har set og oplevet det. Som et historisk vue bagud til de sene 1960ere og frem til anmeldelsernes start i 1990 belyses det moderne gennembrud for dansen i Danmark; påvirkningerne fra udlandets nye fremstormende koreografer, der hurtigt viste, at scenedans i Danmark ikke kun var ensbetydende med Bournonville, men havde mange flere og vidt forskellige udtryk at byde på.Et hjemligt alternativt dansemiljø spirede frem op gennem 1970erne og 1980erne, de fleste ledet af kvindelige, udenlandske koreografer med inspiration fra USA i bagagen. Desuden gav en strøm af udenlandske gæstespil og diverse festivaler et overdådigt udbud af dans fra det meste af verden, blandt andet Fools, Images of Africa og Dancin' City.Rigt illustreret. Fyldigt register.Dette første bind indeholder mine anmeldelser fra Kristeligt Dagblad fra 1990-94 og tillige fra tidsskriftet Teater Et fra 1991-94.MAJBRIT HJELMSBO (f. 1956). Uddannet bibliotekar og ballethistoriker fra Københavns Universitet, Dansens Æstetik og Historie. Balletanmelder ved Weekendavisen siden 1995, fra 1990-95 ved Kristeligt Dagblad. Danseredaktør ved tidsskriftet Teater Et 1991-97 og 1999-2000. Korrespondent for Dancing Times i London fra 2015-21. Har skrevet i danseantologierne ”Fools 25” (2004) og ”Dansen er en kunst” (2005). Har desuden udgivet digtsamlingerne ”Ovenfra og ned” (2012) og ”U-vending – og andre retningsskift over tid” (2019). Bidragsyder til antologien ”Et vigtigt brev” (2023). Har desuden skrevet digte, debatindlæg og kronikker til Hvedekorn, Tidsskriftet Lyrik, Ekstra Bladet, Politiken og Weekendavisen.

Har du det, der skal til for at blive en stjerne?Velkommen til Stjernefrø – skolen for teater og dans!Sara er vildt begejstret for at skulle til audition på opførelsen af musicalen Mary Poppins på Det Kongelige Teater. Det kan være hendes store chance! Men en anden elev går efter den samme rolle i musicalen, og hun er villig til at gøre alt for at få den. Kan Sara vinde sin drømmerolle?

Har du det, der skal til for at blive en stjerne? Velkommen til Stjernefrø – skolen for teater og dans!Clara har altid drømt om at gå på den verdensberømte teater- og danseskole. Men når alle er lige så talentfulde, som du er, hvordan skiller du dig så ud fra mængden? Snart er Claras navn på alles læber ... af de helt forkerte grunde. Kan hun rette op på det, før det er for sent?

Dorothea Eitel versteht das Choreografieren als einen Akt, der auf einer bewusst entschiedenen Lebenshaltung als Künstler:in, Unternehmer:in und Mensch basiert, um als einzigartige Künstlerpersönlichkeit mit Hilfe methodischer und unternehmerischer Werkzeuge und Skills, genuine Gestaltungen hervorzubringen. Durch Experimente und Momentaufnahmen können Leser:innen für sich selbst herausfinden, wer sie als Mensch sind, was sie als Künstler:innen in die Welt bringen möchten und wie sie mit Hilfe von kollaborativen, co-kreativen und kollektiven Methoden und Werkzeugen aus dem agilen Management und dem intentionalen Gemeinschaftsleben teamorientiert planen, arbeiten und gestalten können.Dieses Buch wurde von einer Choreografin, jedoch nicht ausschließlich für Choreograf:innen geschrieben. Auch andere Künstler:innen und selbst andere Branchen können hier fündig werden für ihre Arbeit als Kreative, Lehrende, Raumhalter:innen und Visionär:innen.Das Buch ist ein Füllhorn, um neue Praktiken kennenzulernen und noch unerforschte Wege zu beschreiten. Es ist Anleitung, Fragenkatalog, philosophische Abhandlung, Autobiografie, Erfahrungsbericht, Ideen- und Materialsammlung sowie Quelle für die eigene weiterführende Forschung. Es ist Impulsgeber, Mutmacher, ein Tritt in den Hintern, Inspiration, Provokation, Wissensquelle.

This is the first history of the innovative, beloved, and critically acclaimed dance theater company Pilobolus, with revelatory behind-the-scenes details of its creators and significant works.

Brilliantly curated and beautifully illustrated, the Welcome to the Arts series offers all-hours admission to some of the world's most wondrous performances. From Swan Lake to Riverdance, flamenco to tap, Dance features some of the most iconic performances and popular dances from around the world.

Seit 30 Jahren feiert die Tanzcompagnie Sasha Waltz & Guests internationale Erfolge mit ihren zeitgenössischen Choreografien, sozialen Skulpturen, Dialoge-Projekten, Opern und Filmen. Anlässlich dieses Jubiläums richtet Sasha Waltz gemeinsam mit Menschen, die ihren Weg begleitet haben, den Blick zurück nach vorn. Denn wie die Choreografin selbst es treffend beschreibt, »ein Ensemble ist ein lebendiges Archiv.« Wie aber erinnert sich ein Ensemble?Jenseits der bloßen Chronologie der Ereignisse rückt das Buch einen Aspekt des Erinnerns in den Vordergrund, der die Wiederholbarkeit des Tanzes garantiert: Die Notation. Sasha Waltz' »Partituren« bestehen aus faszinierenden Begriffen, die jeweils einzelne choreografische Figuren bezeichnen. Das Buch greift 50 dieser Codes in Form einer enzyklopädischen Wunderkammer auf und löst sie aus ihrem eigentlichen Kontext. Durch Verknüpfungen zur Kunstgeschichte und kommentiert durch Gastbeiträge entsteht eine schöpferische Neuordnung des OEuvres von Sasha Waltz, die die choreografischen Figuren erneut zum Tanzen bringt.Die Choreografin Sasha Waltz und der Kulturunternehmer Jochen Sandig realisieren seit 1993 in Berlin und darüber hinaus mit vielen Verbündeten ihren gemeinsamen Traum einer Tanzcompagnie als eine sich stetig verändernde künstlerische Gemeinschaft. Das bisherige Gesamtwerk von SASHA WALTZ & GUESTS umfasst über 80 Produktionen, an denen mehr als 300 künstlerische und wissenschaftliche »Guests« aus Architektur, Bildender Kunst, Choreografie, Design, Film, Literatur, Mode, Musik, Oper, Philosophie, Soziologie, Tanz und Theater aus über 30 Ländern mitgewirkt haben.

CHARLESTONERCISEThe Home Exercise Dance WorkoutBooklet(12 great, fun 1920's style Charleston Dance routines)by Anthony Padgett MA PGCE (as seen on Downton Abbey the movie, BBC1 and Sky TV)Anthony has taught dance for 15 years and has danced Charleston for Downton Abbey the movie, adverts, BBC1 and Sky TV."Home Exercise in Style"

SEE! besteht aus den Choreographinnen/Künstlerinnen SE Struck und Alexandra Knieps, die in Kooperation mit einem festen Team von Musiker:innen, Tänzer:innen und Künstler:innen anderer Sparten eine Gruppe bilden, um mit Performances und Live-Installationen Räume zu besetzen. Die von der Gruppe exklusiv für einen Ort entwickelten Szenarien sind performative Handlung, präzise Choreographie und skulpturale Installation zugleich.Das Buch dokumentiert eine von SEE! für den Kunstverein Ruhr konzipierte Arbeit. Hierfür wurden der Boden und die Wände des Kunstvereins mit indigoblauem Teppich ausgelegt und anschließend von vier Performer:innen unterschiedlichen Alters und unterschiedlicher Herkunft bespielt. Die Zuschauer:innen waren durch ein Schaufenster von den Akteur:innen getrennt und betrachteten das Geschehen mit Distanz von der Straße aus.Mit ihrer Arbeit thematisierten SEE! auf eindrückliche Weise den schmalen Grat zwischen Öffentlichkeit und Privatheit, zwischen aktiver Vorführung und passivem Konsum sowie - letztendlich - zwischen Kunst und Alltag.

Als Pionierin von sowohl Videokunst als auch computergestütztem Videotanz erforscht die brasilianische Künstlerin, Tänzerin und Choreografin Analivia Cordeiro (*1954) seit den frühen 1970er-Jahren die Beziehungen zwischen Körper, Bewegung, visueller und audiovisueller Kunst sowie Medienkunst."Egal welches Alter, egal wie viel Tanzerfahrung, jeder kann durch Bewegung lernen." (A. Cordeiro)Analivia Cordeiro prägt seit den frühen 1970er-Jahren als eine der ersten Videokünstlerinnen die gesamte Medienkunst Südamerikas. Die Publikation präsentiert das Gesamtwerk der Künstlerin bis zur Gegenwart. Neben einem einführenden Text der Herausgeberin enthält sie ein Interview mit der Künstlerin und eine Auswahl von Texten verschiedener Autor:innen und der Künstlerin selbst. Ein umfangreicher Werkteil mit vielen Abbildungen, historischen Dokumenten und Fotografien sowie einer ausführlichen Biografie und Bibliografie vervollständigen das Buch.

Alex er 16 år og går i 1.g. Han føler ikke, at han hører til i gymnasiet og har isoleret sig fra sine jævnaldrende. I skolen kæmper han med koncentrationsbesvær og mobning samt en meget kontrollerende mor. Det eneste Alex drømmer om er at blive professionel danser. Han bruger derfor al sin fritid på at danse hiphop og underviser også på det lokale danse­studie. Da Nana fra klassen begynder at vise inte­resse for ham, finder Alex langsomt modet til at åbne op og betro sine problemer til hende.Alt det jeg aldrig fik sagt er en historie om at finde sig selv og turde være den, man er.

Matthew Rushing, an exceptional professional dancer that has taken the dance world by storm. Matthew began his professional career at age 17, and has continued to perform for 30 years with The Alvin Ailey American Dance Theater. Through much hard work, and dedication Matthew also transitioned into leadership positions; first as Rehearsal Director/Guest Artist, and is presently the Associate Artistic Director. This amazing versatile dancer is a perfect fit for the high caliber repertoire company of The Alvin Ailey American Dance Theater. Matthew is not only an amazing dancer, but also an outstanding humanitarian. Enjoy Matthew's journey as you turn the pages of his biographical story. The author Toni Lynn is a native of Pittsburgh, PA. She is a graduate of the University of California, Irvine, with a Masters of Fine Arts degree in Dance, and a Bachelor of Arts in dance from Point Park University, Pittsburgh, PA. Toni started dancing at the age of 11, and at 12 was awarded a summer scholarship to study dance at the University Of Pittsburgh. She danced with The Pittsburgh Black Theater Dance Ensemble, Barbara Sullivan's Atlanta Dance Theater, and Chester Whitmore's Central Avenue Dance Ensemble, Los Angeles. Toni was the featured dancer for actress Della Reese's 70th birthday party. She is also proud to be an original member of the WNBA Los Angeles Sparks 'Ole Skool' Dance Crew. She is presently a itinerant dance teacher for Los Angeles Unified School District. Toni is the proud mother of two adult sons, DeMarius and Scott

Das Buch ist Teil der Produktion, die 2019 mit dem Rechercheprozess zur Entwicklung der Inszenierung DER PALAST von Constanza Macras begann. Im Rahmen dieser Recherche wird die Frage nach dem Wohnungsmarkt und der Gentrifizierung in Berlin untersucht. Die Veränderung der Stadt aus architektonischer und städtebaulicher Sicht, aber auch aus der Sicht der Bürger:innen. Für dieses Projekt hat Constanza Macras | DorkyPark mit dem international bekannten englischen Fotografen Tom Hunter zusammengearbeitet, der sich seit mehreren Jahren mit dem Thema Gentrifizierung in London beschäftigt. "Jeder weiß, wie sich das Zentrum Berlins seit dem Fall der Mauer verändert hat: Verfallende Altbauten wurden besetzt und mit neuem Leben gefüllt, die Stadt entwickelte sich zu einem Synergiepunkt für Kreative und Partygänger:innen. Mit der Gentrifizierung scheint aber auch eine kulturelle Nivellierung einherzugehen, bei der der Geschmack einer globalen, gut situierten Mittelschicht im Vordergrund steht. DER PALAST setzt sich mit dieser Problematik auseinander, indem er einerseits die Architektur in den Mittelpunkt der Arbeit stellt und andererseits die Geschichte, Gegenwart und Zukunftsvorstellungen der Stadt und ihrer Bewohner:innen aufzeigt. Den Ausgangspunkt der Arbeit bilden Porträts des englischen Fotografen Tom Hunter. Er stellt gesellschaftliche Themen im Stil der alten Meister dar und entwickelt speziell für DER PALAST eine Serie von Fotografien in Berlin. Als Gegenstück zur Architektur fungiert das internationale Format des Reality-TV. Nicht nur die prototypischen Charaktere der Juroren, sondern auch die Sets und die Teilnehmer:innen werden über Reality-Formate hinweg immer wieder reproduziert." - Carmen Mehnert / Constanza Macras Das Buch enthält auch Fotos der Inszenierung von Thomas Aurin, der die Company seit mehr als 20 Jahren begleitet.

Instruments of Embodiment draws on fashion theory and the philosophy of embodiment to investigate costuming in contemporary dance.

La Guía de campo de iLANDing contiene 75partituras para la investigación de espacios urbanos que fueron desarrolladas alo largo de diez años por el Laboratorio Interdisciplinario de Arte, Naturalezay Danza. En estos laboratorios, artistas y científicos generaban metodologíashíbridas para un acercamiento a la ecología urbana fundamentado en la danza ydiseñado para cualquiera que desee experimentar la incursión de la naturalezaen la ciudad o descentrar los métodos antropocéntricos habituales de navegarpor el mundo. Lleva una introducción de la fundadora de iLAND, Jennifer Monson.

Studienarbeit aus dem Jahr 2010 im Fachbereich Didaktik - Deutsch - Deutsch als Fremdsprache, Ludwig-Maximilians-Universität München, Sprache: Deutsch, Abstract: Der Autor beschäftigt sich mit der Frage, warum in der deutschen Breakdance- Szene fast ausschließlich MigrantInnen zu finden sind. Selbstverständlich könnte man diese Fragestellung auch auf ganz Europa ausweiten. Die Hip-Hop-Kultur ist per se eine MigrantInnen-Kultur, zumal ihre Begründer im New York der 1970er Jahre vor allem Puerto-Ricaner und Afro-Amerikaner waren.Der Rap ¿ ein Teilbereich des Hip-Hop ¿ und seine deutsche Variante, der ¿Deutsch-Rap¿, repräsentiert durch bekannte und erfolgreiche deutsche Bands wie die ¿Fantastischen Vier¿, ¿Blumentopf¿, ¿Freundeskreis¿ oder ¿Fettes Brot¿, um nur einige zu nennen, hat es in Deutschland zu beträchtlichem Ansehen gebracht und ist auch in der deutschen Bevölkerung, vor allem auch beim Bildungsbürgertum, auf positive Resonanz gestoßen.Der ebenfalls in der Hip-Hop-Kultur verankerte Breakdance hingegen hat sich zu einer Minderheiten-Tanzrichtung entwickelt, die fast nur von MigrantInnen der zweiten Generation beziehungsweise Personen mit familiärem Migrationshintergrund, das heißt mit mindestens einem immigrierten Elternteil, ausgeübt wird.

Wie kaum eine andere Persönlichkeit des Kulturbetriebs hat Nele Hertling die künstlerische Entwicklung der Nachkriegszeit in Berlin und Deutschland mitgeprägt. In mehr als 60 Jahren erschuf sie durch ihren beharrlichen Austausch mit Künstler·innen und Kulturpolitiker·innen ein einzigartiges Netzwerk für den Tanz, das Theater und die Musik, aber auch für kulturpolitische Initiativen wie "A Soul for Europe" (2004). Diesem Lebenswerk ist die Publikation gewidmet, aber auch ihrer persönlichen und gesellschaftlichen Motivation, ihrer künstlerischen Vision eines Deutschlands, das seinen Weg aus der Traumatisierung durch soziale und politische Schuld und aus der Zerstörung der Kultur hin zu einer Perspektive in Europa immer neu gestalten muss. Mit Texten von: Bob Wilson, Wooster Group, Anne Teresa de Keersmaeker, Hugo de Greef, Hans-Jürgen Syberberg, Heiner Goebbels, Kathrin Deventer, Iztok Kovac u.a.Nele Hertling, geb. 1934, war über 60 Jahre in der Akademie der Künste Berlin tätig, zuerst als Mitarbeiterin, später als Mitglied, Vizepräsidentin (2006 - 2015) und seit 2017 als Direktorin der Sektion Darstellende Kunst. An der Akademie leitete sie zudem das wichtigste internationale Performancefestival der 1970er und 1980er Jahre für Berlin und Deutschland: PMTT (Pantomime - Musik - Tanz - Theater). Von 1989 bis 2003 war sie Intendantin des Hebbeltheaters, von 2003 bis 2006 Direktorin des Berliner Künstlerprogramms des DAAD. Johannes Odenthal, Kunsthistoriker und Autor für Tanz, Performance und zeitgenössische Kunst, von 2006 bis 2022 Programmbeauftragter der Akademie der Künste Berlin. Mit Nele Hertling verbindet ihn eine enge Zusammenarbeit seit 1989.--Nele Hertling has had an unparalleled impact on the development of art in post-war Berlin and Germany: there is scarcely another figure on the cultural scene who can match the influence she has wielded. Over a period of more than sixty years, her dogged exchange of ideas with artists and cultural politicians has led to the creation of a unique network for dance, theatre, and music, as well as for initiatives relating to cultural policy, such as "A Soul for Europe" (2004). This publication is dedicated to her life's work, to what drove her personally and as a member of society, and to her artistic vision of a Germany that was obliged to keep devising new ways to emerge from the traumatization caused by social and political guilt and find a path leading out of the destruction of culture towards a European perspective.With texts by: Bob Wilson, Wooster Group, Anne Teresa de Keersmaeker, Hugo de Greef, Hans-Jürgen Syberberg, Heiner Goebbels, Kathrin Deventer, Iztok Kovac, and othersNele Hertling, b. 1934, has worked at the Akademie der Künste Berlin for over sixty years, first as an employee, then later as a member of the academy, its vice-president (2006-2015) and, since 2017, the director of the Performing Arts Section. At the academy she also directed Berlin's and Germany's most important international performance festival of the 1970s and 1980s: PMTT (Pantomime-Music-Dance-Theatre). She was artistic director of the Hebbeltheater from 1989 to 2003 and director of the DAAD Artists-in-Berlin Program from 2003 to 2006.Johannes Odenthal, art historian and writer on dance, performance, and contemporary art, was in charge of programming at the Akademie der Künste Berlin from 2006 to 2022. He has worked in close collaboration with Nele Hertling since 1989.